Alpha

Alpha

Ein Film von Julia Ducournau. Am 2.4. im fsk.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Auf einer Party lässt sich die 13jährige Alpha (Mélissa Boros) ein Tattoo ste­chen: Wie ein Blitz wirkt das A, das nun ihren Oberarm ziert. Dass ein so jun­ges Mädchen auf Parties anzu­fin­den ist, könn­te für eine gewis­se Verwahrlosung spre­chen, doch das Gegenteil ist der Fall. Ihre Mutter (Golshifteh Farahani) liebt sie über alles, zieht sie seit Jahren allein auf – vom Vater ist nie die Rede – und hat es bis zur Position einer Ärztin geschafft.

Anderen zu hel­fen scheint der Mutter, die namen­los bleibt, ange­bo­ren zu sein, denn auch ihren Bruder Amin (Tahar Rahim) pflegt sie immer wie­der, nimmt ihn auf, wenn die Sucht ihn wie­der ein­mal obdach­los gemacht hat, ret­tet ihm das Leben, wenn er einer Überdosis nahe ist.

Und als Ärztin weiß die Mutter, wel­che Gefahr das unbe­dach­te Tattoo für ihre Tochter bedeu­tet: Ob die Nadel sau­ber war, will sie von Alpha wis­sen, ob sie vor­her in einem ande­ren Arm steck­te, mit frem­dem Blut ver­schmutzt war. Denn mit­tels Blut wird das Virus über­tra­gen, dass auch von Amin längst besitzt ergrif­fen hat, dass auch die Patienten in dem Krankenhaus quält, in dem die Mutter arbei­tet: Mehr Palliativstation als Krankenhaus, denn das Virus mar­mori­siert die Körper der Infizierten, ergreift lang­sam aber unaus­weich­lich vom gan­zen Körper Besitz und ver­wan­delt ihn in eine Statue von unwirk­li­cher Schönheit.

Das A auf Alphas Arm bezieht sich einer­seits auf ihren Namen, zitiert das A, dass die Ehebrecherin Hester Prynne in Nathanial Hawthrones Roman „Der schar­lach­ro­te Buchstabe“ zum Zeichen ihrer Transgression tra­gen muss­te, und ver­weist schließ­lich auf AIDS. Zwar fal­len die Begriffe AIDS oder HIV nicht, aber die Bezüge sind mehr als deut­lich. Nicht ganz in unse­rer Welt spielt „Alpha“ dabei, son­dern in einer Art Parallelwelt, die so aus­sieht wie die Welt Anfang der 90er Jahre, in der AIDS sei­nen größ­ten Schrecken hat­te, die aber uni­ver­sel­ler und am Ende auch phan­tas­ti­scher wirkt.

Wirkt „Alpha“ anfangs noch wie eine jener Geschichten, in denen eine Außenseiterin, von ihren Mitschülern aus­ge­schlos­sen und gehän­selt wird, ent­wi­ckelt sich Julia Ducournaus Film bald zu etwas ande­rem, inter­es­san­te­ren. Zunehmend wird die Welt außer­halb der Wohnung der Mutter aus­ge­blen­det, kon­zen­triert sich die Geschichte auf Alpha, die Mutter und Amin. Gegenwärtiges ver­schwimmt mit Erinnerungen, in man­chen Szenen scheint Alphas 13jähriges mit ihrem 5jährigen Ich zu ver­schmel­zen, wie ein Fiebertraum oder den Wahnvorstellungen eines Heroinrausches.

Ihren Darstellern ver­langt Julia Ducournau dabei eini­ges ab, beson­ders Mélissa Boros, die hier in ihrer ers­ten Rolle zu sehen ist und neben Golshifteh Farahani und beson­ders Tahar Rahim besteht. Abgemagert, mit her­aus­ste­hen­den Rippen, ver­kör­pert Rahim sei­ne Figur, zeigt auf berüh­ren­de Weise sein Leid, sei­ne Sucht, bald auch sei­nen Wunsch auf Erlösung von sei­nen Qualen.

In vie­ler­lei Hinsicht mutet „Alpha“ kon­ven­tio­nel­ler an als Ducournaus ers­te bei­den Filme „Raw“ und „Titane“, die auf den ers­ten Blick radi­ka­ler wirk­ten, bis­wei­len ihre Lust an der Provokation aus­stell­ten. „Alpha“ dage­gen wirkt rei­fer, bewuss­ter, ver­liert sich nicht mehr in betont trans­gres­si­ven Momenten, son­dern beschreibt auf emo­tio­na­le und beson­ders in der zwei­ten Hälfte mit­rei­ßen­de Weise, wie drei Menschen her­aus­zu­fin­den wol­len, wann und ob es sich zu Leben lohnt. Ein über­ra­schen­des, har­tes, berüh­ren­des Drama über die Folgen einer Epidemie auf eine Familie.
Michael Meyns | programmkino.de

Credits:

FR/BE 2025, 128 Min., fran­zö­si­che OmU
Regie: Julia Ducournau
Kamera: Ruben Impens
Schnitt: Jean-Christophe Bouzy
mit: Tahar Rahim, Golshifteh Faharani, Mélissa Boros, Finnegan Oldfield, Emma Mackey

Trailer:
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Autor: fsk

  • Alpha

    Alpha

    Ein Film von Julia Ducournau. Am 2.4. im fsk.

