Ein zielloser Flaneur (Jean-Pierre Léaud) verbringt seine Tage zwischen zwei Frauen, endlosen Gesprächen in Pariser Cafés und der Suche nach sich selbst. Im Zentrum steht eine Dreiecksbeziehung im Nachklang der Umwälzungen des Jahres 1968, die sich mit direkter Offenheit zwischen Selbstinszenierung, Begehren und emotionaler Grausamkeit entwickelt. Ein bis heute herausforderndes Werk über Liebe, Sprache und die Unmöglichkeit, zueinander zu finden.
Credits:
FR 1973, 215 Min., französische OmU Regie: Jean Eustache Kamera: Pierre Lhomme Schnitt: Jean Eustache, Denise de Casabianca mit Jean-Pierre Léaud, Françoise Lebrun, Bernadette Lafont, Isabelle Weingarten
Jean Eustache, ausgebildeter Elektriker und Autodidakt, war als Arbeiter-Kind eine Ausnahmefigur der ansonsten bourgeoisen Nouvelle Vague. Fast autobiografisch spiegelt sich sein Leben auch in seinen Filmen wieder. Mit präziser Aufmerksamkeit für Sprache, Gesten und soziale Wirklichkeiten bewegt sich Eustaches Kino in einem Raum dokumentarischer Fiktion. Dank der Re:Visted-Reihe des Grand film-Verleihs können wir ein paar seiner Klassiker anbieten:
LAMAMANETLAPUTAIN von 1973, in dem Jean-Pierre Léaud als Flaneur Alexandre zwischen zwei Frauen, endlosen Gesprächen in Pariser Cafés auf der Suche nach sich selbst ist. So., 6.9. 13:00 [Tickets]
Im autobiografisch gefärbten MESPETITESAMOUREUSES von 1974 wird der 13-jährige Daniel aus seinem behüteten Landleben gerissen und in die Enge der Stadt und die Härte der Erwachsenenwelt gestoßen. So., 29.8. 16:00 [Tickets]
LAROSIÈREDEPESSAC (1968) &LAROSIÈREDEPESSAC 79 (1979) Zwei Dokumentarfilme über die Wahl und das Fest der Rosenkönigin in Pessac bei Bordeaux, die jährlich im April und Juni stattfinden. Die Zusammenstellung bezieht keine ausdrückliche Position zu den Ereignissen; deren schlichte Dokumentation, 1968 und elf Jahre danach, macht Veränderungen deutlich. So., 5.9. 14:15, Mi., 9.9. 17:45 [Tickets]
UNESALEHISTOIRE(1977) besteht aus zwei Filmen: Zunächst entstand ein 16-mm-Film, gedreht im Stil des Cinéma vérité, in der ein Mann von seinen voyeuristischen Erlebnissen in der Toilette eines Pariser Cafés erzählt, wo er ein Loch in der Wand zur Damentoilette entdeckt hat. Seinen Text ließ Eustache später, auf 35mm gedreht, von einem professionellen Schauspieler sprechen. Die Filme werden allerdings in umgekehrter Reihenfolge vorgeführt, also die Fiktion vor der Dokumentation – wobei sich natürlich auch die Frage stellt, was an der von Picq erzählten Geschichte echt ist und was nicht. Auf diese Weise gelang Eustache eine einzigartige Reflexion über das Verhältnis von Dokumentarischem und Fiktivem. (+ Les photos d’Alix) 31.8. 18:15, Mo., 7.9. 17:45 [Tickets]
NUMÉROZÉRO(1971)– das bezeichnet eine Art Nullpunkt, und tatsächlich hat Eustache hier filmisch noch einmal von vorn angefangen: Er lässt seine Großmutter Odette Robert aus ihrem Leben erzählen, unterbrochen nur von kurzen Fragen oder Anmerkungen Eustaches, um den Redefluss in Gang zu halten. So., 30.8. 16:00 [Tickets]
DUCÔTÉDEROBINSON(1964) Zwei jungen Männern, die an einem Sonntagnachmittag in Montmartre auf Frauensuche gehen. Der Film konzentriert sich dabei auf Alltagsvorgänge, die normalerweise im Kino jener Zeit nicht gezeigt wurden. & LEPÈRENOËL A LESYEUXBLEUS (1966) Um das Geld für einen Mantel zu beschaffen, verdingt sich ein junger Mann als Kaufhaus-Weihnachtsmann. Wiederum mischt Eustache Alltagsbeobachtungen und Fiktion, und zeichnet so das melancholische Portrait einer Provinzstadt. Di., 8.9. 17:45 [Tickets]
