„Böse, böse, böse – aber richtig gut! Ein extrem spannender, aufregender, nie vorhersehbarer Film über eine Lehrerin auf Abwegen, der zu kontroversen Diskussionen über Schule, Kindererziehung und aktuelle gesellschaftliche Umbrüche geradezu einlädt – gut so!“ Gaby Sikorski | Filmstarts.de
Nach einem schwedischen Roman (De Oönskade [deutsch: Die Unerwünschten] von Rasmus Andersson) vom schwedischen Regisseur Jonatan Etzler im Herzen Englands gedreht, vereinigt Bad Apples den schwarzen Humor beider Länder, und stellt zudem die auch hier wieder großartige irisch-amerikanische Schauspielerin Saoirse Ronan in den Mittelpunkt. Sie spielt Maria Spencer, eine junge und engagierte Lehrerin, die ihren Job mag und mit den besten Absichten ans Werk geht. Es könnte alles gut sein, gäbe es in ihrer Klasse nicht das „Problemkind“ Danny. Der Junge könnte Benni aus Systemsprenger das Wasser reichen. Die Schuldirektorin vertritt hier allerdings die wenig hilfreiche Ansicht, Maria müsse qua Ausbildung der Sache gewachsen sein, und droht mit Entlassung. Nach einer Auseinandersetzung und durch eine Verkettung verschiedener Umstände landet der 10-jährige im Keller von Marias Haus. Sie beschließt, ihn dort eingesperrt zu lassen, bis … ja …bis? Indes, während der verschwundene Danny noch lange überall gesucht wird, blüht Marias Klasse auf. Ohne den Störenfried kommen ungeahnte Talente der anderen Kinder ans Licht und scheinen auch auf die Lehrerin. Zudem sieht es für Maria so aus, als könne sich sich auch Danny mit dem immer besser ausgestatteten Kellerraum samt Privatunterricht anfreunden. Plötzlich und unerwartet steht eines Tages jedoch eine neue und gefährliche Herausforderung vor ihrer Tür, und es wird nicht die letzte Überraschung gewesen sein. Die tiefschwarze Komödie für Lehrerinnen und Lehrer und die, die es werden wollen, für Schülerinnen und Schüler, und alle, die es mal waren, und für deren Eltern … und alle kriegen ihr Fett weg.
Credits:
GB 2026 , 100 Min., englisch mit deutschen Untertiteln Regie: Jonatan Etzler Drehbuch: Jess O’Kane Kamera: Nea Asphäll Schnitt: Robert Krantz mit: Saoirse Ronan, Jacob Anderson, Eddie Waller, Nia Brown
Am Anfang tanzen die Bagger. Es ist ein etwas behäbiger, aber auch ein wenig melancholischer, vielleicht ein vorsichtiger und zärtlicher Tanz, wie Elefanten es machen würden? Eine Metapher für die Umgangsweise einer Familie mit dem Tod eines Mitglieds? Doch eher wie ein Wunsch so mit der Trauer umgehen zu können, wie diese Maschinen?! Eine Familie lebt und arbeitet im gemeinsamen Familienbetrieb, der Bagger vermietet, verkauft und repariert. Während sie mit dem Alltag und den Anforderungen des Geschäfts beschäftigt sind, fällt es ihnen schwer, offen über Gefühle, Liebe und Intimität zu sprechen. Als ihre Tochter bei einem Unfall tödlich verunglückt, gerät das Leben der Familie aus den Fugen. Der Sohn fühlt sich unverstanden und zieht es vor, in die USA zu gehen, statt den Betrieb zu übernehmen. Der Vater sucht Ablenkung und verliebt sich in die neue Chorleiterin, während die Mutter isoliert mit dem Hund im Haus zurückbleibt. Die Trauer führt zu Sprachlosigkeit, Missverständnisse häufen sich und entladen sich in Wut und Konflikte. Bagger Drama erzählt von einer Familie, die trotz aller Herausforderungen versucht, mit Verlust, Liebe und Schmerz umzugehen – ein berührender Heimatfilm über Menschen, die suchen, Maschinen, die unermüdlich weiterarbeiten und über Familie, die vielleicht befremdlichste, sicherlich aber die schmerzhafteste unter den Institutionen.