    [Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

    Auf einer Party lässt sich die 13jährige Alpha (Mélissa Boros) ein Tattoo ste­chen: Wie ein Blitz wirkt das A, das nun ihren Oberarm ziert. Dass ein so jun­ges Mädchen auf Parties anzu­fin­den ist, könn­te für eine gewis­se Verwahrlosung spre­chen, doch das Gegenteil ist der Fall. Ihre Mutter (Golshifteh Farahani) liebt sie über alles, zieht sie seit Jahren allein auf – vom Vater ist nie die Rede – und hat es bis zur Position einer Ärztin geschafft.

    Anderen zu hel­fen scheint der Mutter, die namen­los bleibt, ange­bo­ren zu sein, denn auch ihren Bruder Amin (Tahar Rahim) pflegt sie immer wie­der, nimmt ihn auf, wenn die Sucht ihn wie­der ein­mal obdach­los gemacht hat, ret­tet ihm das Leben, wenn er einer Überdosis nahe ist.

    Und als Ärztin weiß die Mutter, wel­che Gefahr das unbe­dach­te Tattoo für ihre Tochter bedeu­tet: Ob die Nadel sau­ber war, will sie von Alpha wis­sen, ob sie vor­her in einem ande­ren Arm steck­te, mit frem­dem Blut ver­schmutzt war. Denn mit­tels Blut wird das Virus über­tra­gen, dass auch von Amin längst besitzt ergrif­fen hat, dass auch die Patienten in dem Krankenhaus quält, in dem die Mutter arbei­tet: Mehr Palliativstation als Krankenhaus, denn das Virus mar­mori­siert die Körper der Infizierten, ergreift lang­sam aber unaus­weich­lich vom gan­zen Körper Besitz und ver­wan­delt ihn in eine Statue von unwirk­li­cher Schönheit.

    Das A auf Alphas Arm bezieht sich einer­seits auf ihren Namen, zitiert das A, dass die Ehebrecherin Hester Prynne in Nathanial Hawthrones Roman „Der schar­lach­ro­te Buchstabe“ zum Zeichen ihrer Transgression tra­gen muss­te, und ver­weist schließ­lich auf AIDS. Zwar fal­len die Begriffe AIDS oder HIV nicht, aber die Bezüge sind mehr als deut­lich. Nicht ganz in unse­rer Welt spielt „Alpha“ dabei, son­dern in einer Art Parallelwelt, die so aus­sieht wie die Welt Anfang der 90er Jahre, in der AIDS sei­nen größ­ten Schrecken hat­te, die aber uni­ver­sel­ler und am Ende auch phan­tas­ti­scher wirkt.

    Wirkt „Alpha“ anfangs noch wie eine jener Geschichten, in denen eine Außenseiterin, von ihren Mitschülern aus­ge­schlos­sen und gehän­selt wird, ent­wi­ckelt sich Julia Ducournaus Film bald zu etwas ande­rem, inter­es­san­te­ren. Zunehmend wird die Welt außer­halb der Wohnung der Mutter aus­ge­blen­det, kon­zen­triert sich die Geschichte auf Alpha, die Mutter und Amin. Gegenwärtiges ver­schwimmt mit Erinnerungen, in man­chen Szenen scheint Alphas 13jähriges mit ihrem 5jährigen Ich zu ver­schmel­zen, wie ein Fiebertraum oder den Wahnvorstellungen eines Heroinrausches.

    Ihren Darstellern ver­langt Julia Ducournau dabei eini­ges ab, beson­ders Mélissa Boros, die hier in ihrer ers­ten Rolle zu sehen ist und neben Golshifteh Farahani und beson­ders Tahar Rahim besteht. Abgemagert, mit her­aus­ste­hen­den Rippen, ver­kör­pert Rahim sei­ne Figur, zeigt auf berüh­ren­de Weise sein Leid, sei­ne Sucht, bald auch sei­nen Wunsch auf Erlösung von sei­nen Qualen.

    In vie­ler­lei Hinsicht mutet „Alpha“ kon­ven­tio­nel­ler an als Ducournaus ers­te bei­den Filme „Raw“ und „Titane“, die auf den ers­ten Blick radi­ka­ler wirk­ten, bis­wei­len ihre Lust an der Provokation aus­stell­ten. „Alpha“ dage­gen wirkt rei­fer, bewuss­ter, ver­liert sich nicht mehr in betont trans­gres­si­ven Momenten, son­dern beschreibt auf emo­tio­na­le und beson­ders in der zwei­ten Hälfte mit­rei­ßen­de Weise, wie drei Menschen her­aus­zu­fin­den wol­len, wann und ob es sich zu Leben lohnt. Ein über­ra­schen­des, har­tes, berüh­ren­des Drama über die Folgen einer Epidemie auf eine Familie.
    Michael Meyns | programmkino.de

    Credits:

    FR/BE 2025, 128 Min., fran­zö­si­che OmU
    Regie: Julia Ducournau
    Kamera: Ruben Impens
    Schnitt: Jean-Christophe Bouzy
    mit: Tahar Rahim, Golshifteh Faharani, Mélissa Boros, Finnegan Oldfield, Emma Mackey

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  • On the Border

    On the Border

    Ein Film von Igor Hauzenberger & Gabriela Schild. Ab 19.3. im fsk. Am 22.3. mit Filmgespräch.