Eine filmische Langzeitstudie, die über 8 Jahre das Coming of Age von Leonie begleitet: Leonie und Marlene sind 18 Jahre alt, beste Freundinnen und sicher, dass nichts sie trennen kann. Doch Leonie verliebt sich in Naomi, gibt sich ganz ihrer großen Liebe hin und entfernt sich immer weiter von Marlene. Mit der Zeit stellt sich heraus, dass Naomi an Depressionen leidet, die Leonie zunehmend überfordern. Erst als die Beziehung endgültig zerbricht, merkt Leonie, wie sehr sie sich isoliert hat. Sie verlässt Berlin und beginnt eine Ausbildung zur Gärtnerin in Brandenburg, die ihr dabei hilft, die Welt um sich herum wieder zu sortieren. Mit neu gefundener Stärke traut sie sich, nach Jahren der Entfremdung auf ihre Jugendfreundin Marlene zuzugehen. „Als ich 2017 begann, diesen Film zu drehen, sehnte ich mich nach einem Raum im Kino, in dem ein junger weiblicher oder queerer Körper ohne den männlichen Blick aufwachsen kann in der vulnerablen Zeit zwischen 18 und 25. „Ninja Motherf*cking Destruction“ ist ein Film über Intimität, über Sexualität und über Körper, die sich über 8 Jahre hinweg verändern. Und über das liebevolle, schmerzhafte, ambivalente Beziehungsnetz zwischen (queeren) Frauen.“ Lotta Schwerk
Credits:
DE 2025 79 Min., deutsche OmeU, Regie: Lotta Schwerk Kamera: Fion Mutert mit: Emma Suthe, Marie Tragousti, Merle von Mach, Yildiz Tiryakioglu
Als die junge Sportfotografin Lisa verschwindet, beschließt ihr Vater sie zu suchen und macht sich mit ihrem besten Freund, dem mysteriösen Levani, auf eine Reise durch Georgien. Lisa hatte zuletzt Fußballstadien im ganzen Land fotografiert. Mit der vorbeiziehenden Landschaft und von einem Spielfeld zum nächsten ändern sich die Menschen sowie ihre Geschichten. Doch mit jedem Fußballplatz und jedem Dorf scheinen die Chancen, Lisa zu finden, zu schwinden…
Mit seinem neuen Roadmovie setzt Alexandre Koberidze nach WASSEHENWIR, WENNWIRZUMHIMMELSCHAUEN? die poetische Erkundung seines Heimatlandes Georgien fort.
Moldawien, 1997. Sechs Jahre nach dem Zusammenbruch der UdSSR ist die anfängliche Euphorie verflogen und hat ein Land zurückgelassen, das in einer tiefen und anhaltenden Krise versinkt. Inmitten dieser harten Realität kämpft eine Familie ums Überleben. Zina, eine Bühnenbildnerin an einem einst lebendigen Kindertheater, hat seit Monaten keinen Lohn erhalten, versucht jedoch weiterhin, ihre Familie zusammenzuhalten und Essen auf den Tisch zu bringen. Ihr Ehemann Victor, ein von der Geschichte zurückgelassener Künstler, versinkt in Melancholie und ist unfähig, sich an die neue Wirklichkeit anzupassen. Ihre Tochter Eva, eine begabte Klavierschülerin, lässt die Kindheit hinter sich, während sie ihren Platz in einer Welt sucht, die um sie herum zu zerfallen scheint. Während Freunde und Nachbarn das sinkende Schiff still und leise verlassen, um im Ausland ein besseres Leben zu suchen, treibt die Verzweiflung Zina dazu, das Familienhaus zu vermieten. Diese Entscheidung zerreißt die Familie und reißt sie in eine gefährliche Reise hinein, gefangen zwischen Überleben, flüchtiger Hoffnung und dem zerbrechlichen Traum von einem Leben, das vielleicht niemals das ihre sein wird.
