Autor: fsk

Chihiros Reise ins Zauberland
Ein Film von Hayao Miyazaki.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Die kleine Chihiro muss, um ihre gierigen, und deshalb verhexten, Eltern zu befreien, in der Zwischenwelt im Badehaus der Hexe Yubaba arbeiten, das auch von allen möglichen Göttern, Natur- und Haus- geistern besucht wird. Eine riesige Herausforderung für das Mädchen, für uns aber eine Fahrt durch einen atemberaubenden Anime-Kosmos in eine hochkomplexe und hintergründige magische Welt. Wahrlich ein Märchen, denn es geht darum, dem Konkurrenzkampf den Rücken zu kehren und eine andere Art der Selbstverwirklichung anzustreben, und es hat bereits das wichtige Thema des „Nicht-Wollens“. Denn „Nicht-Wollen“ ist ein Weg, sich von einer Gesellschaft zu lösen, die einem ständig vorschreibt, was man „wollen“ soll. Ausgezeichnet mit dem Goldener Bären, Berlinale 2002 und dem Oscar als Bester Animationsfilm 2002.
„Eigentlich endet diese Geschichte unerwartet traurig, oder? Schließlich muss Chihiro genau in dem Moment, in dem sie endlich von den Menschen, denen sie in der anderen Welt begegnet ist, akzeptiert wurde, diese Welt wieder verlassen. Hätte sie noch ein wenig länger bleiben können, hätte sie die Froschmänner und die Schneckenfrauen besser kennenlernen können. Sie hätte erkannt, dass es auf der Welt alle möglichen Menschen gibt, darunter gute Menschen und dumme Idioten. Aber sie muss all das hinter sich lassen. Das ist wirklich sehr traurig. Selbst ich, der den Film gedreht hat, war traurig.“ Hayao Miyazaki
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Credits:
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Spirited Away
JP 2001 , 125 Min. japanische OmU und deutsche Synchronfassung (in wenigen Vorstellungen)
Regie: Hayao Miyazaki
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Trailer:
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CHIHIROS REISE INS ZAUBERLAND – 25th ANNIVERSARY – Trailer German | Deutsch

Im Kino in japanisch mit deutschen Untertiteln
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Di., 21. 7.:
Für immer 16
Ein Film von Brezel Göring.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Der Film erzählt die Geschichte von Charlotte, Helena und Oskar – die sich nach langer Zeit wiedertreffen und – eingeladen von Charlotte – gemeinsam in den Urlaub fahren. Sie hat nämlich Geld, hat Karriere gemacht als Schauspielerin, während die anderen beiden nach wie vor Undergroundkunst machen (und völlig verarmt sind). Die drei waren früher die Experimentalfilmgruppe „Les enfants terrible”, hatten sich aber heillos zer- stritten. Und jetzt brechen Neid und Eifersucht erneut aus und nehmen sogar an Schärfe zu, als Rudolph in ihr Leben tritt. Alle drei verlieben sich und haben nacheinander eine Affäre mit ihm! Sie beschließen – wie früher – einen Undergroundfilm zu drehen. Demenzia, eine männermordende Serienkillerin, gespielt von Helena, bringt unentwegt Typen um, allesamt gespielt von Rudolph. Beim letzten Dreh kommt Rudolph durch einen Unfall zu Tode. Die drei lassen die Leiche verschwinden und durch diese kriminelle Aktivität erwacht die alte Freundschaft und die Liebe zueinander erneut.

