Während in Irland 1923 Bürgerkrieg herrscht, erlebt Padraic auf einer abgelegenen Insel sein ganz eigenes Drama. Sein lebenslanger Freund Colm kündigt ihm urplötzlich die Freundschaft, weil er ihn, so die Begründung, nicht mehr mag – mit reichlich drastischen Konsequenzen. Nach Komödie mag sich das zwar nicht unbedingt anhören. Doch Martin McDonagh – der zuletzt mit THREEBILLBOARDSOUTSIDEEBBING, MISSOURI bewies, dass er das hervorragend kann – balanciert die im Grunde traurige Handlung höchst unterhaltsam mit sattem, schwarzem Humor aus und verliert die essenziellen Themen – vom Bedürfnis nach Freundschaft bis zur Angst vor dem Tod – nicht aus dem Blick. (Sascha Rettig)
Credits:
GB/IR/US 2022, 109 Min., engl. OmU Regie: Martin McDonagh Kamera: Ben Davis Schnitt: Mikkel E.G. Nielsen mit: Colin Farrell Brendan Gleeson Kerry Condon Barry Keoghan
Khalil ist Grundschullehrer und lebt mit seiner Freundin Leyla, Journalistin, in Berlin. Als sie ihm Kriegsvideos aus seiner kurdischen Heimatstadt in der Türkei zeigt, gerät Khalils geordnetes Leben aus den Fugen: er meint, seine tot geglaubte Schwester als Videoaktivistin hinter der Kamera zu erkennen. Über die kurdische Gemeinschaft, von der er sich eigentlich längst abgewandt hatte, versucht Khalil mit seiner Schwester Senem in Kontakt zu kommen. Im Gegenzug wird von ihm verlangt, die Kriegsvideos in die deutschen Nachrichten zu bringen. Doch er merkt schnell: für die Medien hat die Geheimoperation des türkischen Militärs keinen News-Wert. Erst als Khalil und seine Freundin Leyla die Videos manipulieren und direkt in den Agenturserver einspeisen, bekommen sie die erhoffte mediale Aufmerksamkeit: der Krieg kommt in die Schlagzeilen und eine hitzige politische Debatte entflammt.
Doch der Konflikt bleibt nicht auf den Bildschirmen. Der ferne Krieg setzt sich in der Diaspora fort und auf den Berliner Straßen kämpfen türkische und kurdische Demonstranten. Als der Konflikt schließlich auch Khalils Schulkasse erreicht, realisiert er: es geht nicht mehr nur darum, im Wettbewerb der Nachrichtenbilder zu bestehen, sondern auch, sein eigenes Leben in Berlin zu beschützen.
Der Film beruht auf wahren Begebenheiten. Ausgangspunkt sind die authentischen Handyvideos aus der kurdischen Kriegsregion.
Credits:
DE 2021, 94 Min., Deutsch, Türkisch, Kurdisch OmU Drehbuch & Regie: Florian Hoffmann Kamera: Carmen Treichl Schnitt: Marco Rottig mit: Hadi Khanjanpour, Kristin Suckow, Aziz Capkurt, Jeanette Hain, Mela Kanbak
Trailer:
Offizieller Teaser | „STILLEPOST” – Ab 15.12.2022 im Kino
Paris, 1981: Am Wahlabend herrscht Aufbruchsstimmung; beschwingt stürmen Frankreichs Bürger*innen die Straßen. Doch Élisabeth (Charlotte Gainsbourg) fällt es schwer, sich dem allgemeinen Optimismus anzuschließen. Ihre Ehe steht vor dem Aus, und sie wird die Familie alleine zusammenhalten müssen. Sie ist verzweifelt, sowohl ihr Vater als auch ihre halbwüchsigen Kinder fürchten, dass ihre Tränen nie versiegen werden. Was aber, wenn Élisabeth ihren Gefühlen folgt, um die sich ankündigende Leere zu füllen? Was, wenn sie aus einer Laune heraus dem Moderator ihrer liebsten Radiosendung einen Brief schreibt? Oder ein obdachloses Mädchen zu sich nach Hause einlädt? Was, wenn sie auf eine Weise zu handeln beginnt, die das Leben tatsächlich verändert? Nach Amanda richtet Mikhaël Hers seinen sensiblen Blick auf die 1980er-Jahre und auf die scheinbar alltäglichen Momente des Familienlebens, die einem jedoch für immer in Erinnerung bleiben. Eine nostalgische Selbsterfindungssaga, bevölkert von Figuren, deren Verletzlichkeit und Güte der Regisseur auf eine Weise würdigt, dass es in unserer meist von desillusionierten Antihelden begeisterten Filmwelt hervorsticht. Bei der Frage, wie unsere Gesellschaft funktioniert, vermag uns dieser intime und faszinierende Film eine Idee davon zu geben, warum Liebe wichtig ist.