Credits:
Înstrăinare DE/RO/MD 2026, 133 Min., rumänische OmU Regie: Ana-Felicia Scutelnicu Kamera: Javier Palicio Montage: Ecaterina Iaschevici, supported by Dana Bunescu mit: Marina Palii, Arina Mura, Ion Munteanu, Paulina Zavtonii, Ion Liulica, Marina Weis
Wie bereits bei seinem Drama Memory (2023) arbeitet der Autorenfilmer Michel Franco bei seinem dritten Film erneut mit der US-Schauspielerin Jessica Chastain zusammen. Auch dieses Mal agieren beide, ergänzt durch den Ballettstar Isaac Hernández, vor und hinter der Kamera mit der dem Sujet angemessenen Sensibilität. Der Film ist eine Abrechnung mit der amerikanischen Migrationspolitik und den dahinter stehenden gesellschaftlichen Denkmustern, die er hochspannend und parabelhaft auf eine erotische Affäre verdichtet. In den USA ist es Tradition, im Falle großen Reichtums einen kleinen Teil des Vermögens in gemeinnützige Arbeit umzuwandeln und dies auch öffentlich zu zelebrieren. High-Society-Erbin Jennifer verwaltet die Stiftung ihrer Familie und fördert dabei bevorzugt Kunstprojekte im Nachbarland Mexiko. Auch ihr Liebesleben hat sie dorthin ausgelagert, in Form des hochtalentierten einheimischen Balletttänzers Fernando. In der Hoffnung, dass sie ihm bei seiner Karriere unterstützt, wagt der junge Mann eines Tages den extrem gefährlichen und illegalen Weg in den Norden. Als er plötzlich in Jennifers luxuriösem Apartment in San Francisco auftaucht, droht ihre sorgfältig kontrollierte Welt auseinander zu fallen, und bald stoßen beide an ganz anders gezogene Grenzen. „Michel Franco, Drehbuchautor, Regisseur und Produzent aus Mexiko, statuiert in seinem aktuellen Film ein Exempel. Er setzt Klassen- und Geschlechterverhältnisse mit Herkunft, Macht und Charakter in Relation, und zwar so, dass sich die Agenten des Konflikts gleichermaßen allegorisch lesen lassen: Mann und Frau als Stellvertreter ihrer jeweiligen Heimatländer USA und Mexiko, Nachbarn, deren Verhältnis von Ausbeutung geprägt ist. Die Idee mag auf den ersten Blick plakativ wirken, sie sieht aber vor allem dank hervorragender schauspielerischer Ausführung keineswegs so aus.“ Alexandra Seitz | tip
Credits:
MX 2025, 100 Min., engl., span. OmU, Regie: Michel Franco Kamera: Yves Cape Montage: Michel Franco, Oscar Figueroa Jara mit Jessica Chastain, Isaac Hernández, Rupert Friend, Marshall Bell, Eligio Meléndez, Mercedes Hernández
Es ist erschreckend, wenn Bomben Namen bekommen. Ungeheuerlich aber war die Benennung des Geschosses, die über Hiroshima explodierte und hunderttausende Leben forderte: Little Boy – kleiner Junge. James Benning war damals, 1945, ein kleiner Junge. Sein Film unterminiert die kindliche-unschuldige Welt mit Militarismus, Politik, Rassismus, indem er niedliche Miniaturmodelle, etwa von Zügen oder Bauwerken, fein säuberlich anpinseln lässt, und wer sich auskennt, kann auch die winzigen Firmennamensschilder zuordnen. Jedes Teil bekommt dabei seine eigene, passende oder konterkarierende Tonspur zugewiesen. Meist sind es Lieder, so von Tracy Chapman, Sinéad O’Connor, Cat Power und Nat King Cole, aber auch Reden und Ansprachen, die im Zusammenspiel mit dem Bild Emotionen freisetzen können. Es ist ein beinahe wütender Film, und leider aktueller denn je. Und für Eltern von Schulkindern hat er eine Empfehlung: Pete Seegers „What Did You Learn in School Today?“ – nicht nur für die USA relevant. „Das Gesamtbild ist das einer Gesellschaft, die zu Zyklen des inneren Niedergangs verdammt ist und im Namen eines „friedensstiftenden“ Interventionismus in den internationalen Terror verwickelt ist. … Little Boy [ist] ein amerikanisches Epos im Kleinen.“ filminc
Credits:
US 2025, 74 Min., englische OmU Regie: James Benning mit Johnan Jahromi, Alessandro Streccioni, Yusef Ferguson, Yuan Gao, Nelson De Los Santos, Calum Walter, Nathan Meier, James Benning
Im Jahre 2004 arbeitet die Filmregisseurin Ella (Bárbara Lennie) an einem Drehbuch, das nicht recht voran geht, so sehr ihr höchst attraktiver Lover Bonifacio (Patrick Criado) – hauptberuflich Feuerwehrmann, nebenberuflich Stripper – ihr auch den Rücken freihält. Einst hatte Ella einige künstlerisch anspruchsvolle Filme gedreht, die inzwischen Kultstatus genießen, was, wie Ella einmal selbst gesteht, bedeutet, dass kaum jemand sie gesehen hat, die wenigen Zuschauer sie aber zutiefst verehren. Eine schwere Migräneattacke lässt Ella innehalten, zusammen mit ihrer besten Freundin Patricia (Vicky Luengo) reist sie nach Lanzarote, lässt sich von den kargen Landschaften der Insel inspirieren, noch mehr jedoch vom Leben ihrer Freunde: Alles ist Material im Leben eines Schriftstellers, ebenso wie im Leben einer Filmregisseurin.