Der Film Für immer 16 beruht auf einem Roman von Françoise Cactus. Sie hat sich vorgestellt wie es wäre alt zu sein und die Kumpels von früher wiederzusehen: also Science-Fiction, bezogen auf die Individualpsychologie. Sie machen da weiter, wo sie
aufgehört haben: 1. sie drehen einen Film und 2. sie zanken sich!
Neben den Rivalitäten und Streitereien stellen sich auch grundsätzliche Fragen: wie altern Subversion, schwarzer Humor, Antimoral, Genderidentitäten, Feminismus, jugendliche Fundamentalopposition? Und wie kann man verhindern, dass Subversion Teil des Mainstreams und der Verwertungskultur wird?
Die drei Hauptpersonen stehen für unterschiedliche Formen des Scheiterns: Charlotte kommerzialisiert sich, Helena verbittert über der Erfolglosigkeit und Oskar gibt resigniert die Kunst auf.
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Credits:
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DE 2026 74 Min., deutsche OmeU
Regie Brezel Göring
Kamera: Stephan Holl
mit: Lilith Stangenberg, Chang Wang, Mücke, Twiggy, Anton Garber
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Trailer:
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Sa., 18. 7.:
Funeral Casino Blues
Ein Film von Roderick Warich.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Jen lebt in Bangkok – zwischen der Rezeption eines Apartmenthauses und den Hotelzimmern fremder Männer. Was sie verkauft, ist Zeit, Nähe, manchmal nur einen Moment. Als ein Treffen eskaliert, greift Wason ein – ein Barkeeper, der mehr verloren hat, als er zeigt. Für eine kurze Weile treiben sie gemeinsam durch die schwülen Nächte.
Dann ist Jen fort. Keine Spur. Kein Abschied.
Pim, ihre Mitbewohnerin, beginnt zu suchen. Wason folgt ihr. Ihre Spur führt durch leere Gassen, fremde Zimmer, offene Schulden und Erinnerungen, die sich entziehen. Bis an die kambodschanische Grenze – oder vielleicht nur zurück dorthin, wo Jen längst verschwunden war.
Als Jen verschwindet – ohne Nachricht, ohne Abschied – folgen ihre Mitbewohnerin Pim und der stille Barkeeper Wason ihrer Spur. Eine leise Suche beginnt, durch Nächte, Erinnerungen – und eine Stadt, die niemanden vermisst.

