Ein Film von Arun Bhattarai & Dorottya Zurbó. Ab 3.7. im fsk. 

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Kann man Glück mes­sen? Bhutan hat das Bruttonationalglück erfun­den, um genau das zu tun. Amber ist einer der Agenten, die alle fünf Jahre von Haus zu Haus zie­hen und erfas­sen, wie glück­lich ihre Landsleute sind. Mit sei­nen 40 Jahren lebt er noch bei sei­ner Mutter, ist aber ein hoff­nungs­lo­ser Romantiker, der von der gros­sen Liebe träumt. Das Regie-Duo Dorottya Zurbó und Arun Bhattarai über­rascht in die­sem Dokumentarfilm mit inspi­rie­ren­den Begegnungen vol­ler Humor und Tiefgang und stellt die uni­ver­sel­le Frage nach dem Glück.

Im Himalaya-Königreich wird das Bruttonationalglück sta­tis­tisch erho­ben. Im Gegensatz zum rein öko­no­mi­schen Bruttosozialprodukt berück­sich­tigt es auch das psy­chi­sche, sozia­le, öko­lo­gi­sche und spi­ri­tu­el­le Wohl der Bevölkerung und fliesst in die Regierungsplanung ein. Arun Bhattarai und Dorottya Zurbo rei­sen in ihrem zwei­ten gemein­sa­men Dokumentarfilm mit den bei­den Glücksagenten Amber und Guna durchs Land, um her­aus­zu­fin­den, wie der ein­zig­ar­ti­ge Index funk­tio­niert und ob Glück über­haupt mess­bar ist. Die Befrager kom­men ins Gespräch und neh­men sich Zeit: «Waren Sie in letz­ter Zeit manch­mal wütend? Wie vie­le Kühe haben Sie? Wie glück­lich sind Sie auf einer Skala von eins bis zehn?»

Wir tref­fen auf Menschen von ent­waff­nen­der Ehrlichkeit und Bescheidenheit. Ihr Humor ist anste­ckend und zeigt: Innehalten tut gut. Erst recht, weil auch im Land des Glücks Risse sicht­bar wer­den. Amber selbst fragt sich, ob er als Angehöriger einer Minderheit bald die Staatsbürgerschaft erhält – und die gros­se Liebe fin­det. Seine Dates sind schon mal viel­ver­spre­chend und so ele­gant und stim­mig in die Dokumentation ein­ge­webt, dass man sich zuwei­len in einem Spielfilm mit Drehbuch wähnt. Mit schwe­ben­der Leichtigkeit lädt uns der Film ein, neben­bei über unse­re eige­ne Zufriedenheit nachzudenken.

Credits:

BT 2024, 94 Min., Dzongkha OmU
Regie: Arun Bhattarai, Dorottya Zurbó
Kamera: Arun Bhattarai,
Schnitt: Péter Sass

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Ein Film von Willy Hans. Ab 10.7. im fsk. 

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Willy Hans‘ DER FLECK ist ein fas­zi­nie­ren­der, ori­gi­nel­ler und erstaun­lich selbst­be­wuss­ter Debütfilm, der sich traut, fast ohne Handlung aus­zu­kom­men und mit traum­wand­le­ri­scher Sicherheit die ver­schie­de­nen Schattierungen eines Sommertages ein­fängt: trä­ge, ver­spielt, ver­sun­ken, gelang­weilt, ver­liebt, genervt und amü­siert, und ein­mal weht auch so etwas wie eine düs­te­re Vorahnung durch den Film. Wovor? Das muss jede und jeder selbst ent­schei­den.
Simon macht blau. Ein kur­zer Blick in die Schulturnhalle, wo die Mitschüler*innen mit quiet­schen­den Schuhen von links nach rechts sprin­ten, und der schlak­si­ge Teenager dreht sich auf dem Absatz um und schlen­dert in den Tag. Unterwegs trifft er einen Freund, der zum Fluss will, und fährt mit. Am Fluss sit­zen sie dann – die, die gera­de noch zur Schule gehen, und wel­che, die schon raus sind. Einer erzählt eine Geschichte, die lang­wei­lig beginnt und im Nichts endet. Die Sonne blin­zelt durch die Blätter. Einige spie­len Ball. Einige baden. Einer holt Sandwiches von der Tankstelle, aber für Simon ist kei­nes dabei. Er geht dann spä­ter mit einem Mädchen zur Tanke und kauft Pommes. Dann gehen sie wie­der zurück.
Willy Hans erzählt in DER FLECK von der Banalität die­ses Tages, an dem die Zeit still zu ste­hen scheint, und zugleich von des­sen Erhabenheit. Die fan­tas­ti­sche Kamera von Paul Spengemann glei­tet durchs Grün und zeigt den Fluss als Idyll, als Dschungel und als Abhängeort. Müll im Gras erin­nert an ande­re Tage, ande­re Jugendliche. Das jun­ge, noch unbe­kann­te Ensemble spielt mit tro­cke­nem Understatement, und immer wie­der stel­len sich auch Momente absur­der Komik ein, denn das osten­ta­ti­ve, son­nen­ge­dimm­te Desinteresse der Jugendlichen ist eben­so lus­tig wie kost­bar. Toni Ohms | indiekino

Credits:

DE/CH 2024, 94 Min., dt. OmeU
Regie & Schnitt: Willy Hans
Kamera: Paul Spengemann
mit: Leo Konrad Kuhn, Alva Schäfer, Shadi Eck, Felix Maria Zeppenfeld, Darja Mahotkin, Marlene Becker u. a. 