Credits:
Les passagers de la nuit FR 2022, 111 Min., frz. OmU Regie: Mikhaël Hers Kamera: Sébastien Buchmann Montage: Marion Monnier mit: Charlotte Gainsbourg, Quito Rayon-Richter, Noée Abita, Megan Northam, Thibault Vinçon, Emmanuelle Béart, Laurent Poitrenaux, Didier Sandre, Lilith Grasmug, Calixte Broisin-Doutaz
Eine andere Zeit ist möglich! Zumindest war dies zu Beginn der industriellen Uhrenherstellung um 1877 der Fall, als Behörden, Fabrikanten und Uhrenmodelle noch mit je eigenen Zeiteinteilungen operierten, samt damit verbundener Zeitpläne, Werte und Weltbilder. In dieser proto-tayloristischen Gesellschaft, in der Beamte und Gendarmen über die richtige Uhrzeit wachen und dem Produktionsbetrieb und der Gemeinschaft den Takt vorgeben, gründen Arbeiter eine anarchische Gewerkschaft mit Verbindung zur internationalen Arbeiterbewegung. Dort begegnen sich Josephine, die über die Montage der Unruh, des Herzstücks der mechanischen Uhr, wacht, und der russische Kartograf Pyotr Kropotkin, der gerade im Jura weilt. Inspiriert von anarchistischen Ideen fordern sie die Befreiung der Zeit, setzen Solidarität und Pazifismus gegen Marktgesetze und Nationalismus. Nach seinem Debüt Dene wos guet geit hat Cyril Schäublin seinen Stil weiterentwickelt: Mit höchster kompositorischer Sorgfalt verknüpft er die für ihn typischen kunstvollen Totalen und extremen Close-ups, die die Handwerkskunst feiern, mit einer klaren politischen Haltung und macht durch Verfremdung und Ironie deutlich, wie aktuell und universell sein Thema ist.