„Wenn man im ersten Akt eine Pistole zeigt, muss sie im dritten Akt abgefeuert werden – eine dramaturgische Regel von Anton Tschechow, es geht dabei um Erzählökonomie, um das Vermeiden loser Enden, um den Aufbau von Spannung. Roderick Warich zeigt in seinem Film „Funeral Casino Blues“ schon ziemlich am Anfang die Pistole: Wason (Wason Dokkathum) hat sie im Hosenbund stecken, er lüftet sein Hemd, um Jen (Jutamat Lamoon) vor einem aufdringlichen Verehrer (sprich: Freier) zu befreien. Die Pistole wird immer wieder auftauchen. Sie wird auch abgefeuert. Aber dies im Off, nach Schwarzblenden, und auch nicht unbedingt im dritten Akt, weil so etwas wie eine klare Aktaufteilung, überhaupt eine strukturierte, standardisierte Erzählweise liegt Warich fern.
Und das macht seinen Film so unbedingt interessant, so unbedingt sehenswert. Man muss sich nur darauf einlassen, dann kann man versinken in hypnotischen Bildern, in denen die Kamera sich durch den Raum bewegt, durchs nächtliche Bangkok, dann kann man sich verlieren in den Figuren, deren Innerstem wir uns allenfalls annähern, dann kann man eintauchen in eine Geschichte, die von der Liebesgeschichte in die Noir-Gangsterstory wechselt, die zum Geisterfilm wird, ohne Horror zu sein.„
Kinozeit | Harald Mühlbeyer
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Credits:
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DE 2025 , 153 Min. · Thailändische Originalfassung mit deutschen Untertiteln
Regie: Roderick Warich
Kamera: Roland Stuprich
Schnitt: Hannes Bruun
mit: Jutamat Lamoon · Wason Dokkathum · Jutarat Burinok · Piyapong Saebui · Rinda Hamer · Chayanee Choomnoommanee
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Trailer:
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Do., 16. 7.:
The Lights, They Fall
Ein Film von Saša Vajda.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Es scheint, als seien Abschied und Tod zu manchen Zeiten im Kino besonders präsent – im November gab es den Dokumentarfilm Palliativstation, vor kurzem den sensiblen und ruhigen Sechwochenamt, und gerade noch den formal aufregenden Everytime. Alles grundverschiedene Filme mit vergleichbarem Thema, dem Verlust. Auch The Lights, They Fall geht sehr eigen mit dem Protagonisten um. Ilay ist noch viel zu jung, um seine Mutter zu verlieren, aber sie wird palliativ betreut, und ihr Ende ist abzusehen. Ein Vater ist nicht zu sehen, und so ist die Pflegerin Ana die einzige, mit der er sich austauschen kann. Ansonsten driftet er, wortkarg und introvertiert, durch sommerliche Nächte im Norden Berlins, arbeitet oder trifft sich mit verständnisvollen Freunden. Als er sieht, dass sein Arbeitsleiter seinen Hund schlecht behandelt, stiehlt Ilay spontan das Tier, ohne Plan, was er damit anfangen soll.
In stillen, intensiven Bildern zeigt Saša Vajdas erster Langspielfilm den Alltag von Ilay und Ana. Das Band zwischen ihnen ist zerbrechlich, und manchmal verwebt sich Alltägliches mit Traumhaftem, da sich in die realistische Oberfläche immer wieder kleine Irritationen einschleichen.