2026 leidet der Filmregisseur Raúl Rossetti (Leonardo Sbaraglia) an einer Schreibblockade, aus der ihn auch die Unterstützung seines höchst attraktiven Lovers Santi (Quim Gutiérrez) nicht befreien kann. Raúls langjährige Assistentin Monica (Aitana Sánchez-Gijon) hat gerade gekündigt, berichtet ihm von ihren privaten Problemen – die Raúl nur zu gern in sein Werk einfließen lässt, schließlich ist alles Material.
Eine ganze Weile lässt Pedro Almodóvar in seinem neuen Film „Bitteres Fest“ die beiden Erzählebenen nebeneinanderstehen, ohne ihre Verbindung zu konkretisieren. Doch bald wird klar, dass die Ebene mit Ella nicht real ist, sondern eine Visualisierung des Drehbuchs, das Raúl gerade schreibt. So kommt es, dass manche Szenen in kleinen Variationen doppelt zu sehen sind, so lässt sich erklären, dass nicht alles Sinn macht, schließlich sieht man da nur die erste, noch unfertige Drehbuchversion.
Hübsch ist das konstruiert, ein wenig selbstverliebt auch, erinnert nicht zufällig an „Leid und Herrlichkeit“, das am deutlichsten autobiographische Werk in der langen Karriere Pedro Almodóvars, in dem Antonio Banderas als Alter Ego des Regisseurs auftrat. Hier übernimmt der argentinische Schauspieler Leonardo Sbaraglia diesen Part, der seinem Regisseur sehr ähnelt, wenngleich 20 Jahre jünger, ein bisschen Eitelkeit darf sein.
Wie so oft spielt Almodóvar auch hier mit selbstreferenziellen Bezügen, baut eine Meta-Narration auf, mit der er die Frage umkreist, wie frei ein Autor in der Wahl seiner Themen sein darf, wie sehr er Leben und auch Leiden seiner Mitmenschen und vor allem seiner engen Freunde ausschlachten und für seine eigenen erzählerischen Zwecke verwenden darf. Almodóvars Antwort fällt eindeutig aus: Es gibt keine Grenzen, die Kunst steht über allem, auch wenn dies bisweilen Konflikte hervorrufen kann.
Letztlich dient diese Fragestellung in „Bitteres Fest“ jedoch in erster Linie dazu, Almodòvar einmal mehr die Möglichkeit zu geben, sich einmal mehr in die typische Almodóvar-Welt zu begeben, in der schöne Menschen in perfekt designten Appartements leben, deren markante Farbgebung mit den ebenso markanten, einfarbig leuchtenden Pullovern oder Mänteln korrespondieren.
Auch wenn man nicht behaupten kann, dass sich Pedro Almodóvar in seinem nun schon 25. Film neu erfindet: Wenn man ihn, seine Filme und die Welt, in der sie spielen, schätzt, dann ist es eine wahre Freude, sich einmal mehr auf sanft melodramatische Weise unterhalten zu lassen.Michael Meyns
Credits:
Amarga Navidad ES 2026, 111 Min., spanische OmU Regie: Pedro Almodóvar Kamera: Pau Esteve Birba Schnitt: Teresa Font mit Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón und Victoria Luengo.