Credits:
CH 2022, 93Min., Schweizerdeutsch/Französisch/Russisch u. a. OmU Regie, Drehbuch, Schnitt: Cyril Schäublin, Kamera: Silvan Hillmann mit: Clara Gostynski, Alexei Evstratov, Monika Stalder, Hélio Thiémard, Alice-Marie Humbert, Esther Flückiger, Alisa Miloglyadova, Elisaveta Kriman, Olga Bushkova
Einer der schönsten und tröstlichsten Filme des Jahres – mit viel Empathie und ohne zu urteilen blickt er auf das Leben seiner Protagonistin zu einer Zeit, in der sich einige Dinge ändern. Sandra ist Dolmetscherin, alleinerziehende Mutter einer achtjährigen Tochter, aber zunächst vorwiegend selbst Tochter. Ihr Vater Gregory, in seiner aktiven Zeit geachteter Philosophieprofessor, leidet an einer seltenen, fortschreitenden neurodegenerativen Störung. Er vergisst Ort und Zeit und Gesichter; der Mann, der er einst war, ist nicht mehr da. Jetzt, wo er nicht mehr alleine zurechtkommt, müssen Sandra, ihre von ihm geschiedene Mutter und die aktuelle Freundin nicht nur ein Heim suchen, sondern ihn auch vom Umzug überzeugen und seine Wohnung auflösen – nachvollziehbar traurige, schreckliche Aktivitäten. Eine Odyssee durch Krankenhäuser und Pflegestationen beginnt, ein Ort erscheint schlimmer als der andere. Parallel dazu schafft Sandra es, sich in ihre erste Beziehung seit dem Tod ihres Mannes zu manövrieren. Clément ist ein früherer Freund der Familie, allerdings verheiratet mit Kind. Aus der anfänglichen Affäre wird mit der Zeit eine Romanze, und ein Hin- und Her von Trennung – „ich kann das nicht“ – und Rückkehr – „Ich kann nicht ohne dich“ – nimmt seinen Lauf. „… Hansen-Løves Filme sind Ensemblewerke vor allem deshalb, weil Figuren nicht autonom, sondern Knoten in einem Beziehungsgeflecht sind, das der Film nicht kreativ spinnt, sondern in das er sich einfach hineinlegt. Die Verbindungen scheinen immer schon da, noch bevor das durch sie Verbundene existiert. Hansen-Løve braucht keine ‚Establishing Shots‘ für ihre Szenen, weil sie gar nicht anders kann, als das Leben, das sie beguckt, als bereits etabliertes zu denken, das weiterläuft, immer weiterläuft. Keine Figur, in der das Drama ablaufender Lebenszeit nicht schon eingerechnet wäre, deshalb berühren sie mich mehr als solche, die für ein ganz bestimmtes Drama erst erfunden wurden. …“ Till Kadritzke, critic.de
Credits:
Un beau matin FR/DE 2022, 112 Min., frz OmU Regie: Mia Hansen-Løve Kamera: Denis Lenoir Schnitt: Marion Monnier mit: Léa Seydoux, Pascal Greggory, Melvil Poupaud, Nicole Garcia, Kester Lovelace
In seinem Job als Polizist verbirgt Cristi, dass er schwul ist. Dann wird die Einheit in ein Kino gerufen, in dem christliche Konservative gegen einen „unmoralischen“ lesbischen Film protestieren. Wenn er mit seinem französischen Freund Hadi alleine in der Wohnung ist, ist Cristi liebevoll und entspannt. Es wirkt, als besuchte der Pariser Cristi zum ersten Mal in Rumänien und auch, als wäre ihre Beziehung noch sehr frisch. Die beiden Männer turteln und kuscheln, Cristi kocht und erzählt von der Oma, die im Gefängnis war. Nur, wenn er sich unbeobachtet fühlt, schimmert durch, dass er auch nervös ist. Das wird deutlicher, als Hadi vorschlägt, sie könnten zusammen einen Ausflug machen. Cristi findet alle möglichen Gründe dagegen. In seinem Job bei der Gendarmerie, einer Art militärischer Polizei, hat Weichheit keinen Platz und egal, ob er mit den Kollegen quatscht oder von Protestierenden angeschrien wird, immer trägt er, so gut er kann, eine professionell emotionslose Maske. Doch an diesem Abend wird seine Einheit in ein Kino gerufen, in dem christliche Konservative gegen einen „unmoralischen“ lesbischen Film protestieren, und als ein Bekannter Cristi aus den Clubs wiedererkennt, schlägt er ihn ins Gesicht und gerät so erst recht ins Zentrum der