„Es ist bei Weitem nicht „alles gut“ – weder bei Ilay, noch bei Ana. Und doch verströmt The Lights, They Fall etwas ungemein Tröstliches. Das Rätselhafte, das der Film in seine sehr lebensnahe Welt einwebt, macht die Dinge nicht verwirrender, sondern klarer. Und das ist wirklich erstaunlich.“ Andreas Köhnemann | kino-zeit
„Vor allem, wie belastend die Situation für Angehörige sein kann – psychisch und emotional. Im Film ist der Sohn erst 16. Er wollte nicht wahrhaben, dass seine Mutter sterben wird. Das begegnet uns in der Pflege oft: Angehörige, die den Abschied nicht akzeptieren können.“ sagt Shanthi Philipp auf die Frage, nach dem, was man aus dem Film mitnehmen sollte. Die Darstellerin der Shanti ist, wie auch die der Ana, Flor Prieto Catemaxca, Palliativpflegerin.
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Credits:
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DE 2026 , 87 Min., deutsche OmeU,
Regie: Saša Vajda
Kamera: Tom Otte
Schnitt: Denys Darahan, Saša Vajda
mit: Mohammed Yassin Ben Majdouba, Flor Prieto Catemaxca, Mahira Hakberdieva, Safet Bajraj, Shanthi Philipp, Solomon Guye, Mahir Özel
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Trailer:
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Mi., 15. 7.:
Everytime
Ein Film von Sandra Wollner.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Langsam steigt die goldrote Sonne groß und rund über den Dächern Berlins empor. In ein paar Stunden soll Jessie mit ihrer Familie die Urlaubsreise nach Teneriffa antreten. Doch dann geschieht ein Unglück, ein unendlicher Verlust, und die Zeit scheint stillzustehen. Viel später geht das Leben der anderen einfach weiter: für Jessies Mutter Ella, ihre Schwester Mellie und ihren Freund Lux. Trotz des Abstands ist für sie jedoch alles immer noch anders. Ella beschließt spontan, zum Tag des tragischen Geschehens zurückzukehren. Die Reise, die nie stattfand, treten die drei jetzt an.
Als Meisterin der behutsamen Zeitmanipulation hat sich die Regisseurin schon bei The Trouble with Being Born bewiesen; hier setzt sie auf temporäre Verschiebungen und die Magie der Erinnerung. Die Landschaft der kanarischen Vulkaninsel wird bei allem realistisch dargestellten äußeren Geschehen fast zu einem mythischen Ort, an dem die Irrationalität das Handeln übernimmt. So ist es kein Wunder, dass die zu einem gelben Riesenpixel mutierte Sonne schließlich endlos über dem Meereshorizont steht und nicht mehr untergehen will.
„Everytime fängt einen Zwischenzustand ein, eine Parallelwelt, in der sich die Trauernden bewegen. Sie sieht der Welt der Nicht-Trauernden verdächtig ähnlich, aber Zeit und Raum und Logik funktionieren hier anders. Mit ihrem Handy schickt Melli weiterhin SMS an ihre große Schwester, und die Kamera gleitet immer wieder durch die würfelige Landschaft des Computerspiels, das die Mädchen immer gespielt haben. Ist Jessie hier zu finden? Oder in den grellen Schwarzweiß-Kontrasten der kanarischen Insel, auf der die Familie Urlaub machen wollte, bevor Jessie starb, und auf die Ella nun Lux mitnimmt?
Sandra Wollner gibt keine Antworten, aber ihr Film nimmt faszinierende, irrlichternde Wege, die sich immer weiter vom Realismus des Beginns entfernen. In Cannes wurde Everytime in diesem Jahr mit dem Preis für den besten Film in der Sektion „Un certain regard“ 2026 ausgezeichnet.“
Hendrike Bake | indiekino