    [Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

    Welche Folgen hat die euro­päi­sche Sicherheits- und Migrationspolitik für die Menschen in der Sahelzone? Am Beispiel von Agadez zeich­nen die Regisseure Gerald Igor Hauzenberger und Gabriela Schild die Situation vor Ort nach. Die in der nörd­li­chen Sahelzone gele­ge­ne nigri­sche Großstadt war frü­her ein leben­di­ges Zentrum, in dem der Handel blüh­te. Zudem war die Region lan­ge Zeit (lega­le) Durchgangsstation für Geflüchtete auf dem Weg in den Norden. Dann setz­te 2015 die gro­ße Flüchtlingskrise ein und in Agadez blüh­te der Menschenschmuggel auf.

    In der Zwischenzeit hat sich die Stadt durch EU-Initiativen zu einem Außenposten mit Transitlagern ver­wan­delt, eine Art „Testregion“ für Grenzschutz und ‑kon­trol­len. Die dra­ma­ti­schen Auswirkungen: Aus dem „Tor zur Wüste“ wur­de eine ver­arm­te Gegend mit Bewohnern, die ums Überleben kämp­fen und kei­ne Perspektiven sehen. „On the Border“ beob­ach­tet drei die­ser Einwohner in ihrem Alltag: eine Radiojournalistin, den frü­he­ren Bürgermeister und einen loka­len Händler.

    Über einen Zeitraum von fünf Jahren doku­men­tie­ren Hauzenberger und Schild die Geschehnisse in die­ser einst so blü­hen­den Gegend, die frü­her unzäh­li­ge Touristen anzog (das Zentrum Agadez‘ zählt zum UNESCO-Weltkulturerbe). Heute ist Agadez eine Stadt der Gegensätze, in der beein­dru­cken­de, schier end­lo­se Wüstengegenden auf schwer bewach­te Kontrollposten für Migration auf­ein­an­der­tref­fen. Hauzenberger und Schild fan­gen die­se Gegensätze in beklem­men­den, inten­si­ven Bildern ein, die lan­ge nachwirken.

    Symbolisch insze­nie­ren die bei­den Dokufilmer die ein­drucks­vol­le Natur fast wie eige­ne Darsteller im Film. Die san­di­gen Täler und Dünenlandschaften in all ihrer Weite ver­sinn­bild­li­chen die exis­ten­ti­el­len „Grenzerfahrungen“ der Menschen. Man könn­te die auf die­se Weise dar­ge­stell­te Natur auch als eine (äußerst pas­sen­de) Entsprechung für das Gefühl der Bewohner deu­ten. Ein Gefühl von Einsamkeit und Entfremdung auf­sei­ten der ein­hei­mi­schen Völker, die sich vie­le Jahre an die Militärs west­li­cher Staaten gewöh­nen mussten.

    Hauzenberger und Schild inter­es­sie­ren sich vor allem für die Situation jener Betroffenen und dafür, was die glo­ba­le Grenzpolitik mit ihnen gemacht hat. Die drei Protagonisten berich­ten aus­führ­lich aus ihrem Leben und erzäh­len Geschichten, die tief berüh­ren. Sie alle haben Traumatisches erlebt und erin­nern sich teils weh­mü­tig an eine Zeit vor der mili­tä­ri­schen Dauerpräsenz. An eine Zeit, bevor Agadez zum Spielball geo­po­li­ti­scher Entscheidungsträger wur­de. Mit ihrer Kamera kom­men die Regisseure den Porträtierten sehr nah, ob in der Freizeit oder bei der Arbeit, und set­zen ganz auf stil­le und unkom­men­tier­te, aber jeder­zeit auf­merk­sa­me Beobachtung.

    Und doch ste­hen die Protagonisten nur bei­spiel­haft für zehn­tau­sen­de von Einzelschicksalen an einem Ort, an dem Gewalt, Kriminalität, Arbeitslosigkeit und sozia­le Not vor­herr­schen. Am Ende bleibt die bit­te­re Erkenntnis: Agadez ist ein Paradebeispiel für inter­na­tio­na­le Hilfe und poli­ti­sche Initiativen, die im Kern gute Absichten ver­fol­gen. Aber sie zie­len radi­kal an der Realität und Lebenswirklichkeit der Menschen vor Ort vor­bei – und brin­gen nicht die ver­spro­che­nen Veränderungen.

    Björn Schneider | programmkino.de

    Credits:

    AT/DE/CH 2024, 103 Min., Tamascheq, Hausa, Fulah, Französisch, Deutsch. OmU
    Regie: Gerald Igor Hauzenberger & Gabriela Schild
    Kamera: Thomas Eirich-Schneider, Gerald Igor Hauzenberger, Hajo Schomerus, Joerg Burger
    Schnitt:
    Nela Märki, Stefan Fauland

    Trailer:
    ON THE BORDER // Trailer // Kinostart mit Kinotour am 19.03.26
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  • Nouvelle Vague

    Nouvelle Vague

    Ein Film von Richard Linklater. Ab 19.3. im fsk.