Aufmerksamkeit. Der etablierte Theaterregisseur Eugen Jebeleanu hat für seinen Debütfilm ein Kammerspiel effektiv mit den Mitteln des Kinos angereichert. Der Film setzt sich aus mehreren langen Dialogszenen zusammen, in denen die Handkamera durch den Raum kreist, als wäre sie selbst ständig in Gefahr, im Gewühl der Schreienden mitgerissen zu werden, und dann ganz nah rangeht, wo sich in kleinen Bemerkungen und Gesichtsregungen die wahre Geschichte zuträgt. So entsteht ein großes Drama aus kleinen Momenten. Conrad Mericoffer spielt dabei gelungen Cristis innere Konflikte wie auch die Wutausbrüche, hinter denen er sie vor seinen Kollegen versteckt. Man hofft, er könne irgendwann zu sich, seinen Gefühlen und Hadi stehen, aber die subtile, allgegenwärtige Homophobie scheint auch ihn zu durchtränken. Ob er an ihr zerbricht oder nach dieser Nacht zuhause wieder zur anfänglichen Liebe findet, bleibt unklar. Aber der Film gibt die Hoffnung nie ganz auf. Text: Christian Klose | Indiekino.de
Credits:
RO 2020, 81 Min., rumänische OmU Regie: Eugen Jebeleanu Kamera: Marius Panduru Schnitt: Cătălin Cristuţiu mit: Conrad Mericoffer, Alexandru Potocean, Radouan Leflahi, Cendana Trifan, Ionuţ Nicolae, Alex Câlin, Rolando Matsangos, George Piștereanu
Obwohl Flachländer, ist Marco ein robuster Kerl. In einem entlegenen Schweizer Alpendorf greift er Bergbauer Alois unter die Arme; auch beim Stammtisch lernt man den Eisteetrinker langsam schätzen. Anna wiederum kommt ursprünglich aus dem Dorf; ihre Tochter Julia stammt aus einer früheren Beziehung. Dass die neue klappen wird, bezweifelt so mancher. Marco und Anna nicht. Sie heiraten. Ihre Liebe ist behutsam und schön. Sie beschwören sie mit einfachen Worten. Können sie nicht fassen. Das Zutrauen wächst, die Zärtlichkeit bleibt, jede Berührung ein Glück, an Wärme nur vom Streichen übers Kuhfell zu toppen. Doch bald scheint Marco immer öfter die Kontrolle über seine Impulse zu verlieren … In Michael Kochs Film verschmelzen Natur und Mensch auf einzigartige Weise. Getragen von der angenehmen Normalität seiner Laiendarsteller*innen folgt der Film mit überzeugter Ruhe jenem Rhythmus, den die Jahreszeiten vorgeben. Bar jeder Hysterie, wider die Umstände. Auch wenn Körper und Seele spannen. Ein Juwel.
Credits:
Drii Winter CH/DE 2022, 136 Min. schweizerdeutsche OmU Regie, Buch: Michael Koch Kamera: Armin Dierolf Schnitt: Florian Riegel mit Michèle Brand, Simon Wisler, Elin Zgraggen, Daniela Barmettler, Josef Aschwanden
Trailer:
Drei Winter (offizieller Trailer) – ein Film von Michael Koch
Vom 21. bis zum 30. November findet in Kinos und Festivalräumen von Berlin und Warschau die zweite Ausgabe des Filmfestivals 610 Berlin – Warszawa statt. Zur Eröffnung lädt das festival unsere Gäste zu einer Reise mit dem Kulturzug auf der Strecke Berlin-Warszawa-Berlin ein. Filmemacher, Journalisten und Ehrengäste treffen sich an Bord, um über Kino, Kultur und die deutsch-polnischen Beziehungen zu sprechen. Die Vorführungen des Hauptfestivals starten am 23. November – dann wird zum ersten Mal ein deutscher Film in Kinoteka in Warschau und zur gleichen Zeit polnisches Kino im Club der polnischen Versager in Berlin gezeigt.
Im Mittelpunkt der diesjährigen Warschauer Ausgabe des Festivals steht die Frau – als Künstlerin und als Protagonistin. Wie kann man sich in einem norddeutschen Dorf unabhängig machen, wie findet man sich in den Realien der Großstadt zurecht, wie entkommt man der deutschen Provinzialität und lässt sich zum Kampf in kurdischen Frauenbataillonen aufstellen – das sind nur einige der Geschichten, die deutsche Regisseurinnen erzählen. Gelegenheit zum direkten Gespräch zwischen dem polnischen Publikum und den Filmemacherinnen bieten Podiumsdiskussionen, die im Rahmen des Festivals stattfinden.
Die Auswahl polnischer Filme in Berlin zeigt unbequeme Bilder, es werden gesellschaftliche Themen aufgegriffen: der polnische Katholizismus, das multikulturelle Trauma des Zweiten Weltkrieges, die Globalisierung und die Frauenbewegung der letzten Jahre. In Dokumentar‑, Spiel- und Kurzfilmen wird der polnische Alltag ungeschminkt gezeigt.
Wir sind davon überzeugt, dass das diesjährige Festivalprogramm nicht nur ein anspruchsvolles künstlerisches Niveau bietet, sondern auch die Chance gibt, die kulturellen, gesellschaftlichen, politischen und emotionalen Komplexitäten in uns und unseren Nachbarn kennenzulernen und sich darüber Gedanken zu machen. Über zwei Völker und Kulturen, die sich so nah und gleichzeitig so fern sind.
2021 / Polen, Italien, Tschechien / 113 min / OmdU
Wenn sich die Brutalität des Lebens hinter der Staffage einer vermeintlichen Idylle verbirgt, und wir nicht einmal das wahrnehmen wollen, was uns beunruhigt und Angst macht – dann fürchten wir uns meistens vor der Wahrheit.
Anna und Adam sind ein gut situiertes Paar in den Dreißigern. Reisen, gute Abendessen und Sex ohne Liebe sind ihre Lebensrituale. Gerade hat ihr lang erwarteter Urlaub auf Sizilien begonnen, aber vor Ort stellt sich heraus, dass in dem von ihnen gemieteten Haus am Meer kein Wasser im Pool ist. Als nach einem Streit mit dem Besitzer ein junger Mann auftaucht, der den Schaden reparieren soll, kommt es zu einem tödlichen Unfall. Die Urlaubsidylle wird zum Horror. Wer war dieser Mann und warum hat ihm niemand geholfen? Warum schweigt die örtliche Gemeinschaft, und warum werden die Aufzeichnungen der Überwachungskameras – wie schweigende Zeugen – ignoriert?
Agnieszka Woszczyńskas Debütfilm ist eine leise Anklage der Welt, in der wir leben. Er erzählt davon, wie wir vor dem Bösen in unserem Umfeld und gegenüber zeitgenössischen Tragödien afrikanischer Flüchtlinge die Augen verschließen.
Zwei Frauen und zwei Welten, die so weit voneinander entfernt sind, dass man kaum glauben möchte, dass beide Protagonistinnen in demselben Land leben.
Der „Wandel zum Guten“ war der Wahlkampfslogan der Partei Recht und Gerechtigkeit – der Regierungspartei, die seit sieben Jahren in Polen an der Macht ist. Er war die rechts-populistische Antwort auf die neoliberale Politik der vorherigen Regierung und hat das polnische Volk radikal polarisiert. Konrad Szołajskis Film erzählt von diesem politischen Phänomen aus der Sicht von zwei Frauen. Marta und Tita empfinden sich beide als Patriotinnen, doch für die eine ist Patriotismus national und katholisch, für die andere europäisch und liberal. Nominell sind das zwei politische Lager, real ist das ein Krieg der Sterne. Marta und Tita führen ihr Leben auf verschiedenen Seiten der politischen Barrikade in ein und demselben Land – in Polen, das zwei Gesichter hat.
Der gesellschaftspolitische Dokumentarfilm von Konrad Szołajski zwingt zum Nachdenken über die Radikalisierung des gesellschaftlichen Lebens im heutigen Polen und die Konsequenzen, die sich daraus für die internationalen Beziehungen ergeben.
Manchmal muss man über ernste Dinge mit einem Augenzwinkern sprechen, mit der Ironie eines Narren. Einfachste Fragen stellen und damit die Welt in ihrer Ungreifbarkeit offenlegen und sie furchtlos in ihrer ganzen Blöße zeigen.
Eine kleine Gruppe tschechischer Protestanten besucht Polen, weil sie das nationale Phänomen des Katholizismus verstehen will. Es handelt sich um ein Filmteam, an dessen Spitze Karel steht, ein Atheist. Mit der Dickköpfigkeit eines Esels durchqueren sie das Land kreuz und quer, zwischen Sacrum und Profanum. Sie begegnen der Freude der christlichen Erweckung und pädophilen Abgründen, dem Glauben im Alltag und dem nationalen Charakter der polnischen Kirche, dem Phänomen der Beichte und der Gefühlserregung durch die Glaubenserfahrung …
In ihrem Film nehmen uns die Künstler mit auf eine ungewöhnliche Reise durch das Polentum. Gleichzeitig handelt es sich um einen Dokumentarfilm über die Entstehung und Grenzen von Dokumentarfilmen, über Wege zur Wahrheit und über den zarten Grat zwischen Manipulation und Epiphanie.
Obwohl uns die Namen der Künstler vielleicht nicht viel sagen, sind ihre Kompromisslosigkeit und ihre mutige Sicht auf die Wirklichkeit ein Beweis für ihre enorme Sensibilität und ihr Verantwortungsgefühl für die Welt, in der wir leben.
Grzegorz Paprzycki porträtiert in seinem Film My country so Beautiful rechtsextreme Kampftruppen. Der Animationsfilm Chrystus Narodu von Ewa Drzewiecka ist eine ironische und kritische Betrachtung der Fundamente der polnischen Kultur und ihres Sacrum. In Krzyżoki entfaltetAnna Gawlita ein faszinierendes Bild eines Osterbrauchs auf dem Lande bei Opole, und Miłość bezwarunkowa von Rafał Łysak ist eine bewegende Geschichte über eine fromme Großmutter und ihren homosexuellen Enkelsohn.
Diese jungen Künstler betrachten nationale Fragen, über die bisher geschwiegen wurde, und sie greifen sensible Themen auf, die abweichen von der offiziellen Linie der Kulturförderung.
Krzyżoki | Eastern Riders | Der Osterritt
Regie: Anna Gawlita
PL 2018, 20 min, OmeU
Miłość bezwarunkowa | Unconditional Love | Bedingungslose Liebe
Regie: Rafał Łysak
PL 2020, 40 min, OmeU
Chrystus Narodu | Christ of the Nation | Christus der Nation
Regie: Ewa Drzewiecka
PL 218, 9 min
Mój kraj taki piękny | My Country, So Beautiful | Mein Heimat ist so schł
Die Europäische Kommission hat Polen die sechste Tranche der Strafzahlung für die fehlende Umsetzung des Entscheides des Gerichtshofes der Europäischen Union von Juli des vergangenen Jahres abgezogen. [RZECZPOSPOLITA, 27.10.2022]
Polens Rechnung für sein System der Disziplinarverfahren gegen Richter beträgt bereits 329 Millionen Euro. Und der Zähler läuft weiter.
[RZECZPOSPOLITA, 28.10.2022]
Worum geht es hier eigentlich? Wer ist Richter Igor Tuleya? Wer sind die anderen Richter in Kacper Lisowskis Film? Die Richter, deren Kompetenzen von der polnischen Regierung infrage gestellt werden, obwohl ihnen keine Berufsverbot erteilt wurde?
Seit 2017 wird in Polen über die Unabhängigkeit der polnischen Gerichtsbarkeit und die Faktizität der Dreiteilung der Macht gestritten. Die Vereinnahmung durch politische Parteien und die daraus folgende Manipulation sowie der Druck seitens der Regierungspartei auf die allgemeinen Gerichte sind beunruhigend, weil sie die Fundamente der Demokratie angreifen. Mit der Einrichtung einer Disziplinarkammer durch PiS – einer bewertenden? kontrollierenden? überwachenden? – stößt das juristische System auf entschiedenen gesellschaftlichen Widerstand in Polen und auf finanzpolitischen Widerstand in Brüssel.
Der Dokumentarfilm von Kacper Lisowski versucht, den vorliegenden Sachverhalt aus gesellschaftlicher und emotionaler Perspektive zu rekonstruieren und die Richter, die ihren Beruf nicht ausüben können, sprechen zu lassen. Es wird sich auch Gedanken über ethische Werte und die Obsession der Kontrolle gemacht.
WESEלE ist einer der am stärksten dystopischen und kontroversen Filme des polnischen Kinos. Er zeigt ein beängstigendes Bild vom Zerfall einer Familie und von den Grenzen der Liebe, das Ende der Menschlichkeit und den globalen Wahnsinn in einer provinziellen Wirklichkeit.
Ryszard Wilk ist ein lokaler Geschäftsmann, ein reicher und korrupter Besitzer einer Schlachterei, für den es nichts gibt, was nicht zu beschaffen wäre. Als seine geliebte Tochter heiratet, muss die Hochzeit pompös sein und mit allem Pipapo. Aber an diesem Tag geht in seinem Leben alles schief. Ein Deal mit einem deutschen Geschäftspartner platzt, ein skrupelloser Erpresser will die unmenschlichen Arbeitsbedingungen in der Schlachterei öffentlich machen, und dann tauchen, kurz bevor Wilk die Kirche betreten will, auch noch zwei Vertreter der israelischen Botschaft mit der Nachricht auf, dass der betagte Senior der Familie einen Verdienstorden erhalten soll. Wilk steht Kopf, um eine Katastrophe zu verhindern. Doch an diesem Tag sind die Dämonen der Vergangenheit und des Alltags nicht unter Kontrolle zu bekommen.
Dieser Film fährt die gesamte Palette auf, die das Leben eines provinziellen tyrannischen Statthalters beinhaltet, und imponiert mit der Fülle an gesellschaftlich-historischen Motiven. Regisseur Wojciech Smarzowski erzählt bravourös und atemlos einen Tag des polnischen Universums, ohne Grenzfragen wie den Nationalstolz und die unbefleckte Empfängnis zu fürchten.
Zweifellos hat sich der neue polnische Feminismus, der durch die Verschärfung des Abtreibungsrechts entstanden ist, nicht nur in Straßenprotesten der Frauen niedergeschlagen, sondern auch in den Werken von Studentinnen der Filmhochschule Łódź. Die Entdeckung der Weiblichkeit aus einer nichtanatomischen Perspektive, aber als Auseinandersetzung mit der Gesellschaft, als Erfahrung von Schönheit und Schmerz und als unabhängiges Streben nach Selbstverständnis – das sind nur einige Motive dieser kurzen Geschichten, die sich die Frage Wer bin ich? stellen.
Unterschiedliche Stile, verschiedene Erzähltemperaturen, eine Reise durch Farben und Licht, durch Sinnlichkeit und Einfachheit, Verwunderung und Rührung, Wut und Nachsinnen – für den Zuschauer ist das ein echtes filmisches Festmahl und eine Begegnung mit einer Welt der Frauen, die voller Zweifel ist.