Am 22. & 23.8. zeigen wir auch einen früheren Film von Sandra Wollner: Das unmögliche Bild
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Credits:
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DE/AT 2026 , 123 Min., deutsche OmeU,
Regie: Sandra Wollner
Kamera: Gregory Oke
mit: Birgit Minichmayr, Lotte Shirin Keiling, Tristán López, Carla Hüttermann, Naomi Elia Richard

Audiodeskriptionen, Untertitel und Hörverstärkung mit der Greta App
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Trailer:
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Mi., 8. 7.:
Staatsschutz
Ein Film von Faraz Shariat.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

2019 erregte der Regisseur Faraz Shariat mit seinem Debüt Futur Drei mächtig Aufsehen. Bei der Berlinale gewann er den Teddy-Award für den Besten Spielfilm, und später ebenso den First Steps Award. Wer den frei finanzierten, nicht nur der vielschichtigen Perspektiven wegen beeindruckenden Film (noch einmal) sehen möchte, hat bei uns dazu in am 1.+ 2.9. Gelegenheit.
Bei seinem neuen Film, dem Justizthriller Staatsschutz, geht er sehr viel gradliniger vor als als beim biografisch gefärbten Vorgänger. Sheo, eine junge Staatsanwältin mit koreanischem Hintergrund, gerät in die Schusslinie rechter Kreise, ermittelt dazu auch in ihrem beruflichen Umfeld und merkt, dass selbst ihre Position sie nicht schützt. Inhaltlich gibt es kein konkretes Vorbild, vielmehr fasst das Drehbuch zusammen, was nach langer und intensiver Recherche denkbar ist. Umgesetzt als spannendes und direktes politisches Kino, zieht uns Shariat den Boden der Gewissheit über die Gerechtigkeit des juristischen System unter den Füssen weg. In kongruenten Bildern und mit einer zunächst übermotiviert und unzugänglich erscheinenden Protagonistin erzählt der Film rasant und eindrucksvoll eine Geschichte, deren Inhalt mit „Staatsversagen“ nur höchst unzulänglich beurteilt wäre.
„Faraz Shariat ist eben auch ein Kind der Popkultur, durchbricht und stört damit die Schwere und neutrale Sachlichkeit, balanciert meisterhaft zwischen Systemkritik und Suspense, gießt die Wut und Ohnmacht einer ganzen Generation in die Form des Genres und verwandelt sie in wehrhafte Kunst.“ Corinna Götz | The spot – media & film
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Credits:
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DE 2026 113 Min., Deutsch, Koreanisch OmeU,
Regie: Faraz Shariat
Kamera: Lotta Kilian
Montage: Friederike Hohmuth
mit: Chen Emilie Yan, Julia Jentsch, Alev Irmak, Arnd Klawitter, Sebastian Urzendowsky
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Trailer:
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Mo., 6. 7.:
Mes Petites Amoureuses
Ein Film von Jean Eustache.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Ein Sommer der Unschuld endet abrupt. Der 13-jährige Daniel wird aus seinem behüteten Landleben in die Enge der Stadt gerissen und in die Härte der Erwachsenenwelt gestoßen. Statt Schule und Freundschaften bestimmen Arbeit, soziale Kälte und erste Auseinandersetzungen mit Sexualität seinen Alltag. Als Teil von Jean Eustaches autobiografisch geprägtem Kino verdichtet der Film persönliche Erinnerungen zu einem beobachtenden Blick auf das Erwachsenwerden und eine Jugend, die verschwindet, bevor sie sich entwickeln kann.
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Credits:
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FR 1974, 123 Min., französische OmU
Regie: Jean Eustache
Kamera: Nestor Almendros,
Schnitt: Françoise Belleville, Alberto Yaccelini, Vincent Cottrell, Jean Eustache
mit Martin Loeb, Ingrid Caven, Jacqueline Dufranne, Dionys Mascolo, Henri Martinez, Jean-Noël Picq, Maurice Piala
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Trailer:
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kein Trailer.
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Do., 25. 6.:
La Maman et la Putain
Ein Film von Jean Eustache.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Ein zielloser Flaneur (Jean-Pierre Léaud) verbringt seine Tage zwischen zwei Frauen, endlosen Gesprächen in Pariser Cafés und der Suche nach sich selbst. Im Zentrum steht eine Dreiecksbeziehung im Nachklang der Umwälzungen des Jahres 1968, die sich mit direkter Offenheit zwischen Selbstinszenierung, Begehren und emotionaler Grausamkeit entwickelt. Ein bis heute herausforderndes Werk über Liebe, Sprache und die Unmöglichkeit, zueinander zu finden.
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Credits:
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FR 1973, 215 Min., französische OmU
Regie: Jean Eustache
Kamera: Pierre Lhomme
Schnitt: Jean Eustache, Denise de Casabianca
mit Jean-Pierre Léaud, Françoise Lebrun, Bernadette Lafont, Isabelle Weingarten
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Trailer:
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LA MAMAN ET LA PUTAIN – Ein Film von Jean Eustache
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Do., 25. 6.:
Filme von Jean Eustache
Jean Eustache, ausgebildeter Elektriker und Autodidakt, war als Arbeiter-Kind eine Ausnahmefigur der ansonsten bourgeoisen Nouvelle Vague. Fast autobiografisch spiegelt sich sein Leben auch in seinen Filmen wieder. Mit präziser Aufmerksamkeit für Sprache, Gesten und soziale Wirklichkeiten bewegt sich Eustaches Kino in einem Raum dokumentarischer Fiktion. Dank der Re:Visted-Reihe des Grand film-Verleihs können wir ein paar seiner Klassiker anbieten:

LA MAMAN ET LA PUTAIN von 1973, in dem Jean-Pierre Léaud als Flaneur Alexandre zwischen zwei Frauen, endlosen Gesprächen in Pariser Cafés auf der Suche nach sich selbst ist. So., 6.9. 13:00 [Tickets]

Im autobiografisch gefärbten MES PETITES AMOUREUSES von 1974
wird der 13-jährige Daniel aus seinem behüteten Landleben gerissen und in die Enge der Stadt und die Härte der Erwachsenenwelt gestoßen.
So., 29.8. 16:00 [Tickets]

LA ROSIÈRE DE PESSAC (1968) & LA ROSIÈRE DE PESSAC 79 (1979)
Zwei Dokumentarfilme über die Wahl und das Fest der Rosenkönigin in Pessac bei Bordeaux, die jährlich im April und Juni stattfinden. Die Zusammenstellung bezieht keine ausdrückliche Position zu den Ereignissen; deren schlichte Dokumentation, 1968 und elf Jahre danach, macht Veränderungen deutlich. So., 5.9. 14:15, Mi., 9.9. 17:45 [Tickets]