„Eine Familie scheint unzerstörbar, ausser sie tut es selbst. Ich bin erstaunt und fasziniert zugleich, wie wenig man innerhalb einer Familie auszusprechen vermag, was einem am meisten beschäftigt. Dort, wo ich herkomme, werden Probleme nicht besprochen, man macht solche Dinge mit sich selbst aus. Mein Weg raus aus diesem Familien-Vakuum ist das Erzählen. Interessanterweise wird die Geschichte weder besser noch schlechter, aber das Erzählen schafft eine Distanz. So kann ich als Beteiligter selbst auf die Geschichte schauen. Dann kann die Verarbeitung beginnen. Es ist meine bisher persönlichste Arbeit.” Piet Baumgartner
Credits:
CH 2024, 96 min., Schweizerdeutsch, Englisch OmU, Regie: Piet Baumgartner Kamera: Pascal Reinmann Montage: Tania Stöcklin mit: Bettina Stucky, Phil Hayes, Vincent Furrer, Maximilian Reichert, Karin Pfammatter, Ramona Saluz, Nathanael Schaer u.v.a.
Ein scheinbar gewöhnliches Familienleben in Österreich nach dem Zweiten Weltkrieg. Johanna übernimmt die alte Super-8-Kamera ihres Vaters und beobachtet ihre Verwandten: ihre kleine Schwester, Hund Cora, die Mutter, ihre Großeltern und vor allem die vielen Frauen, die sich schnapstrinkend und rauchend immer wieder zu „Omas Kochklub“ in ihrer Wohnung versammeln. Nur: Gekocht wird nur heißes Wasser, das in verborgene Räume getragen wird, denn die Familie hütet ein Geheimnis.
Credits:
DE/AT 2016 , 70 Min., deutsche Fassung Regie: Sandra Wollner Kamera: Timm Kröger Schnitt: Stephan Bechinger mit: Alexander E. Fennon, Isabel Schmidt, Mira Reisinger, Isabella Simon
Auch in diesem Jahr lädt das größte Festival des polnischen Films außerhalb Polens dazu ein, die Vielfalt des polnischen Kinos zu entdecken – mit aktuellen Spiel‑, Dokumentar- und Kurzfilmen, Filmgesprächen mit internationalen Gästen, spannenden Sonderprogrammen sowie zahlreichen Begegnungen rund um den polnischen Film. Im fsk zeigen wir die Wettbewerbsfilme und 2 Specials:
PL/FI/NO 2025, 78 min, Original mit deutschen und englischen Untertiteln R/B: Natalia Koniarz / K: Stanisław Cuske / S: Yael Bitton / M: Yngve Leidulv Sætre, Marcin Lenarczyk
Unmengen von Silber sind im Laufe von fünf Jahrhunderten aus dem Berg Cerro Rico geholt worden. Der bolivianischen Stadt Potosí an seinem Fuß bescherte er großen Reichtum, aber auch unzählige Opfer. Heute gleicht der ausgeweidete Berg einem zerlöcherten Käse, nur noch wenige Todesmutige – oder Verzweifelte – wagen sich in die brüchigen Stollen. Sie haben weder moderne Technik noch Versicherungsschutz oder ein Gesundheitssystem. Die Polizei hat sich zurückgezogen, die Gegend ist gefährlich und kriminell, das Wasser verseucht. Viele der Bergleute sind minderjährig, kaum jemand erlebt seinen 40. Geburtstag. In ihrer für ein Debüt entwaffnend reifen Milieustudie schickt uns Natalia Koniarz mitten hinein in diese lebensfeindliche Umgebung, in der sich vieles von dem spiegelt, was in der Weltwirtschaft schiefläuft. Sie nimmt uns mit in klaustrophobische Schächte, wo ständig das Dynamit kracht, in notdürftig zusammengezimmerte Hütten ohne Strom, ins Bordell und aufAbraumhalden, die zu Spielplätzen werden. Im Fokus stehen dabei Kinder, die in diese Bedingungen hineingeboren wurden und schon bei ihrer Geburt eigentlich keine Zukunft hatten. Wir taumeln ohne Chronologie und räumliche Orientierung durch die bedrohliche Szenerie und ahnen, dass auch wir Schuld daran tragen. [Rainer Mende]
10.09. / 20:00 / fsk Kino / zu Gast: Natalia Koniarz [Tickets]
Miasto, które wyjechało / The Town That Drove Away