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Ein Film von Nicolas Humbert und Werner Prenzel. Am 24.6. mit anschlie­ßen­dem Filmgespräch mit Nicolas Humbert.

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Ein Film vol­ler Musik von Fred Frith, sowohl solo, als auch gemein­sam mit ande­ren Musikern. „Was ist ein Musiker ande­res, als ein Organisator von Sounds?“ fragt Frith. Die Regisseure haben das beher­zigt und sich als Organisatoren von Bildern betä­tigt, die ver­dammt gut zu sei­ner Musik pas­sen: Also los : Step across the Border!

„Fred Frith, John Zorn, Arto Lindsay, Ciro Battista, Iva Bitová, Bob Ostertag, Joey Baron, Jonas Mekas, Robert Frank – ver­eint in einer Zelluloid-Improvisation über Rhythmus, Bilderlust und Lebensfreude. Konzertmitschnitte, Interviews in her­un­ter­ge­kom­me­nen Hotelzimmern und Kamerafahrten durch Metropolen wie New York und Tokio ver­mi­schen sich zu einer mit­rei­ßen­den Klangreise. Musik und Bild sind eigen­stän­dig, kei­nes unter­wirft sich dem ande­ren und doch erge­ben sich Überschneidungen, die mal komisch, mal absurd, mal ein­fach schön sind – wie die Maisfelder im Wind, die einen magi­schen Augenblick lang im Rhythmus von Friths Improvisationen schwin­gen. Step Across The Border ist ein schwarz-wei­ßes Augenzwinkern über den Zusammenhang zwi­schen Schnellbahnen, Stürmen und elek­tri­schen Gitarren und ein meis­ter­haf­ter Diskurs über den Geist des Musik- und des Filme-Machens.” (DOK.fest München 2024)

Credits:

CH/DE 1989, 90 Min., engl. OmU,
Regie: Nicolas Humbert, Werner Prenzel
Kamera: Oscar Salgado
mit den Musiker*innen: Fred Frith, Iva Bittova, Tom Cora, Pavel Fajt, Eitetsu Hayashi, Zeena Parkins, Tim Hodgekison, Arto Lindsey, Bob Ostertag, John Zorn u.v.a.

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Ein Film von Kevin Macdonald. Ab 26.6. im fsk.
Cineville Preview (auch für nicht-Cinevilles) am 25.6.

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1971 bezie­hen John Lennon und Yoko Ono ihr Apartment in Greenwich Village. Zu einer Zeit, in der die USA von Nixon, Vietnamkrieg und der Protestbewegung geprägt sind, suchen die bei­den einen Weg, sich aktiv­tis­tisch zu enga­gie­ren. Sie orga­ni­sie­ren ein Benefizkonzert mit dem Titel «One to One».
Der Film bie­tet einen umfas­sen­den und auf­schluss­rei­chen Einblick in die 18 Monate, die John Lennon und Yoko Ono Anfang der 1970er Jahre in Greenwich Village ver­brach­ten. Ein Kinoerlebnis und ein­zig­ar­ti­ges Zeitdokument, das mit bis­her unver­öf­fent­lich­ten,  restau­rier­ten Aufnahmen und von Sohn Sean Ono Lennon neu abge­misch­tem Ton Lennons ein­zi­ges abend­fül­len­des Konzert nach der Beatles-Ära aufgreift.

Credits:

UK 2024, 100 Min., engl. OmU
Regie: Kevin Macdonald
Kamera: David Katznelson
Schnitt: Sam Rice-Edwards 

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Ein Film von Rachel Ramsay und James Erskine. Ab 26.6. im fsk.

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August 1971: Mexico City ist Austragungsort für ein rie­si­ges Fußballspektakel, bei dem Teams aus England, Argentinien, Mexiko, Frankreich, Dänemark und Italien auf­ein­an­der­tref­fen. Über 100.000 Fans ver­wan­deln das his­to­ri­sche Azteca-Stadion Spiel für Spiel in einen Ort der Begeisterung, das Fernsehen berich­tet durch­ge­hend. Die Atmosphäre erin­nert an die größ­ten Momente der inter­na­tio­na­len Fußballgeschichte. Aber die­ses Turnier ist anders als alles, was es vor­her gab, denn auf dem Platz sind aus­schließ­lich Frauen. Es han­delt sich um die Copa ’71, die ers­te inof­fi­zi­el­le Frauenfußball-WM. Von der FIFA und den natio­na­len Fußballverbänden abge­lehnt, wur­de die­ses his­to­ri­sche Ereignis aus den Annalen des Fußballs ver­drängt. Doch nun erin­nert ein Dokumentarfilm an die­ses Turnier, das über zehn Jahre vor der ers­ten offi­zi­el­len Frauenfußball-Weltmeisterschaft statt­fand, und rückt die Spielerinnen der dama­li­gen Zeit, die cha­ris­ma­ti­schen Pionierinnen ihrer Sportart, end­lich ins Rampenlicht.