Neulich beim Aqua-Fitness gab es zur Unterstützung des Takthaltens eine besonders scheußliche Disko-Techno-Version, gestern auf der Strandpromenade an der Ostsee eine verhaltene mit Solo-Trompete: HALLELUJA ist überall. Kaum eine Hochzeit, Beerdigung, Casting-Show, Straßenmusikerin kommt mehr ohne eine – textlich gerne entschärfte – Version aus, und Musikerinnen, die was auf sich halten, reichern ihre Auftritte damit an, ebenso myriaden TV-Sendungen, Serien, Shows und Filme. Was ist mit diesem Song, der offensichtlich die meisten Menschen rund um den Globus zu rühren vermag? Der Film erzählt die Geschichte des Liedes, das Leonard Cohen beim Schreiben über Jahre auf metaphysischer Suche Strophe auf Strophe, die genaue Anzahl bleibt im Dunkeln, verlängerte. Die Annäherung an den Poeten und Sänger über ein einziges Lied, vielleicht sein, so legt der Film nahe, wichtigstes, ist hier sehr schlüssig, aber nicht das einzig Interessante. Von Menschen, die dem Musiker nahe standen und mit der Entstehung oder dem Song allgemein zu tun hatten, hören wir von der unglaublichen Veröffentlichungsgeschichte, wie der Song trotzdem in die Welt kam und von wem. Dazu gibt es einige kluge Kommentare und Überlegungen zum Musikgeschäft allgemein und darüber hinaus. Meine Lieblings-Interpretation von HALLELUJA ist übrigens nach wie vor die von John Cale von 1991, trotz einiger hübscher unter den Aufnahmen, die im Netz zu finden sind. „Kann man das Genie eines so vielseitigen Dichters, über dessen Leben es knapp 20 Filme gibt, auf einen Song konzentrieren? Die erstaunliche Antwort gibt dieser Film, der es schafft, die wichtigsten biografischen Wendepunkte zu erwähnen und doch im Kern nur die Geschichte von »Hallelujah« zu erzählen. Dabei ist es erstaunlich, …, wie wechselvoll Cohens Beziehung zu seinem eigenen Lied war und wie er sich am Ende damit rettete.“ epd-film
Hallelujah: Leonard Cohen, a Journey, a Song
Credits:
USA 2021 116 MIn., engl. OmU Regie & Buch: Daniel Geller, Dayna Goldfine Kamera: Dan Geller Schnitt: Dayna Goldfine, Bill Weber, Dan Geller
Drei Freundinnen machen zusammen Quatsch, haben eine Idee, verkleiden sich und zücken die Handykamera. Zu „Losing My Religion“ performen Yesmin (Melina Benli), Bella (Law Wallner) und Nati (Maya Wopienka) im Hijab. Nur eine von ihnen, die Kurdin Yesmin, trägt im echten Leben Kopftuch, und sie gibt die Regieanweisungen. Aber als Bella das Video ins Internet stellt, ohne Yesmin zu fragen, wird aus dem Akt der Freiheit und Selbstverwirklichung zusehends eine Last. Yesmin fühlt sich entfremdet – vom Glauben, der Familie und vor allem von Bella und Nati, die nicht fähig oder willens sind, sich selbst zu reflektieren. Das preisgekrönte Langspielfilmdebüt SONNE der kurdisch-österreichischen Regisseurin Kurdwin Ayub, die aus dem Irak stammt, erregte dieses Jahr viel Aufmerksamkeit und wird als „Zäsur im österreichischen Film“ (Diagonale) gehandelt. SONNE ist ein brandaktueller, selbstbewusster Film mit einer starken Handschrift. Der Instagram-Stil, also die Bildsprache von Yesmin und ihren Altersgenoss*innen, die sich mit der des Films untrennbar vermischt, wirkt realistisch und verfremdend zugleich. Mit viel improvisatorischem Wagemut zeigen die Schauspielerinnen, wie dumm und eklig, wie mutig und klug Teenagermädchen sein können. Auch gemessen am Seidl-Oeuvre (Seidls Produktionsfirma hat den Film produtziert) ist SONNE ein Film, der kompromisslos erzählt und trotzdem herzlich ist, der Stellung bezieht, aber nicht nur Leere hinterlässt. Text: Eva Szulkowski | Indiekino.de „Kurdwin Ayubs SONNE ist der beispiellose Film seiner Generation, drängend relevant in Form und Inhalt, die ironische Dekonstruktion jedweder Authentizität.“ Diagonale
Credits:
AT 2021, 88 Min., Regie & Buch: Kurdwin Ayub Kamera: Enzo Brandner Schnitt: Roland Stöttinger mit Melina Benli, Law Wallner, Maya Wopienka
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