    [Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

    Als ich AUSSER ATEM und ande­re Filme der Nouvelle Vague sah, dach­te ich: „So etwas ist mög­lich?“ Diese Freiheit fas­zi­nier­te mich. Ich wuss­te nichts über das Filmemachen, aber ich konn­te spü­ren, wie cool, freu­dig und revo­lu­tio­när der Film war. Kurze Zeit spä­ter, als alle hör­ten, dass ich mich nun für Kino inter­es­sier­te, lieh mir ein Freund mei­ner Eltern sein Buch über die Nouvelle Vague.
    Diese Ära des Kinos ist für mich nach wie vor von grund­le­gen­der Bedeutung. Und nie­mand ver­kör­pert sie bes­ser als Godard. Er tut das Verbotene, er skiz­ziert, er impro­vi­siert. Ich lie­be sei­nen Humor, sei­ne Körperlichkeit, sei­ne Kühnheit. Er folgt kei­nen Regeln außer sei­nem eige­nen fil­mi­schen Bewusstsein.
    Als er sei­nen ers­ten Spielfilm dreh­te, hink­te er sei­nen Freunden von Cahiers du Cinéma hin­ter­her. Er war besorgt, ängst­lich, hat­te Angst, die Welle ver­passt zu haben. Ihm fehl­te es an Selbstvertrauen. Ich fin­de das sehr lie­bens­wert und ganz anders, als man ihn sich spä­ter in sei­ner Karriere vor­stel­len wird.
    Aus heu­ti­ger Sicht steht AUSSER ATEM in der Mitte der Filmgeschichte. Es schien jetzt der per­fek­te Moment, um die Radikalität und den Wagemut die­ses Films wie­der zu erle­ben. Um uns dar­an zu erin­nern, dass das Kino sich immer wie­der neu erfin­den kann. Ein ver­spiel­tes Porträt einer eng ver­bun­de­nen Gemeinschaft von Filmfanatikern zu zeich­nen, die Kino leben, in sich auf­neh­men und atmen. Um zu erfor­schen, wie eine neue Art des per­sön­li­chen Filmemachens ent­stand. Und um zu zei­gen, dass das Kino ein inno­va­ti­ves Medium ist – und immer sein wird.
    Es ging aber nicht dar­um, AUSSER ATEM neu zu ver­fil­men, son­dern den Filmklassiker aus einem ande­ren Blickwinkel zu betrach­ten. Ich woll­te mit mei­ner Kamera in das Jahr 1959 ein­tau­chen und die dama­li­ge Zeit, die Menschen und die Atmosphäre nach­stel­len. Ich woll­te mit den Leuten der Nouvelle Vague abhän­gen.”
    Richard Linklater

    Credits:

    FR 2025, 105 Min., franz. OmU
    Regie: Richard Linklater
    Kamera: David Chambille
    Schnitt: Catherine Schwartz
    mit: Guillaume Marbeck, Zoey Deutch, Aubry Dullin, Adrien Rouyard, Antoine Besson, Jodie Ruth Forest

    Trailer:
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  • Jeunes Mères – Junge Mütter

    Jeunes Mères – Junge Mütter

    Ein Film von Jean-Pierre & Luc Dardenne. Ab 5.3. im fsk.

    [Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

    Jessica, Perla, Julie, Ariane und Naïma leben in einem Heim für jun­ge Mütter. Fünf Teenagerinnen, die auf ein bes­se­res Leben für sich und ihre Babys hof­fen. „Jede Geschichte wur­de ent­spre­chend der jewei­li­gen Teenager-Mutter und ihrem Kind gestal­tet, sowohl inner­halb als auch außer­halb des Heims für jun­ge Mütter. Was sie ver­bin­det, ist die frü­he Mutterschaft, die mit der sozia­len Determinierung von Armut und bestimm­ten emo­tio­na­len Defiziten ver­bun­den ist. Diese kön­nen dazu füh­ren, dass die glei­chen Verhaltensweisen von Generation zu Generation wie­der­holt wer­den. Genau davon ver­su­chen sie sich zu befrei­en und erschei­nen dabei ein­zig­ar­tig, leben­dig und indi­vi­du­ell. Sie hören in gewis­ser Weise auf, Figuren zu sein – und wer­den zu Menschen“, erzäh­len Jean-Pierre und Luc Dardenne über YOUNG MOTHERS. YOUNG MOTHERS fei­er­te sei­ne Weltpremiere im Rahmen des 78. Filmfestival von Cannes, wur­de dort für das Beste Drehbuch aus­ge­zeich­net und gewann zudem den Preis der Ökumenischen Jury.

    Credits:

    BE 2025, 105 Min., franz. OmU
    Regie: Jean-Pierre & Luc Dardenne
    Kamera: Benoît Dervaux
    Schnitt: Tristan Meunier
    mit: Babette Verbeek, Elsa Houben, Janaïna Halloy Fokan, Lucie Laruelle, Samia Hilmi

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  • Wovon sollen wir träumen

    Wovon sollen wir träumen

    Ein Film von Milena Aboyan und Constantin Hatz. Ab 19.2. im fsk.
    Am 19. & 20.2. kommt das Filmteam zum anschlie­ßen­den Gespräch!