UNE SALE HISTOIRE (1977) besteht aus zwei Filmen: Zunächst entstand ein 16-mm-Film, gedreht im Stil des Cinéma vérité, in der ein Mann von seinen voyeuristischen Erlebnissen in der Toilette eines Pariser Cafés erzählt, wo er ein Loch in der Wand zur Damentoilette entdeckt hat. Seinen Text ließ Eustache später, auf 35mm gedreht, von einem professionellen Schauspieler sprechen. Die Filme werden allerdings in umgekehrter Reihenfolge vorgeführt, also die Fiktion vor der Dokumentation – wobei sich natürlich auch die Frage stellt, was an der von Picq erzählten Geschichte echt ist und was nicht. Auf diese Weise gelang Eustache eine einzigartige Reflexion über das Verhältnis von Dokumentarischem und Fiktivem. (+ Les photos d’Alix)
31.8. 18:15, Mo., 7.9. 17:45 [Tickets]

NUMÉRO ZÉRO (1971)– das bezeichnet eine Art Nullpunkt, und tatsächlich hat Eustache hier filmisch noch einmal von vorn angefangen: Er lässt seine Großmutter Odette Robert aus ihrem Leben erzählen, unterbrochen nur von kurzen Fragen oder Anmerkungen Eustaches, um den Redefluss in Gang zu halten.
So., 30.8. 16:00 [Tickets]

DU CÔTÉ DE ROBINSON (1964) Zwei jungen Männern, die an einem Sonntagnachmittag in Montmartre auf Frauensuche gehen. Der Film konzentriert sich dabei auf Alltagsvorgänge, die normalerweise im Kino jener Zeit nicht gezeigt wurden. &
LE PÈRE NOËL A LES YEUX BLEUS (1966) Um das Geld für einen Mantel zu beschaffen, verdingt sich ein junger Mann als Kaufhaus-Weihnachtsmann. Wiederum mischt Eustache Alltagsbeobachtungen und Fiktion, und zeichnet so das melancholische Portrait einer Provinzstadt.
Di., 8.9. 17:45 [Tickets]
Mo., 22. 6.:
Ninja Motherf*cking Destruction
Ein Film von Lotta Schwerk.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Eine filmische Langzeitstudie, die über 8 Jahre das Coming of Age von Leonie begleitet: Leonie und Marlene sind 18 Jahre alt, beste Freundinnen und sicher, dass nichts sie trennen kann. Doch Leonie verliebt sich in Naomi, gibt sich ganz ihrer großen Liebe hin und entfernt sich immer weiter von Marlene. Mit der Zeit stellt sich heraus, dass Naomi an Depressionen leidet, die Leonie zunehmend überfordern. Erst als die Beziehung endgültig zerbricht, merkt Leonie, wie sehr sie sich isoliert hat. Sie verlässt Berlin und beginnt eine Ausbildung zur Gärtnerin in Brandenburg, die ihr dabei hilft, die Welt um sich herum wieder zu sortieren. Mit neu gefundener Stärke traut sie sich, nach Jahren der Entfremdung auf ihre Jugendfreundin Marlene zuzugehen.
„Als ich 2017 begann, diesen Film zu drehen, sehnte ich mich nach einem Raum im Kino, in dem ein junger weiblicher oder queerer Körper ohne den männlichen Blick aufwachsen kann in der vulnerablen Zeit zwischen 18 und 25. „Ninja Motherf*cking Destruction“ ist ein Film über Intimität, über Sexualität und über Körper, die sich über 8 Jahre hinweg verändern. Und über das liebevolle, schmerzhafte, ambivalente Beziehungsnetz zwischen (queeren) Frauen.“
Lotta Schwerk
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Credits:
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DE 2025 79 Min., deutsche OmeU,
Regie: Lotta Schwerk
Kamera: Fion Mutert
mit: Emma Suthe, Marie Tragousti, Merle von Mach, Yildiz Tiryakioglu
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Trailer:
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Fr., 19. 6.: