Ein Film von Kiyoshi Kurosawa. Ab 4.8. im fsk.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Eine japa­ni­sche Starmoderatorin weilt in Usbekistan, um für eine Reisesendung die ursprüng­li­chen und exo­ti­schen Seiten des Landes zu ent­de­cken. Aber nichts läuft wirk­lich wie geplant. Kiyoshi Kurosawa gehört längst zu den wich­tigs­ten Filmschaffenden Asiens. Für ein­mal ver­lässt er hier sei­ne mit­un­ter har­te Vision der moder­nen Welt, um uns eine fried­li­che­re und opti­mis­ti­sche­re Reise anzubieten.

Das vor­sich­ti­ge Wesen von Yoko (Japans Star Atsuko Maeda) wird arg auf die Probe gestellt, als sie nach Usbekistan reist, um die letz­te Episode ihrer Reisesendung zu dre­hen. Yoko mode­riert ein in ihrer Heimat belieb­tes Reisemagazin, kann aber nicht über­spie­len, dass sie von einer Insel stammt und irgend­wie iso­liert wirkt wie vie­le jun­ge Landsleute, wenn sie die Insel ver­las­sen. Lost in Translation gibt es eben auch in umge­kehr­ter Richtung.

Das Filmteam reist durchs Land, filmt im wun­der­ba­ren Samarkand und an belieb­ten Spots, besucht einen Markt, ver­sucht das loka­le Essen und fühlt sich nie rich­tig wohl. Für Yoko kommt dazu, dass in Tokyo ihr Freund war­tet und sie sich um ihn Sorgen macht, weil er bei­der Hafenfeuerwehr arbei­tet und da einen Jobhat, der gefähr­lich sein kann. Bei ihren Streifzügenauf eige­ne Faust stösst Yoko mit­ten inder Nacht auf eine ein­ge­zäun­te Ziege, die die Japanerin vor lau­fen­der Kamera befrei­en will.

Schliesslich soll das Publikum zuhau­se etwa­s­ha­ben von ihrer Mission. Das Team zieht nach Taschkent, wo Yoko das berühm­te Navoi Theater auf­sucht und fan­ta­siert, dass sie auf der Bühne steht und beju­belt wird. Je mehr sich die Fernsehreporterin in den unbe­kann­ten Strassen Usbekistans ver­liert, des­to hei­mi­scher fühlt sie sich, und da erfüllt sich auch der japa­ni­sche Originaltitel: «Das Ende einer Reise, der Beginn einer Welt». Für uns sind es gleich zwei Begegnungen: Die eine mit Zentralasien, die ande­re mit Japan. (wal)

Credits:

Tabi no Owari Sekai no Hajimari (旅のおわり世界のはじまり)
UZ 2019, 120 Min. japa­nisch, usbe­ki­sche OmU
Regie: Kiyoshi Kurosawa
Kamera: Akiko Ashizawa
Schnitt: Koichi Takahashi
mit: Atsuko Maeda, Shota Sometani, Tokio Emoto, Adiz Rajabov, Ryo Kase

Trailer:

nach oben

Ein Film von Carla Simón. Ab 11.8. im fsk.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Seit jeher ver­bringt die Familie Solé den Sommer auf ihrer Pfirsichplantage in Alcarràs, einem Dorf in Katalonien. Aber die dies­jäh­ri­ge Ernte könn­te die letz­te sein; der Familie droht die Zwangsräumung. Die Bäume sol­len durch Solarpaneele ersetzt wer­den, was zum Zerwürfnis inner­halb der Familie führt. Zum ers­ten Mal sehen die Solés einer unge­wis­sen Zukunft ent­ge­gen. Mehr als ihre Plantage steht auf dem Spiel.
Wie in ihrem Debüt Summer 1993 fin­det Carla Simón erneut ihren Stoff im von aus­ge­präg­ten Jahreszeiten und einem wech­sel­haf­ten Klima bestimm­ten Landleben in Katalonien, das sie aus eige­ner Anschauung kennt. Wirtschaftliche Sorgen ver­schär­fen die fami­liä­ren Dynamiken: Die Jüngeren leben ganz im Hier und Jetzt, wäh­rend der Vater stur die Augen vor der unmit­tel­ba­ren Zukunft ver­schließt und der Großvater sich auf ein lang ver­ges­se­nes Versprechen beruft, um den Anspruch auf das Haus gel­tend zu machen. Die unter­schied­li­chen Haltungen wer­den von einem natür­lich agie­ren­den Ensemble ver­kör­pert, das uns auf sub­ti­le Weise poli­tisch rele­van­te Themen näher­bringt. Wenn Tradition das Einzige ist, bei dem sich alle einig sind, bedeu­tet das nichts Gutes für die Zukunft.

Goldener Bär – Berlinale 2022

Credits:

ES/IT 2022, 120 Min., kata­la­ni­sche OmU
Regie: Carla Simón
Buch: Arnau Vilaró, Carla Simón
Kamera: Daniela Cajías
Schnitt: Ana Pfaff
mit Jordi Pujol Dolcet, Anna Otin, Xènia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou, Josep Abad, Montse Oró, Carles Cabós, Berta Pipó

Trailer:

nach oben

Ein Film von Joanna Hogg. Ab 18.8. im fsk.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Joanna Hoggs Sequel nimmt den Faden unmit­tel­bar da auf, wo THE SOUVENIR endet: Filmstudentin Julie kämpft in den Nachwehen von Anthonys Tod mit Trauer und Schock. Auf der einen Seite sind da die lie­be­vol­len, fast zu fürsorglichen Eltern, von denen sie sich nicht wirk­lich ver­stan­den fühlt. Und auf der ande­ren Seite die Kommiliton*innen, die Mühe haben, dem theo­re­tisch zu fol­gen, was sie mit ihrem Diplomfilm prak­tisch ausdrücken möchte. Mit einer Inszenierung, die ganz auf Atmosphärisches, klei­ne Details und sub­ti­les Schauspiel setzt, gelingt Hogg ein stim­mi­ges Porträt der Künstlerin als jun­ger Frau. (Barbara Schweizerhof)

Credits:

GB 2021, 107 Min., engl. OmU
Regie: Joanna Hogg
Kamera: David Raedeker
Schnitt :Helle le Fevre
Mit Honor Swinton Byrne, Tilda Swinton, James Spencer Ashworth, Alice McMillan, Oli Bauer, Ariane Labed, Richard Ayoade

Trailer:

nach oben

Ein Film von Laura Bispuri.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

„Rund um den Geburtstag von Großmutter Nena und Paco, den Pfau erzählt Laura Bispuri eine wun­der­bar leicht­hän­di­ge Familiendramödie, die mit Erwartungen spielt und die­se dann char­mant ein­löst.
Bei Regisseurin Laura Bispuri ist es nicht der Elefant, der im Raum steht und den doch kei­ner sehen möch­te, son­dern ein Pfau, der stolz bal­zend ein Rad schlägt. Er ist das Bild im Bild, das offe­ne Geheimnis, eigent­lich aber das etwas ande­re Haustier von Enkelin Alma. Der Vogel stol­ziert durch die Räume, wäh­rend die Gäste auf dem Geburtstag von Großmutter Nena ein­tru­deln, sich situ­ie­ren, ers­te Gespräche begin­nen und das Essen vor­be­rei­tet wird. Schwiegertochter Adelina ver­sucht, mit ihrem Geschenk, einem selbst gestrick­ten Pullover, zu glän­zen. Sohn Vito pumpt Schwester Caterina um Geld für sei­ne anste­hen­de Hochzeit an, wäh­rend die­se zu ver­heim­li­chen sucht, dass sie sich von ihrem Mann Manfredi getrennt hat. Der insis­tiert trotz­dem, beim Essen dabei zu sein, wäh­rend sei­ne neue Freundin Joana unten im Auto war­tet. Alles könn­te in Banalitäten oder Klamauk enden, hät­te Bispuri nicht ein gran­dio­ses Gespür für Besetzung, Timing und Stil. Und es gibt Paco, den schö­nen Pfau, der sich inmit­ten des fami­liä­ren Durcheinanders in eine Taube auf einem von Nenas Gemälde ver­liebt.“
Susanne Kim | Indiekino

Diese beweg­te, manch­mal chao­ti­sche Familienaufstellung ist ein Ensemblestück mit 11 Personen und einem Pfau, als wun­der­ba­res Durcheinander cho­reo­gra­fiert. Die einem möch­te sich unbe­dingt mit­tei­len, ande­re lügen oder schwei­gen, und ande­re wei­chen lie­ber aus. Der arme Pfau jedoch kann gar­nichts dafür, dass er im Mittelpunkt steht und schließ­lich als Katalysator für uner­war­te­te Klarstellungen dient. Obwohl, ein wenig dumm ver­hält er sich schon.

Credits:

Il para­di­so del pavo­ne
DE/IT 2021, 89 Min., ital. OmU
Regie: Laura Bispuri
Kamera: Vladan Radovic
Schnitt: Carlotta Cristiani, Jacopo Quadri
mit: Dominique Sanda, Maddalena Crippa, Carlo Cerciello, Alba Rohrwacher, Fabrizio Ferracane, Maya Sansa

Trailer:

nach oben

Ein Film von Woody Allen.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Woody Allen beglei­tet mich seit eigent­lich schon immer. Jedenfalls seit den 70er Jahren, Spielfilme gegen Fernsehserien, zu der Zeit Take the money and run gegen Derrick. Ein Fernseher für zwei Fraktionen, im Einfamilienhaus. Freitagabend bevor Freitag/Samstagabend zu Disco wur­den. Das SS Mitglied Herbert Reinecker gegen Allen David Koenigsberg, Paranoia in der Straßenbahn gegen die ers­te Szene von Annie Hall. Jahrzehnte spä­ter macht Woody Allen mit 84 nach Stardust Memories einen wei­te­ren Film im Film, ent­spannt in San Sebastian, wäh­rend des Festivals. Wallace Shawn, der mit My din­ner with Andrew und Vanya on 42 street von Louis Malle auch im Film dem Theater treu blieb, für das er haupt­säch­lich arbei­tet (auch als Autor), spielt hier die typischs­te aller Woody Allen Verkörperungen. Intellektuell, banal, ver­korkst, hell­sich­tig, ver­wi­ckelt, allein im Kosmos für sol­che wie ihn und des­halb immer in Gesellschaft.

Wallace Shawn lebt also ein Filmfestival lang den Nachmittag eines Fauns aus. Sich sei­ner eige­nen Grenzen nicht bewußt aber die­se beharr­lich ver­fol­gend. Ein Vergnügen.

Rifkin’s Festival wur­de bereits 2019 gedreht, kommt nun aber auch end­lich in hie­si­ge Kinos. Wie so oft bei Allen ist dies ein viel­schich­ti­ger, warm­her­zi­ger Film. Noch dazu einer, der das euro­päi­sche Kino ehrt und zele­briert. In der Hauptrolle agiert Wallace Shawn. Er ist prak­tisch Woody Allen’s Alter Ego. Als Romanautor geschei­tert, als New Yorker Filmdozent nur Anhängsel sei­ner Frau Sue, beglei­tet Mort Rifkin sie zu den Filmfestspielen in San Sebastián. Dort macht Sue die PR für den neu­en Film des Regisseurs Philippe, den Mort so gar nicht aus­ste­hen kann. Er hegt auch den Verdacht, dass Sue eine Affäre hat. Als er dann die orts­an­säs­si­ge Ärztin Jo ken­nen lernt, fin­det er immer wie­der neue Gründe, wie­so er sie auf­su­chen muss. Mort sin­niert über sei­ne Beziehungen – und das in Tagträumen, die gro­ßen euro­päi­schen Filmklassikern nach­emp­fun­den sind.

(Peter Osteried, Cineman)

Credits:

ES/US/IT 2020, 92 Min., engl. OmU,
Regie: Woody Allen
Kamera: Vittorio Storaro
Schnitt: Alisa Lepselter
mit: Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon, Sergi López, Wallace Shawn, Christoph Waltz

Trailer:

nach oben

Ein Film von Zhang Yimou.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Eine Sekunde Film, dafür ist der Häftling aus dem Straflager geflo­hen. Seine ihn ent­frem­de­te Tochter soll so lan­ge in dem Werk, das durch die Provinz tourt, zu sehen sein. Genauer gesagt, in der Wochenschau, und aus­ge­rech­net die­se Filmrolle stiehlt das Waisenmädchen Wu. Sie will das Material einer ande­ren, für sie wich­ti­gen Bestimmung zufüh­ren. Ohne die­se Propaganda-Rolle wie­der­um will der stol­ze Projektionist des Kinos der zwei­ten Einheit die Vorstellung nicht begin­nen. Es beginnt eine wech­sel­sei­ti­ge Jagd auf das Diebesgut, mit Verlusten auf aller Seiten. Doch aller Auseinandersetzungen zum Trotz bahnt sich auch eine neue Freundschaft an.

Bevor Zhang Yimous sei­ne „boden­stän­di­ge und ein­fa­che Geschichte“ vor Publikum zei­gen konn­te, hat­te der Film schon eine beweg­te Geschichte hin­ter sich. Bei der Berlinale für den Goldenen Bären nomi­niert, wur­de er kurz vor sei­ner Premiere aus „tech­ni­schen Gründen“ zurück­ge­zo­gen. Gleiches pas­sier­te dann 21 Monate und zwei Überarbeitungen spä­ter noch­mal beim „Golden Rooster and Hundred Flowers Film Festival“. Kurze Zeit spä­ter aber wur­de der heiß erwar­te­te Streifen in China mit gro­ßem Erfolg gestartet.

Hatte Zhang zuvor eini­ge opu­len­te Werke geschaf­fen, und zuletzt mit „Hero“ auch das Wuxia-Genre bedient, kön­nen wir hier zwar auch wun­der­ba­re Bilder der Sandwüste bewun­dern, aber Bilder aus der Kulturrevolution sind ins­ge­samt fürs Schwelgen wohl weni­ger geeignet.

Eine Sekunde ist eher eine Hommage an den 35mm-Film, an sei­ne Haptik, Sinnlichkeit, die stoff­li­che Verletzlichkeit des Materials, und dabei an sei­ne Möglichkeiten, sowie an das Kino die­ser Zeit. Es wird hier „Heroische Söhne und Töchter“ gezeigt, alter­na­tiv wäre nur „Der Kampf zwi­schen Nord und Süd“ mög­lich gewe­sen, denn es gibt nur weni­ge Filme fürs Landvolk. Das tut der Begeisterung jedoch kei­nen Abbruch, und der Andrang sorgt immer­hin für die ein- oder ande­re Massenszene.

Credits:

Yi miao zhong 秒钟
CN 2019, 103 Min., man­da­rin OmU
Regie: Zhang Yimou
Schnitt: Yuan Du
Kamera: Zhao Xiaoding
mit: Zhang Yi, Liu Haocun, Fan We

Trailer:

nach oben

Ein Film von Joachim Lafosse.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Jan und Nina lei­ten eine Werbeagentur und leben mit ihren Kindern Emma und Max in Hamburg. Ein Ausflug in ihr gelieb­tes Wochenenddomizil an der Belgischen Küste beginnt dra­ma­tisch: es ist jemand ins Haus ein­ge­drun­gen, und hat bei Ankunft der Familie die Flucht ergrif­fen. Außer dass Max‘ zah­me Ratte den Schreckmoment eben­falls zur Flucht nutzt, ist aber kein Schaden zu ent­de­cken. Trotzdem ist das Sicherheitsgefühl an die­sem Ort ver­schwun­den, und wei­te­re Vertrauensverluste fol­gen.
Nun ken­nen wir ja den „Rashomon-Effekt“: ein Ereignis wird von allen Beteiligten unter­schied­lich erlebt und beschrie­ben, was zu ver­schie­de­nen Interpretationen und Handlungsoptionen führt. Allerdings sehen wir hier nun nicht nur nach und nach die Sichtweisen der fünf – ja, Ratte Zorro ist auch dabei und hat eine recht plau­si­ble Sicht auf die Dinge – Anwesenden, son­dern auch ande­re Geheimnisse kom­men ans Licht, wie Jans heim­li­che Zusage zu einem deli­ka­ten Auftrag, gegen den Willen sei­ner Partnerin.

„Während sich das Quartett in der Gefahr zunächst näher kommt, um dann aber zuneh­mend die Bodenhaftung zu ver­lie­ren, irri­tiert Regisseur Ronny Trocker über­dies mit einer nicht-linea­ren Erzählweise, die das anfäng­li­che Familiendrama all­mäh­lich in einen auf expli­zi­te Horroreffekte ver­zich­ten­den Thriller ver­wan­delt. Die Bedrohung aus dem Inneren der Figuren droht dabei in die ohne­hin mul­ti­per­spek­ti­visch aus­fran­sen­de Handlung durch­zu­drin­gen. Selbst die Tatsache des Einbruchs gerät ins Wanken. Vielleicht waren es gar kei­ne Diebe, son­dern Aktivisten, die Jans Kampagne für die extre­mis­ti­sche Partei ableh­nen? Oder doch nur eine kol­lek­ti­ve Einbildung von Menschen, die zu lan­ge anein­an­der vor­bei­gelebt haben?
… ein psy­cho­lo­gisch kon­zen­trier­ter, aber gera­de durch sei­nen unspek­ta­ku­lä­ren Gestus beun­ru­hi­gen­der und zutiefst beein­dru­cken­der Film.“
Alexandra Wach | Filmdienst

Credits:

Les Intranquilles
BE/LU/FR 2021, 118 Min., frz. OmU,
Regie: Joachim Lafosse
Kamera: Jean-François Hensgens
Schnitt: Marie-Hélène Dozo
mit: Leïla Bekhti, Damien Bonnard, Gabriel Merz Chammah, Patrick Descamps

Trailer:

nach oben