    [Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

    Milena Aboyans Debut Elaha lief vor drei Jahren bei der Berlinale, jetzt hat sie mit dem dama­li­gen Drehbuchautor Constantin Hatz gemein­sam Regie geführt: Wovon sol­len wir träu­men pre­mier­te beim Max-Ophüls-Preis und bekam neben dem Preis der Ökomenischen Jury auch den Publikumspreis „Spielfilm“ zuge­spro­chen. Eher Langzeitbeobachtung als Momentaufnahme, zeigt der Film behut­sam und mit hoher psy­cho­lo­gi­scher Glaubwürdigkeit auf, wie beim Zusammenleben alles mit­ein­an­der zusam­men­hängt und wie Empathie und Nähe mög­lich, aber auch gleich­zei­tig schwie­rig sein kön­nen. Evîn, Laura und Julia tref­fen sich zufäl­lig an einer Lebensmittelausgabestelle für Bedürftige, als die Kurdin Evîn dort von einem Mann ras­sis­tisch belei­digt wird, ihr die Freigängerin Laura zur Hilfe kommt und, als die Situation eska­liert, die Polizei in Person von Julia schlich­ten soll.
    Wir sehen, wie jede ein­zel­ne der drei Frauen mit eige­nen Problemen kämpft. Sichtbar sind dabei die Sorge um das Bleiberecht, der Gefängnisaufenthalt und die häus­li­che Gewalt. Weiter dar­un­ter ver­ber­gen sich aber Traumata, auch sol­che, die von den Eltern an die Kinder wei­ter­ge­ge­ben wur­den.
    Zum Schluss räumt der Film sei­nen Protagonistinnen zwar weni­ger die Möglichkeit einer Befreiung ein, geschwei­ge denn einer Rebellion, schenkt ihnen aber einen ver­söhn­lich-trös­ten­den Ausblick.
    „Noch wei­ter im epi­so­dischen Erzählen geht »Wovon sol­len wir träu­men« von Milena Aboyan und Constantin Hatz, der die Lebenswege drei­er Frauen (und ihrer Beziehungen) so meis­ter­haft ver­bin­det, dass einem unwei­ger­lich ‚Short Cuts‘ von Altman dazu ein­fällt.“ epd-Film

    Credits:

    DE 2025, 108 Min., Dt., Kurd., Engl., mit dt. UT
    Regie: Milena Aboyan, Constantin Hatz 
    Kamera: Rafael Starman
    Schnitt: Elias Ben Engelhardt, Marco Rottig
    mit: Lea van Acken, Luise Aschenbrenner, Bayan Layla, Valerie Tscheplanowa, Louis Nitsche

    Trailer:
    WOVON SOLLEN WIR TRÄUMEN Trailer – ab 19. Februar 2026 im Kino
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  • Blue Moon

    Blue Moon

    Ein Film von Richard Linklater. Ab 26.3. im fsk.

    [Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

    Sie wis­sen ja, dass es in der Ehe heißt ‚in guten wie in schlech­ten Zeiten‘? Ich glau­be, ich bin in mei­nem Leben jetzt im ‚schlech­ten‘ Teil ange­langt, und das geschah so lei­se, dass ich es nicht ein­mal bemerkt habe.“
    Richard Linklaters Blue Moon erzählt die Geschichte des Songwriters Lorenz Hart, des­sen beruf­li­ches und pri­va­tes Leben wäh­rend der Premierenfeier für das Musical „Oklahoma!“, mit dem sein ehe­ma­li­ger Partner, der Komponist Richard Rodgers, einen gro­ßen Erfolg fei­ert, ins Wanken gerät. Der Film, in dem eine Vielzahl von Schriftsteller*innen, Schauspieler*innen, Musiker*innen, Freund*innen und Protegés auf­tre­ten – eine Parade der Berühmten und derer, die es wer­den wol­len –, schil­dert über 100 Minuten in Echtzeit die Ereignisse in der Bar Sardi’s am Abend des 31. März 1943. Das Ergebnis ist eine Betrachtung über Freundschaft, Kunst und Liebe: Am Ende die­ses Abends wird Hart einer Welt, die sich durch den Krieg unwi­der­ruf­lich ver­än­dert hat, und der schein­ba­ren Unmöglichkeit der Liebe ins Auge gese­hen haben. Mit beein­dru­cken­den Darbietungen von Ethan Hawke als Lorenz Hart, Andrew Scott als Richard Rodgers, Margaret Qualley als Harts Schützling Elizabeth und Bobby Cannavale als Barkeeper, Freund und Vertrauter von Hart sowie Linklaters Talent fürs Komödiantische, gelingt es, die Ereignisse die­ses ein­zig­ar­ti­gen Abends per­fekt einzufangen.

    Credits:

    US/IE 2025, 100 Min., engl. OmU
    Regie: Richard Linklater 
    Kamera: Shane F. Kelly
    Schnitt: Sandra Adair
    mit: Ethan Hawke, Margaret Qualley, Bobby Cannavale, Andrew Scott

    Trailer:
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  • filmPOLSKA reloaded – Flowers Of Ukraine

    filmPOLSKA reloaded – Flowers Of Ukraine

    Kwiaty Ukrainy / Flowers Of Ukraine
    am 25.2. 18:00 im fsk

    [Tickets]

    UKR/PL 2024
    R: Adelina Borets
    70 min, OmeU
    K: Bohdan Rozumnyi & Bogdan Borysenko
    S: Agata Cierniak & Mateusz Wojtyński
    M: DakhaBrakha

    Inmitten von rie­si­gen Beton-Wohnblöcken hat sich die 67-jäh­ri­ge Natalia ein grü­nes Refugium geschaf­fen. Der etwas strup­pi­ge, gelieb­te und gepfleg­te Garten ist nicht nur Nutzfläche, son­dern auch Rückzugsgebiet, Energietankstelle und Ort der Begegnung. Aber auch in Kyiw wird jedes freie Fleckchen bebaut und die Bauunternehmer haben die­ses Filetstück schon lan­ge für ihre Baupläne im Auge. Als sie Bagger anrol­len las­sen, gibt sich das Energiebündel Natalia nicht geschla­gen. Die agi­le Rentnerin orga­ni­siert den Widerstand und kann das kol­lek­ti­ve klei­ne Paradies ret­ten – vorerst.