„Vom Anfang an war uns klar, dass wir einen Film machen woll­ten, der nicht nur die
his­to­ri­sche Ungleichheit her­vor­hebt, son­dern auch die invol­vier­ten Frauen wirk­lich
fei­ert und ihnen die Möglichkeit gibt, gehört und aner­kannt zu wer­den. Wir woll­ten,
dass die Zuschauer:innen in die Welt von Copa ´71 ein­tau­chen. Wir woll­ten einen
Raum zum Lachen, zum Weinen und zum Schreien kre­ieren. Wir woll­ten auch eine
wirk­lich glo­ba­le Geschichte erzäh­len, eine, die die­se ein­zig­ar­ti­ge kol­lek­ti­ve Erfahrung spie­gelt.” Regiestatement

Credits:

GB 2023, 91 Min., Englisch/Spanisch/Italienisch/Französisch mit deut­schen Untertiteln, Regie: Rachel Ramsay und James Erskine
Schnitt: Arturo Calvete und Mark Roberts
Kamera: Angela Neil

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Ein Film von Abderrahmane Sissako. Ab 19.6. im fsk.

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Aya, eine jun­ge ivo­ri­sche Frau, sagt an ihrem Hochzeitstag zum Erstaunen und Entsetzen aller „Nein“. Sie lässt die Elfenbeinküste hin­ter sich und beginnt ein neu­es Leben in Guangzhou, China. In die­sem pul­sie­ren­den Viertel, „Chocolate City“ genannt, zählt die afri­ka­ni­sche Diaspora offi­zi­ell 20000 Menschen, geschätzt wird aber ein viel­fa­ches. Hier trifft die afri­ka­ni­sche auf die chi­ne­si­sche Kultur, hier fin­det Aya Arbeit in einem tra­di­tio­nel­len Tee-Laden. Der chi­ne­si­sche Besitzer Cai weist sie in die Kunst der Teezeremonie ein und lang­sam ent­wi­ckelt sich eine zärt­li­che Liebe zwi­schen den bei­den, eine behut­sa­me und sinn­li­che Annäherung, gelei­tet von Interesse, Neugier und Offenheit.
Abderrahmane Sissako (Regisseur u.a. von Bamako und Timbuktu – Black Tea ist sein sechs­ter Film im fsk-Kino) wirft einen höchst fas­zi­nie­ren­den Blick auf die Verflechtung der Kulturen in unse­rer heu­ti­gen glo­ba­li­sier­ten Welt. Recherchiert haben Sissako und sei­ne Drehbuchautorin Kessen Tall in Guangzhou, gedreht aber wur­de in Taiwan.
„China und Afrika unter­hal­ten viel­fa­che Beziehungen, da liegt es doch nahe, dass Menschen sich auch pri­vat näher­kom­men. Allerdings sind die Beziehungen nicht immer kon­flikt­frei: Rassismus ist in China stark ver­brei­tet, bei den Wirtschaftsbeziehungen geht es um Weltmachtpolitik und nicht um Völkerfreundschaft.
Abderrahmane Sissako weiß das alles, aber ihm geht es um eine posi­ti­ve Utopie: Black Tea hat etwas von der Traumatmosphäre des gro­ßen Studiokinos. Die Kultur des Tees, die auf jahr­hun­der­te­al­tem Wissen und auf Plantagen in wun­der­schö­nen Landschaften beruht, ist so etwas wie eine moder­ne Religion, auf die sich ein Mann aus China und eine Frau aus der Elfenbeinküste eini­gen kön­nen. Je mehr Aya und Cai ein­an­der näher­kom­men, des­to deut­li­cher wird auch eine lan­ge Geschichte der Beziehungen zwi­schen China und Afrika erkenn­bar. Politik ist all­ge­gen­wär­tig in Black Tea, aber sie bleibt im Hintergrund. Im Vordergrund sehen wir eine fast schon zere­mo­ni­el­le, äußerst sub­til insze­nier­te Romanze mit Hindernissen, die zum Schönsten gehört, das man zuletzt im Kino sehen konn­te.“
Bert Rebhandl | Tip-Magazin

Credits:

FR/MR/LU/TW/CI 2024, 111 Min., Mandarin, Französisch, Englisch, Portugiesisch OmU
Regie: Abderrahmane Sissako
Kamera: Aymerick Pilarski
Schnitt: Nadia Ben Rachid
mit Nina Mélo, Chang Han, Wu Ke-Xi, Michael Chang

Trailer:

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