PL 2025, 70 min, Original mit deutschen und englischen Untertiteln , R/B/K: Natalia Pietsch, Grzegorz Piekarski / S: Alan Zejer, Michał Buczek / M: Jozef van Wissem, Ali Ayhan
Die uralte Stadt Hasankeyf am Tigris in der schroffen Berglandschaft Nordkurdistans beherbergt eine alte Festung. Auch ihre Höhlen sind von hohem kulturhistorischen Wert. Aber immer wieder erschüttert lautes Krachen den Ort – nicht von Schüssen, sondern von Sprengungen. Die türkische Regierung hat beschlossen, einen riesigen Staudamm zu errichten, der langsam die Stadt überfluten wird. Allmählich erlischt das Leben, Stück für Stück werden Bauwerke abgetragen und die Bewohnerinnen evakuiert. Ein paar Kilometer entfernt wartet eine nagelneue Stadt auf sie – durchgeplant und effizient, aber geschichts- und seelenlos. Dorthin sollen auch der Friseur Burak mit seinem gehörlosen Vater und die junge Rengin ziehen, die von einem Studium weit weg träumt. Sie gehören zu den letzten, die noch in Hasankeyf ausharren, während nebenan die Bagger die historische Bausubstanz zerlegen. Die Regisseurinnen präsentieren kein politisches Pamphlet über die vorsätzliche Zerstörung von Natur und Kultur, sondern ein feinfühliges Porträt von Menschen, deren vertraute Umgebung einfach verschwindet. Mit statischer Kamera und dezent eingesetzter Musik sammeln sie wie beiläufig kleine Details, die gemeinsam eine große Geschichte erzählen. [Rainer Mende]
11.09. / 20:00 / fsk Kino / zu Gast: Natalia Pietsch & Grzegorz Piekarski [Tickets]
: Powiedz mi, co czujesz / Tell Me What You Feel
PL 2026, 102 min, OmeU R: Łukasz Ronduda / B: Łukasz Ronduda, Agata K. Koschmieder / K: Weronika Bilska / S: Agata Cierniak D: Jan Sałasiński, Izabella Dudziak, Anita Poddębniak, Adam Szyszkowski, Aleksandra Justa, Andrzej Konopka u. a.
Patryk kommt vom Dorf, wo seine bettelarmen Eltern sich auf einem heruntergekommenen Bauernhof mit Schrottverkauf über Wasser halten. Aber er will nicht Bauer werden – er quartiert sich in Warschau in einem billigen Zimmer ein, trägt knallbunte Second-Hand-Klamotten und versucht, als Künstler Fuß zu fassen. Eines Tages gerät er in eine Performance-Ausstellung, wo Maria den Besucherinnen Tränen abkauft und diese ausstellt. Sie stammt aus einem reichen Großstadt Elternhaus – doch bei einem Rollenspiel zeigt sich, dass Maria ebenso wie der tränenlose Patryk schwer von Traumata belastet ist. In mancher Hinsicht sind sie Seelenverwandte. Ihre Beziehung entwickelt sich zu einer Berg-und-Tal-Bahn, die auf sozialer, erotischer, emotionaler und künstlerischer Ebene zu einer Zerreißprobe wird. Erneut gelingt Łukasz Ronduda das Meisterstück, künstlerische Fragestellungen und reale Kunstwerke schlüssig in eine Filmhandlung einzubetten, so dass weder der Diskurs zu verkopft noch die Kunst banalisiert wird. Nachdem er in „Heart of Love” (2017) bereits ein Künstlerpaar porträtierte, bringt er nun in eine Beziehungsgeschichte noch den Aspekt des Klassismus ein. Dabei greift er erneut auf reale Vorbilder zurück – Patryks Vorbild ist der Künstler Patryk Różycki, für die Figur der Maria war die bildende Künstlerin Karolina Balcer Patin. [Rainer Mende]
12.09. / 15:00 / fsk Kino / zu Gast: Andrzej Konopka [Tickets]
Capo / Permit
PL 2025, 90 min, Original mit deutschen und englischen Untertiteln, R: Robert Kwilman / B: Robert Kwilman, Malwina Górecka, Kirk Kjeldsen / K: Kasper Lorek / S: Ming-Wei Chiang D: Daniel Felipe, Jimenez Vaquez, Ivan Sharan, Josiana Costales, Justa Beatriz Blanco Rojas, Alejandra, Herrera, Victor Venecia Fuentes, Gerson Isai Lam Lopez, Sebastian Stankiewicz, Michał Balicki u. a.