    Doch bald gibt es Wichtigeres als Unkrautjäten und Gemüseernte. Im März 2022 befin­det sich der Garten plötz­lich im Kriegsgebiet und Natalia muss neue Schwierigkeiten bewäl­ti­gen. Statt zwi­schen Stauden und Bäumen sitzt sie nun immer wie­der im Bunker, Verwandte und Freunde ver­las­sen das Land. Aber mit einer gehö­ri­gen Portion Galgenhumor, Erfindungsgeist und jeder Menge Lebensfreude meis­tert Natalia auch die­se Herausforderung – denn wie die Ukraine ist sie stolz, zäh, ideen­reich und soll­te nie unter­schätzt werden.

    Adelina Borets ist ein stim­mi­ges, warm­her­zi­ges Sozialporträt gelun­gen, das trotz sei­nes erns­ten Themas durch eine hin­rei­ßen­de Protagonistin zum Feel-Good-Movie wird. [Rainer Mende]

     

    wei­te­re filmPOLSKA Termine:

    Flowers of Ukraine 2024 | Documentary Trailer
  • filmPOLSKA reloaded – White Courage

    filmPOLSKA reloaded – White Courage

    Am 28.1. um 18:00. Einführung: Bartek Tesarz (Polnisches Institut Berlin)

    [Tickets]

    Zakopane in den Dreißigerjahren, hier leben die Góralen: Im süd­polni­schen Hochgebirge spricht man sei­ne eige­ne Sprache, pflegt sei­ne alpi­nen Traditionen und hält Abstand zu ande­ren – auch zu Polen. Hier fin­den zwei Familien zuein­an­der, die durch stra­te­gi­sche Heirat ihre Situation ver­bes­sern wol­len. Aber wie so oft sind Liebe und Heirat zwei ver­schie­de­ne Dinge – der älte­re, beson­ne­ne Maciek soll die schö­ne Bronka hei­ra­ten, obwohl sie ein Verhältnis mit sei­nem jün­ge­ren, unge­stü­men Bruder Jędrek hat und sogar ein Kind von ihm erwar­tet. Koszałka beschränkt sich nicht auf ein folk­lo­ris­ti­sches Kammerspiel um Liebe und Gehorsam. Vielmehr ent­wi­ckelt er die Geschichte über einen län­ge­ren Zeitraum und ver­leiht ihr damit auch eine poli­ti­sche Dimension. Denn 1939 mar­schiert die deut­sche Wehrmacht in der Hohen Tatra ein und die Góralen müs­sen sich ent­schei­den – kol­la­bo­rie­ren sie und sichern ihren Wohlstand oder blei­ben sie rebel­lisch und ris­kie­ren damit ihr Leben? [Rainer Mende]

    Biała odwa­ga
    PL 2024
    R/K: Marcin Koszałka
    111 min, OmeU
    B: Łukasz M. Maciejewski & Marcin Koszałka
    S: Agnieszka Glińska
    M: Jacek Grudzień
    D: Filip Pławiak, Julian Świeżewski, Jakub Gierszał, Sandra Drzymalska, Wiktoria Gorodeckaja, Andrzej Konopka u. a.

    BIAŁA ODWAGA – Zwiastun PL (Official Trailer)
  • Das Beste liegt noch vor uns

    Das Beste liegt noch vor uns

    Ein Film von Nanni Moretti. Ab 12.2. im fsk. 