Ein weiterer Film des Regisseurs von The Love that Remains, der bisher noch nicht im Kino war.
Wie schon Missionare in anderen Kolonien vor ihm, ist der junge Priester Lucas von seiner Aufgabe, eine christliche Kirche im Heidengebiet Island zu errichten, überzeugt. Um Land und Leute kennenzulernen, segelt er nicht um die Insel, sondern wählt den beschwerlichen Weg quer durch das unwirtliche, fremde Gebiet, was am Ende des 19. Jahrhundert für jemanden unvorbereitetes einer Expedition gleicht. Die mit eindrücklichen Bildern eingefangene erbarmungslose Natur und die Widerspenstigkeit seiner einheimischen Begleiter lässt den Lutheraner den Bezug zur Realität verlieren. Auch die zunehmende Angst überspielt er mit Arroganz, und stößt so bald an seine Grenzen, sprachlich, menschlich und physisch. „Ruhig in der Erzählweise, drängt das unterdrückte Gewaltpotenzial der intensiv gespielten Figuren immer wieder an die Oberfläche, den sich aufdrängenden fatalistischen Blick auf die Menschheit kontert der Film allerdings auch mit Humor und Zärtlichkeit.“ Fimdienst
Credits:
IS/FR/DK/SE 2022, 135 Min., isländische OmU Regie : Hlynur Pálmason Kamera: Maria von Hausswolff Schnitt: Julius Krebs Damsbo mit: Elliott Crosset Hove, Vic Carmen Sonne, Ingvar Sigurdsson, Ída Mekkín Hlynsdóttir, Jacob Hauberg Lohmann
Der kleine Löffelstrandläufer (Spoon-billed Sandpiper) leistet einiges. Sein Zugweg, der East-Asian-Australian Flyway, führt von den Brutgebieten in Nordost-Sibirien nach Kamtschatka, dann entlang der Küstenlinien Koreas, Japans und Chinas bis nach Vietnam, Myanmar und Bangladesch, wo der Winter verbracht wird. Im Frühjahr geht es wieder zurück. Es ist eine gefährliche Reise, Vogelfänger jagen mit Netzen und Gewehren, die Umweltbedingungen ändern sich, wertvolle Rastplätze werden im großen Stil zugebaut, und bei der Brut lauern Prädatoren. Kein Wunder also, dass sein Überleben bedroht ist, ganze 300–400 Exemplare soll es noch geben. Die niedliche Limikole mit dem merkwürdigen Schnabel erregt aber auch Aufmerksamkeit. Eine internationale Task Force hat sich zusammengefunden, damit es dem Vogel nicht ergeht wie dem seit einem Jahr als ausgestorben geltende Dünnschnabel-Brachvogel, oder vieler anderer Arten, die nur noch in Naturkundemuseen vorkommen. Immerhin hat der Spoonie als Posterboy der aufkommenden Umweltbewegung des Landes auch das Herz von Chinas Staatschef Xi Jinping erobert. Die Zusammenarbeit der Wissenschaftlerinnen hat aber aufgrund der politischen Lage Grenzen, in der Arbeit wie im persönlichen, die mit Hartnäckigkeit, Ideen und Fingerspitzengefühl gemeinsam umschifft werden müssen. Es gibt aber auch erste Erfolge, die letztendlich auch vielen anderen Spezies zugute kommen werden. Im Fokus des Films stehen jedoch die Vogelschützerinnen. Er begleitet die Task Force um Christoph Zöckler, Lili Sun, Jodie Clements und anderen auf ihren Reisen, Konferenzen und Treffen, sowie den verschiedenen Überlegungen und Versuchen zum Rettungsplan und schafft so eine aufschlussreiche und anregende Grundlage zu Überlegungen über den immer dringlicher werdenden Artenschutz. „In China lieben sie nicht nur Pandas, sondern auch „Spoonies“. Das erfährt man in Till Harms‚ kleinem, aber feinem Dokumentarfilm über eine vom Aussterben bedrohte Vogelart. Der Kampf um „Spoonie“ wird dabei auch zu einem Symbol der Hoffnung. Nicht nur für die Tiere, sondern für uns.“ kino-zeit
Credits:
DE 2025, 87 Min., dt. engl. russisch, chinsesische OmU Regie: Till Harms Kamera: Börres Weiffenbach Schnitt: Natali Barrey
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