Eine Gruppe von Frauen und Männern aus Lateinamerika wird mit einem kleinen Bus irgendwo in die polnische Provinz gefahren. Dort hält man ihnen Verträge unter die Nase, deren Sprache sie nicht verstehen und in denen die zu Hause versprochenen 3.500 Dollar plötzlich zu 3.500 Złoty geworden sind. Schlimmer noch: Sie müssen ihre Reisepässeabgeben und statt in einem Hotel zu arbeiten, verpflichten sie sich mit diesen Verträgen zur monotonen, aufreibenden Arbeit in einer Fleischerei. Für das schäbige Wohnheim wird ihnen zusätzlich Geld abgeknöpft, Arbeitsschutz ist ein Fremdwort. Was als Aufenthalt zum Geldverdienen geplant war, fühlt sich bald an wie ein Gefängnis mit Zwangsarbeit. Robert Kwilman erweckt das Sozialkino à la Ken Loach wieder zum Leben und setzt dessen Mittel gekonnt ein. Im Stil eines Dokumentarfilms, mit wackeliger Handkamera, ohne Musik oder künstliches Licht lässt er uns so nah wie möglich an die tragischen Helden des Films heranrücken, die sich bald die Frage stellen: Sollen sie die himmelschreiende Ungerechtigkeit still ertragen, rebellieren oder fliehen? Ohne Beschönigungen zeigt Kwilman ein Polen, das vom Auswanderungs- zum Einwanderungsland geworden ist, mit all seinen Schattenseiten. [Rainer Mende]
12.09. / 20:00 / fsk Kino / zu Gast: Robert Kwilman [Tickets]
Dziecko z pyłu / Child of Dust / Kinder des Staubs
PL/VN/CH/CZ/QA 2025, 93 min, Original mit deutschen und englischen Untertiteln, R/B: Weronika Mliczewska / K: Mikael Lypinski / S: Marcin Sucharski, Mateusz Romaszkan / M: Joaquin Garcia
Sang ist ein „Staubkind” – er hat eine vietnamesische Mutter und einen US-amerikanischen Vater, der nach Ende des Vietnamkriegs das Land verließ und seitdem verschwunden ist. Als vaterloses Kind gemischter ethnischer Abstammung fühlte sich der Slum-Bewohner und Analphabet Zeit seines Lebens ausgegrenzt und lebte stets in prekären Verhältnissen. Aber er hat den Kampf um ein würdevolles Leben nicht aufgegeben – sei es durch die Gründung einer Familie, sei es durch die Suche nach seinem Vater. Und selbst im Dokumentarfilm geschehen manchmal Wunder: Ein Gentest führt Sang zu seinem Vater, dessen Kinder in den USA bisher nichts von ihrem Bruder in Vietnam wussten. Über alle Kultur- und Sprachgrenzen hinweg treten sie in Kontakt und haben bald ein gemeinsames Projekt: Sang in die Vereinigten Staaten zu holen, damit er seiner zweiten Familie nahe sein und irgendwann Frau und Tochter nachholen kann. Weronika Mliczewska hat mit ihrem ersten Film in Kinolänge selbst ein kleines Wunder vollbracht. Erstaunlich nah kommt sie ihren Protagonistinnen und dokumentiert mit der Kamera eine Mischung aus Drama, Krimi und Familientragödie, die vor außergewöhnlichen Szenen und überraschenden Wendungen nur so strotzt. Dabei thematisiert sie in atemlosem Tempo Fragen nach Heimat, sozialem Gefüge, Schuld, Verantwortung und Buße. [Rainer Mende]
13.09. / 15:00 / fsk Kino / zu Gast: Weronika Mliczewska [Tickets]
Dom Dobry / Home Sweet Home
PL 2025, 107 min, Original mit deutschen und englischen Untertiteln R/B: Wojciech, Smarzowski / K: Paweł Tybora / S: Krzysztof Komander / M: Mikołaj Trzaska, D: Agata, Turkot, Tomasz Schuchardt, Agata Kulesza, Maria Sobocińska, Łukasz Gawroński, Arkadiusz Jakubik, Magdalena Smalara, Julia Kijowska, Andrzej Konopka u. a. Die nicht mehr blutjunge Gośka hält es kaum noch bei ihrer biestigen Mutter aus, die selbst zu Weihnachten nicht aufhören kann, zu saufen und an ihrer Tochter herumzunörgeln. Zum Glück taucht der kultivierte Grzesiek auf, der mit beiden Beinen fest im Leben steht. Als es zu Hause wieder kracht, packt Gośka kurzentschlossen ihre Koffer und zieht bei ihm ein. Schlagartig scheint sich alles zum Guten zu wenden – sie bereisen gemeinsam die Welt, auf den Heiratsantrag in Venedig folgen die Hochzeit und die Geburt einer Tochter. Doch die häusliche Idylle entwickelt sich sukzessive zum Albtraum. Denn in den eigenen vier Wänden wird Grzesiek zum Tyrannen, der vor psychischer und physischer Gewalt nicht zurückschreckt. Smarzowski schafft es auch mit seinem neunten Kinofilm wieder auf beeindruckende Weise, Kritikerlob und Preise einzusammeln, gleichzeitig die Kinokassen klingeln zu lassen und auch noch eine gesellschaftliche Debatte anzustoßen. Dabei erweist er sich gemeinsam mit Krzysztof Komander wieder als Meister am Schneidetisch und bewältigt – auch dank der Leistungen von Agata Turkot und Tomasz Schuchardt als Gośka und Grzesiek – den Spagat zwischen allgemein zugänglichem Drama und anspruchsvollem Autorenfilm. [Rainer Mende]
13.09. / 20:00 / fsk Kino / zu Gast: Wojciech Smarzowski [Tickets]
Królestwo / Kingdom / Königreich
PL 2025, 112 min, Original mit deutschen und englischen Untertiteln, R/B: Michał Ciechomski / K: Paweł Grabarek / S: Agnieszka Białek-Zaborowska / M: Lubomir Grzelak D: BartoszMikulak, Julian Świeżewski, Jacek Poniedziałek, Aleksander Kaleta, Dawid Piejko, Mateusz Łasowski, Michał Włodarczyk u. a.
Das Polen der Gegenwart ist Kriegsgebiet. Warschaus Wolkenkratzer sind durchlöchert, die Straßen voller Leichen und zerschossener Autos, die Regierung ist abgetaucht und die Zivilbevölkerung versucht aus dem Land zu fliehen, während die „Neobarbaren” weiter angreifen. Nachdem auch er seine Arbeit verliert, will Dawid sich eigentlich mit seinen Eltern ins Ausland schleusen lassen. Dann aber folgt er seinem Bruder zu den „Schwarzen Spinnen” – einer dubiosen, straff hierarchisch organisierten Gruppe martialisch auftretender Skinheads, die subtil homoerotische Züge trägt. Sie scheinen die letzten zu sein, die sich den Invasoren noch entgegenstellen und sich mit kleinen militärischen Aktionen auf die letzte Schlacht vorbereiten. Michał Ciechomskis Langfilm-Debüt ist Filmkunst pur. In seiner virtuos ausgeformten Dystopie ist keine Plansequenz gewöhnlich, jede von Paweł Grabareks Kameraeinstellungen trägt eine originelle Idee in sich. Auch die experimentelle Soundregie von Jacek Hamela folgt konsequent einem kreativen Prinzip. Diese Kriegsvision ist kein heldenhaftes Actionkino, sondern eine audiovisuelle Herausforderung, welche das Zerfallen einer Ordnung nahezu körperlich erfahrbar macht. [Rainer Mende]
14.09. / 20:00 / fsk Kino / zu Gast: Michał Ciechomski [Tickets]
LARP. Miłość, trolle i inne questy / LARP
PL 2025, 90 min, Original mit deutschen und englischen Untertiteln, R: Kordian Kądziela / B: Kordian Kądziela, Michał Wawrzecki / K: Cezary Stolecki / S: Magdalena Chowańska / M: Jan Sanejko D: Filip Zaręba, Martyna Byczkowska, Hubert Łapacz, Mikołaj Chilimończyk, Maciej Bisiorek, Agnieszka Rajda, Andrzej Konopka, Edyta Olszówka, Michał Balicki, Bartłomiej Topa u. a.
Die niederschlesische Provinz ist für Heranwachsende nicht unbedingt reich an Attraktionen. Aber ihre Waldgebiete sind die perfekte Kulisse für ausufernde Live-Rollenspiele. Es ist sicher kein Zufall, dass ihr Idol, der gefeierte Fantasy-Autor Lacroix, ausgerechnet aus ihrem Kaff kommt. Die schwersten Schlachten muss der pubertierende, schlaksige und wenig selbstsichere Sergiusz aber im Alltag schlagen. Vom Sohn des Dorfkrösus wird er pausenlos drangsaliert, sein alleinerziehender Vater würde ihn gerne zum Leistungssportler hochzüchten und die schöne Helena, die auf einmal in der Schule auftaucht, sucht sich die falschen Freunde. Kordian Kądzielas von der Kritik gefeierter Publikumserfolg hat alles, was ein klassischer Coming-of-Age-Film braucht – soziale Konflikte, eine Liebesgeschichte und eine ordentliche Dosis jugendlichen Übermuts. Was ihn besonders macht, ist neben etlichen originellen visuellen Einfällen (u. a. einem inkonsequenten Neunzigerjahre-Setting) und diversen augenzwinkernden Seitenhieben auf die LARP- und Fantasy-Szene ein grandiosaufspielender Andrzej Konopka, der für seine Rolle als überforderter Vater und Provinz-Polizist mehrfach ausgezeichnet wurde. [Rainer Mende]
Nie ma duchów w mieszkaniu na Dobrej / No Ghosts On Good Street / Es gibt keine Geister in der Wohnung in der Guten Straße
PL 2025, 90 min, Original mit deutschen und englischen Untertiteln, R: Emi Buchwald / B: Emi Buchwald, Karol Marczak / K: Tomasz Gajewski / S: Anna Łuka / M: Katarzyna Gawlik, Jerzy Rogiewicz D: Bartłomiej Deklewa, Izabella Dudziak, Tymoteusz Rożynek, Karolina Rzepa, Piotr Napierała, Daria Muszyńska, Andrzej Kłak, Gabriela Arak, Aleksander Janiszewski, Krzysztof Drozdowski u. a.