    [Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

    Ein Film über das Kino. Die Geschichte eines Filmemachers, des­sen Leben stets vom Kino geprägt war und des­sen Filme stets sein eige­nes Leben beglei­tet haben. Giovanni dreht einen Film, der im Jahr 1956 spielt, zur Zeit der sowje­ti­schen Invasion in Ungarn. Er glaubt fest an die­ses Projekt: Er ist über­zeugt, dass es not­wen­dig ist, die Geschichte der ita­lie­ni­schen Kommunistischen Partei zu die­ser Zeit zu erzäh­len und wie sie die Gelegenheit ver­passt hat, sich von der Sowjetunion zu lösen und end­lich einen unab­hän­gi­gen Weg ein­zu­schla­gen. Aber heu­te erin­nert sich nie­mand mehr an die­se Ereignisse, die Welt hat sich ver­än­dert, eben­so wie die Art und Weise, wie Filme gedreht wer­den. Während Giovanni über­zeugt ist, dass er einen poli­ti­schen Film dreht, ist sei­ne Schauspielerin gegen­tei­li­ger Meinung: Ihrer Ansicht nach dreht Giovanni einen Liebesfilm und merkt es nicht (und viel­leicht hat sie recht). Giovannis Frau Paola geht heim­lich zu einem Psychoanalytiker, um den Mut zu fin­den, ihn zu ver­las­sen. Außerdem pro­du­ziert sie zum ers­ten Mal einen Film, der nicht von Giovanni ist: einen Actionfilm eines jun­gen, auf­stre­ben­den Regisseurs.
    Obwohl die Welt um ihn her­um immer schwie­ri­ger zu ent­schlüs­seln und zu akzep­tie­ren ist, will Giovanni sich nicht mit einer ent­täu­schen­den Realität abfin­den. Und vor allem will er den Traum, sie ver­än­dern zu kön­nen, nicht auf­ge­ben. Und wenn das Leben und die Geschichte ihm dies nicht erlau­ben, dann ver­wan­delt das Kino mit sei­ner anste­cken­den Kraft und Energie die Realität und macht Träume mög­lich. Während er also am Set beschäf­tigt ist, berei­tet er zwei wei­te­re Filme vor und stellt sie sich vor: die Liebesgeschichte eines Paares über meh­re­re Jahrzehnte hin­weg und THE SWIMMER, basie­rend auf der Kurzgeschichte von John Cheever. Als ob die lee­ren Lücken im Leben immer durch das Kino gefüllt wer­den müss­ten.
    Ich woll­te, dass der Film Giovannis Gedanken und Gefühlen folgt. Dazu brauch­te ich, wäh­rend ich eine Geschichte (oder bes­ser gesagt meh­re­re Geschichten) erzähl­te, ein offe­nes und frei­es Drehbuch, das ver­schie­de­ne Ebenen, Töne und Stile ent­hal­ten konn­te. Der Film durch­läuft ver­schie­de­ne Krisen und über­win­det sie dann dank des Kinos, das die magi­sche Kraft hat, uns die Leichtigkeit und den Wunsch, glück­lich zu sein, wie­der­ent­de­cken zu las­sen. Trotz allem.
    Nanni Moretti

    Credits:

    l sol del­l’av­ve­ni­re
    IT/FR 2023, 95 Min., ital. OmU
    Regie: Nanni Moretti
    Kamera: Michele D’Attanasio
    Schnitt: Clelio Benevento
    mit: Nanni Moretti, Margherita Buy, Silvio Orlando, Barbora Bobulova, Mathieu Amalric

    Trailer:
    DAS BESTE LIEGT NOCH VOR UNS I OmU-Trailer, deutsch I Ab 12. Februar im Kino!
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  • The Chronology of Water

    The Chronology of Water

    Ein Film von Kristen Stewart. Am 5.3. im fsk. 

    [Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

    Was für ein Debüt! US-Schauspielerin Kristen Stewart, bekannt gewor­den durch die „Twilight“-Blockbuster nach Stephenie Meyer, eman­zi­piert sich mit ihrer ers­ten Regiearbeit end­gül­tig vom Konsenskino Hollywoods. Die Charakterstudie „The Chronology of Water“, eine Verfilmung der gleich­na­mi­gen Memoiren Lidia Yuknavitchs, bewegt sich mit ihrer bruch­stück­haf­ten Erzählweise, ihrer eigen­wil­li­gen Bildsprache und ihrer scho­nungs­los ergrün­de­ten Missbrauchsthematik deut­lich abseits des Mainstreams. Ein furio­ser, manch­mal auch anstren­gen­der Trip, der einen unter Garantie kräf­tig durchschüttelt.

    Sich nicht ver­ein­nah­men und auf bestimm­te Rollen fest­le­gen zu las­sen, das hat Kristen Stewart nach ihrem Erfolg mit der „Twilight“-Saga geschafft. Dass die US-Darstellerin mehr sein woll­te als eine wei­te­re rund um den Globus ver­ehr­te Blockbuster-Ikone, ver­deut­lich­ten schon ihre ers­ten Ausflüge ins euro­päi­sche Autorenkino mit Olivier Assayas‘ Werken „Die Wolken von Sils Maria“ (2014) und „Personal Shopper“ (2016). Anspruchsvolle Rollen und eher unkon­ven­tio­nel­le Projekte spra­chen Stewart auch in der Folgezeit an. Mit Pablo Larraín dreh­te sie das Biopic „Spencer“ (2021) über Prinzessin Diana. Unter der Regie David Cronenbergs ent­stand der Scifi-Bodyhorror-Streifen „Crimes of the Future“ (2022). Und von Rose Glass ließ sich das frü­he­re Teenageridol in der quee­ren, femi­nis­ti­schen Thriller-Romanze „Love Lies Bleeding“ (2024) inszenieren.

    The Chronology of Water“, ihr Debüt als Filmemacherin, wirkt wie der logi­sche nächs­te Schritt in der Entwicklung einer Frau, die mehr und mehr ihre eige­ne Stimme fin­det – was Stewart dann auch sehr stark mit der Geschichte ihrer Protagonistin ver­bin­det. Die Charakterstudie basiert auf den gleich­na­mi­gen Memoiren der frü­he­ren Schwimmerin und heu­ti­gen Schriftstellerin Lidia Yuknavitch, die in jun­gen Jahren von ihrem Vater sexu­ell miss­braucht wur­de und irgend­wann den Drogen und dem Alkohol ver­fiel. Harter Stoff, den die Neuregisseurin ohne Netz und dop­pel­ten Boden in ihr Erstlingswerk überführt.