Langsam wandert die Kamera durch möblierte Räume, man hört Geräusche aus einer weit zurückliegenden Vergangenheit, die Altbau-Wohnung scheint leer zu stehen. Doch da sitzt jemand auf dem Fensterbrett – es ist ein Nachtmahr, eine mythische Figur, die sich den Menschen nachts auf die Brust setzt und ihnen die Luft abdrückt. Die Anwesenheit dieses Nachtmahrs spüren die vier grundverschiedenen Geschwister deutlich. Ihnen gehört diese Wohnung, obwohl nur einer von ihnen noch dort lebt. Aber nicht Phantasiefiguren sind es, die ihnen die Luft abdrücken, sondern ganz konkrete Sorgen, die junge Menschen auf der Suche nach einem Platz im Leben in einer Großstadt wie Warschau umtreiben – toxische Beziehungen, Panikattacken, Bindungsangst. Mit erfrischender Beiläufigkeit und für ein Debüt erstaunlicher dramaturgischer Reife hält Emi Buchwald ihren Finger an den Puls einer Generation, in der jeder mit seinen eigenen Dämonen kämpft. Womöglich ist dieser Kampf nur auf eine Weise zu gewinnen – in der Gruppe, oder besser noch: als Familie. Die Alltagsnähe, die sich auch in der für die Gen Z typischen Sprache manifestiert, die Mischung aus Tragik und Komik sowie eine dezent eingesetzte Dosis Metaphysik wirken in den Augen deutscher Zuschauer*innen wie eine gelungene Mischung aus „Der Nachtmahr” von AKIZ und „3 Zimmer/Küche/Bad” von Dietrich Brüggemann. [Rainer Mende]
Der Düsseldorfer Künstler Bernd Schwarzer hat sich mit Haut und Haaren einem Gesamtkunstwerk verschrieben. Schwarzer nennt es das „Europa Kunstwerk“. Solcher Art politisch aufgeladen hängen seine Bilder nicht nur in den Museen, sondern im Schloss Bellevue beim Deutschen Bundespräsidenten, im Bundestag oder demnächst im Europäischen Parlament. Wenngleich Schwarzers pastose Technik, seine handwerklichen Qualitäten einzigartig sind – manche behaupten gar, er sei genial – entgleitet ihm die Kontrolle über sich und seine Kunst. Schwarzer strapaziert die Geduld seiner Sammler und Galeristen und treibt die, die an ihn glauben, in schiere Verzweiflung. Dem Künstler scheint jedes Maß für sich und seine Kunst verloren zu gehen.
Der Film „Schwarzers Kosmos“ ist das Sittenbild eines exzentrischen Kunstmarktes mit all den dazugehörigen Klischees von Unangepasstheit, Freiheit, Genie und Wahnsinn. Am Ende des Films geht es nur noch um die Frage, ob der Künstler selbst diesen Wahnsinn überstehen wird.
Credits:
DE 2026, 90 Min., deutsche OmeU Regie: Klaus Martens Kamera: Frederik Walker, Frank Kranstedt Schnitt: Fabian Oberhem
Ein liebevoller Vater, der von seinen Geschäftsreisen typische Puppen aus aller Welt als Geschenk mitbringt, und was macht die Tochter, wenn sie erwachsen ist und erkennt, für welch‚ umweltschädigende und politisch einflussreiche Firma der Vater arbeitete? Lee Ann Smitt macht einen Essayfilm. Arbeitgeber ihres Vaters war die Olin Corporation, langjähriger Hersteller von Munition und Chemikalien und damit verantwortlich für unglaubliche Umweltverseuchungen, und nicht nur das. Die angeschlossene Foundation trieb zwischen den 1970ern und 2000ern mit Millionenspenden konservative Inhalte voran und hatte zusammen mit gleichgesinnten Think Tanks tiefgreifenden Einfluss auf Amerikas Politik und gesellschaftliche Werte. Der Film, der zugleich eine Darstellung des modernen amerikanischen Konservatismus ist (von Medienkritikern bis hin den Richtern am Obersten Gerichtshof), wird durch zeitgenössisches Filmmaterial untermalt, das durchaus schockierend wirkt. „Die Vereinigten Staaten basieren auf geheimen Plänen und Hinterzimmerabsprachen, und ob man von diesen Vereinbarungen profitiert oder darunter leidet, ist reine Glückssache.“ NYFF Die Frage aber ist: nur dort?