    Auch wenn sich Stewart in den letz­ten Jahren im Mainstreamkino rar­mach­te, besitzt ihr Name noch immer eine enor­me Strahlkraft. Dennoch scheint es nicht leicht gewe­sen zu sein, ihren ers­ten eige­nen Film auf die Beine zu stel­len. Das las­sen zumin­dest die vie­len im Vorspann genann­ten Produktionsfirmen und damit die breit­ge­fä­cher­te Finanzierung ver­mu­ten. Kein Wunder! Denn „The Chronology of Water“ schil­dert auf radi­ka­le, expe­ri­men­tel­le Weise eine von Gewalt, Zweifeln und Selbstzerstörung gepräg­te Lebensgeschichte.

    Stewarts kom­pro­miss­lo­ser Ansatz zeigt sich schon zu Anfang des in meh­re­re Kapitel unter­teil­ten Dramas. Als Zuschauer sucht man irgend­wie Halt, bemüht sich, dem Gezeigten Sinn zu geben. Aber zunächst stürzt auf uns ein Schwall an Bildern, Tönen, Wort- und Satzfetzen ein. Das grob­kör­ni­ge 16mm-Analogmaterial ver­leiht dem Ganzen sofort einen betont sub­jek­ti­ven Anstrich. Was sich aus den teils in extre­men Nahaufnahmen gefilm­ten Fragmenten mit der Zeit her­aus­le­sen lässt: In ihrem Elternhaus durch­lebt die klei­ne Lidia (Anna Wittowsky) die Hölle. Während ihre Mutter (Susannah Flood) kon­se­quent weg­schaut, hat ihr sexu­ell über­grif­fi­ger Vater (mit furcht­ein­flö­ßen­der Präsenz: Michael Epp) ein auf abso­lu­te Kontrolle aus­ge­rich­te­tes Terrorregime eta­bliert, vor dem Lidias älte­re Schwester Claudia (als Erwachsene von Thora Birch ver­kör­pert) Reißaus nimmt.

    Auch der Protagonistin (im Teenager- und im Erwachsenenalter von Imogen Poots gespielt) gelingt dank eines Schwimmstipendiums irgend­wann der Absprung. Drogen- und Alkoholmissbrauch, Beziehungsfrust und eine Fehlgeburt wer­fen die jun­ge Frau aller­dings immer wie­der aus der Bahn. Ihre Bestimmung und eine Möglichkeit, sich aus­zu­drü­cken, fin­det sie erst in der Literatur. Doch der Weg zur Heilung ist lang, da die Schatten der Vergangenheit nicht so ein­fach ver­schwin­den wollen.

    The Chronology of Water“ erzählt den Werdegang nicht streng chro­no­lo­gisch, son­dern sprung­haft und asso­zia­tiv. Ganz ähn­lich eben, wie die mensch­li­che Erinnerung funk­tio­niert. Geräusche, Personen oder bestimm­te Gegenstände lösen einen Impuls aus, der frü­he­re Eindrücke wie­der hoch­schwemmt und dama­li­ge Gefühle repro­du­ziert. Ständig erklingt über den Bildern die Stimme der Hauptfigur, die mal aus­führ­li­cher, mal kryp­ti­scher Dinge kom­men­tiert. Am schwie­rigs­ten zu fas­sen ist sicher­lich der Einstieg. Im wei­te­ren Verlauf gibt es immer­hin eini­ge Passagen, in denen die Zersplitterung etwas nachlässt.

    So her­aus­for­dernd das aus vie­len grö­ße­ren und klei­ne­ren Bruchstücken bestehen­de Geschehen auch sein mag – auf Kurs gehal­ten wird der Film von Imogen Poots, die sich mit einer fast schon furcht­ein­flö­ßen­den Unerschrockenheit in ihre Rolle wirft. Ihr Gesicht häu­fig in Großaufnahme ein­ge­fan­gen, gibt sich die Britin ganz der Kamera hin und spielt sich im wahrs­ten Sinne des Wortes die Seele aus dem Leib. Lust, Ausgelassenheit, Ekel, Schmerz, Verzweiflung – jede Emotion lebt die Hauptdarstellerin mit vol­ler Intensität. Nach die­sem Dreh kann sie eigent­lich nur völ­lig aus­ge­pumpt gewe­sen sein! Was mimi­sche Qualität bewir­ken kann, zeigt auch das Beispiel Jim Belushis, der in sei­nen weni­gen Szenen als (real exis­tie­ren­der) Schriftsteller Ken Kesey (unter ande­rem Autor von „Einer flog über das Kuckucksnest“) eine raum­grei­fen­de, in Erinnerung blei­ben­de Figur erschafft. Wer sich mit Kristen Stewarts Kunstanspruch, ihrem unan­ge­pass­ten Stil schwer­tut, kann sich wenigs­tens von die­sen bei­den Performances mit­rei­ßen las­sen. Christopher Diekhaus | programmkino.de

    Credits:

    US/FR/LV 2025, 128 Min., engl. OmU
    Regie: Kristen Stewart
    Kamera: Corey C. Waters
    Schnitt: Olivia Neergaard-Holm
    mit: Imogen Poots, Thora Birch, Susannah Flood, Tom Sturridge, Kim Gordon, Michael Epp, Jim Belushi

    Trailer:
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