Credits:
US 2025 , 76 Min., Englisch mit deutschen Untertiteln Regie, Kamera, Schnitt: Lee Anne Schmitt
In ihrem Regiedebüt nimmt sich Seemab Gul Zeit, für Blicke, Gesten und Stimmungen, und erzählt in wunderschönen Bildern die Geschichte eines pakistanischen Mädchens, das mehr wissen will und sich nicht schnell zufrieden gibt. Weil die einzige Schule des Ortes angeblich verflucht und der Lehrer von einem Dschinn besessen ist, fällt der Unterricht auf lange Sicht aus. Die Jungen aus dem Dorf können ins Nachbardorf zum Unterricht fahren, die 10-jährige Rabia hat diese Option nicht. Sie will lernen, kann sich deshalb nicht mit der Schließung abfinden und beginnt, auf eigene Faust nachzuforschen. Erst geht sie zum Lehrer, dann zum Wachmann und zum Dorfvorsteher und immer weiter. Befriedigende Antworten bekommt sie nicht, aber stets neue Erkenntnisse. Angelehnt an Wo ist das Haus meines Freundes des Iraners Kiarostami erzählt der Film in Etappen vom Leben in Pakistan, einem anderen religiösen, patriarchalischen Land, vor allem aber von dortigen Klassenunterschieden, Machtmissbrauch und der Herrschaft des Geldes. „ … Außerdem verweist der Film (schon im Titel) auf das tatsächlich existierende Problem der Geisterschulen und Geisterkrankenhäuser in dem südasiatischen Land. Viele tausend, einst als öffentliche oder kommunale Einrichtungen geplante Gebäude stehen in Pakistan leer oder verwahrlosen halbfertig in der Einöde. Korruption, fehlende staatliche Kontrollen und die Machtinteressen lokaler Großgrundbesitzer sind die Ursachen. Gul benennt dieses systemische Versagen unmissverständlich.“ Björn Schneider, programmkino.de
Credits:
PK, DE, SA 2025 , 88 Min., Urdu mit deutschen Untertiteln Regie: Seemab Gul Kamera: Zamarin Wahdat Schnitt: Alexandra Strauss, Raluca Petre mit: Nazualiya Arsalan, Samina Seher, Adnan Shah Tipu, Vajdaan Shah, Muhammad Zamaan
Trailer:
Ghost School | offizieller deutscher Trailer (OmU)
„Wie meine früheren Filme beschäftigt sich auch VATERLAND mit den Wirren der Geschichte, mit dem Exil und mit unserem tiefen Bedürfnis nach Heimat und zugehörigkeit. Außerdem verbindet der Film einen dramatischen historischen Moment mit einer ganz besonderen persönlichen Geschichte. Doch während die Figuren in IDA und COLDWAR fiktiv waren, stehen im Mittelpunkt von VATERLAND die historischen Persönlichkeiten Thomas Mann und seine eigensinnigen ältesten Kinder Erika und Klaus, die in ein komplexes, familiäres Dreiecksdrama verstrickt sind. Um das Persönliche und das Historische auf ergreifende und sich gegenseitig bereichernde Weise miteinander zu verbinden, haben wir uns einige Freiheiten hinsichtlich der historischen Fakten und ihrer Chronologie genommen. Dabei haben wir uns bemüht, der emotionalen und intellektuellen Wahrheit der Geschichte treu zu bleiben. Manns Rückkehr nach Deutschland im Jahr 1949 und sein Versuch, die Teilung und die zunehmende ideologische Polarisierung seines Landes zu überwinden, haben offensichtliche Parallelen zur heutigen Zeit. Das alte Paradigma ist tot, die alten Regeln gelten nicht mehr, und an deren Stelle entstehen zwei krude, sich gegenseitig ausschließende Narrative. Narrative, die alles verallgemeinern, die den Sauerstoff aus der Luft ziehen, die einen in die Ecke drängen und dazu nötigen, Partei zu ergreifen und es langsam unmöglich machen, klar zu sehen und frei zu sprechen. Die einzige Abwehr gegen diese ideologische Reduktion war für Mann die Kunst – der „poetische Blick“, den er in einer seiner Reden erwähnt, das offene Auge für die Komplexität und die Paradoxien des Lebens. VATERLAND vereint viele Elemente, erzählt dabei mit einer einfachen und verdichteten Filmsprache, entfaltet sich in eindringlichen Bildern und prägnanten Szenen und lässt dem Publikum Raum zum Fühlen und Nachdenken.” (Pawel Pawlokowski)
Credits:
PL/DE/IT/FR 2026 , 82 Min. deutsch, englisch, russische OmU Regie: Paweł Pawlikowski Kamera: Łukasz Żal Schnitt: Piotr Wójcik, Paweł Pawlikowski mit: Hanns Zischler, Sandra Hüller, August Diehl, Devid Striesow, Joachim Meyerhoff, Fritzi Haberlandt, Milan Peschel
Audiodeskriptionen, Untertitel und Hörverstärkung mit der Greta App
Trailer:
Kinotrailer „Vaterland” – Kinostart 3. September 2026
Die kleine Chihiro muss, um ihre gierigen, und deshalb verhexten, Eltern zu befreien, in der Zwischenwelt im Badehaus der Hexe Yubaba arbeiten, das auch von allen möglichen Göttern, Natur- und Haus- geistern besucht wird. Eine riesige Herausforderung für das Mädchen, für uns aber eine Fahrt durch einen atemberaubenden Anime-Kosmos in eine hochkomplexe und hintergründige magische Welt. Wahrlich ein Märchen, denn es geht darum, dem Konkurrenzkampf den Rücken zu kehren und eine andere Art der Selbstverwirklichung anzustreben, und es hat bereits das wichtige Thema des „Nicht-Wollens“. Denn „Nicht-Wollen“ ist ein Weg, sich von einer Gesellschaft zu lösen, die einem ständig vorschreibt, was man „wollen“ soll. Ausgezeichnet mit dem Goldener Bären, Berlinale 2002 und dem Oscar als Bester Animationsfilm 2002. „Eigentlich endet diese Geschichte unerwartet traurig, oder? Schließlich muss Chihiro genau in dem Moment, in dem sie endlich von den Menschen, denen sie in der anderen Welt begegnet ist, akzeptiert wurde, diese Welt wieder verlassen. Hätte sie noch ein wenig länger bleiben können, hätte sie die Froschmänner und die Schneckenfrauen besser kennenlernen können. Sie hätte erkannt, dass es auf der Welt alle möglichen Menschen gibt, darunter gute Menschen und dumme Idioten. Aber sie muss all das hinter sich lassen. Das ist wirklich sehr traurig. Selbst ich, der den Film gedreht hat, war traurig.“ Hayao Miyazaki
Credits:
Spirited Away JP 2001 , 125 Min. japanische OmU und deutsche Synchronfassung (in wenigen Vorstellungen) Regie: Hayao Miyazaki
Trailer:
CHIHIROSREISEINSZAUBERLAND – 25th ANNIVERSARY – Trailer German | Deutsch
Der Film erzählt die Geschichte von Charlotte, Helena und Oskar – die sich nach langer Zeit wiedertreffen und – eingeladen von Charlotte – gemeinsam in den Urlaub fahren. Sie hat nämlich Geld, hat Karriere gemacht als Schauspielerin, während die anderen beiden nach wie vor Undergroundkunst machen (und völlig verarmt sind). Die drei waren früher die Experimentalfilmgruppe „Les enfants terrible”, hatten sich aber heillos zer- stritten. Und jetzt brechen Neid und Eifersucht erneut aus und nehmen sogar an Schärfe zu, als Rudolph in ihr Leben tritt. Alle drei verlieben sich und haben nacheinander eine Affäre mit ihm! Sie beschließen – wie früher – einen Undergroundfilm zu drehen. Demenzia, eine männermordende Serienkillerin, gespielt von Helena, bringt unentwegt Typen um, allesamt gespielt von Rudolph. Beim letzten Dreh kommt Rudolph durch einen Unfall zu Tode. Die drei lassen die Leiche verschwinden und durch diese kriminelle Aktivität erwacht die alte Freundschaft und die Liebe zueinander erneut.
Der Film Für immer 16 beruht auf einem Roman von Françoise Cactus. Sie hat sich vorgestellt wie es wäre alt zu sein und die Kumpels von früher wiederzusehen: also Science-Fiction, bezogen auf die Individualpsychologie. Sie machen da weiter, wo sie aufgehört haben: 1. sie drehen einen Film und 2. sie zanken sich! Neben den Rivalitäten und Streitereien stellen sich auch grundsätzliche Fragen: wie altern Subversion, schwarzer Humor, Antimoral, Genderidentitäten, Feminismus, jugendliche Fundamentalopposition? Und wie kann man verhindern, dass Subversion Teil des Mainstreams und der Verwertungskultur wird? Die drei Hauptpersonen stehen für unterschiedliche Formen des Scheiterns: Charlotte kommerzialisiert sich, Helena verbittert über der Erfolglosigkeit und Oskar gibt resigniert die Kunst auf.
Credits:
DE 2026 74 Min., deutsche OmeU Regie Brezel Göring Kamera: Stephan Holl mit: Lilith Stangenberg, Chang Wang, Mücke, Twiggy, Anton Garber
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