Ein Film von Julia von Heinz.

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Julia von Heinz war „unse­re Frau in Venedig“, denn Und mor­gen die gan­ze Welt lief dort im Wettbewerb 2020, und Festival-Chef Barbera sieht hier eine neue Generation am Werk, die den poli­ti­schen Impuls des Neuen deut­schen Films aus den Sechzigerjahren weiterträgt.
Die Regisseurin hat Erfahrungen aus ihrem eige­nen poli­ti­schen Leben hoch­ge­rech­net und an die Gegenwart ange­passt. Sie lässt ihre Protagonistin Luisa, Jurastudentin im ers­ten Semester, in ein lin­kes Hausprojekt ein­zie­hen und schickt sie auf eine Reise, auf der sie für sich vie­le Fragen beant­wor­ten muss. Wie weit geht das poli­ti­sche Engagement? Ist es ernst gemeint oder nur eine Phase? Wie radi­kal darf oder muss Widerstand sein? Was sieht die Rechtslage zum Thema aus? Dürfen ande­re in Mitleidenschaft gezo­gen wer­den? Wie ehr­lich mit dem kon­ser­va­ti­ven Elternhaus umge­hen? Zu wem füh­le ich mich mehr hin­ge­zo­gen, zum Agitator Alfa oder zum nach­denk­li­chen Lenor? In ers­ter Linie geht der Kampf im Film gegen neue und alte Nazis, auch gegen die, die sich als besorg­te Bürger tar­nen, und deren Tun hier wohl­tu­en­der­wei­se ein­mal auch nicht nur ansatz­wei­se rela­ti­viert wird.

Deutschlandradio: Das Spannende ist, dass wir mit Luisa in den Film rein­ge­wor­fen wer­den. Sie möch­te in die­sem besetz­ten Haus woh­nen und zur Antifa gehen. Wir ler­nen eine poli­ti­sier­te Person ken­nen. Was hat sie politisiert?
Julia von Heinz: Ich wür­de die Frage gern an jeden zurück­ge­ben, der mir die­se Frage stellt: Was ist die Motivation, sich nicht gegen Nazis zu enga­gie­ren? Ich woll­te lie­ber von jedem die Motivation hören, anstatt zu fra­gen, war­um machst du etwas.

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Credits:

DE 2020 ‚111 Min., dt OmeU
Regie & Buch: Julia von Heinz
Kamera: Daniela Knapp
Schnitt: Georg Söring
mit: Mala Emde, Tonio Schneider, Luisa-Céline Gaffron, Andreas Lust

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Trailer:

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Ein Film von Johannes M. Schmit.

[Credits] [Termine] [Trailer]

Sommer in der Brandenburger Provinz. Markus ist hin- und her­ge­ris­sen zwi­schen der Liebe zu sei­nen pfle­ge­be­dürf­ti­gen Omas und der Sehnsucht nach einem ande­ren Leben in Berlin, wo er sich eine Befreiung aus sei­ner Einsamkeit erhofft. Als er sich in Duc ver­liebt, wird alles noch kom­pli­zier­ter. Denn eigent­lich ste­hen in Markus’ Neubauwohnung schon die gepack­ten Kisten für den Umzug in die gro­ße Stadt.
Dem Film gelingt die Kunst die Geschichte sei­nes Protagonisten in gro­ßer Gelassenheit und Selbstverständlichkeit zu erzäh­len, nicht als Repräsentant einer Gruppe ein­zu­en­gen, son­dern ihn ganz bei sich, in sei­nem all­täg­li­chen Leben auf dem Land, mit sei­nen Sehnsüchten und indi­vi­du­el­lem Leben zu zeigen.

Aus der Begründung der Jury für den bes­ten Spielfilm beim Max Ophüls Preis 2020:
„Es gibt Filme, die sind lei­se, aber sie wir­ken lan­ge nach. Die wei­ten den Blick, ein­fach, indem sie ein­la­den genau hin­zu­schau­en. Sie kom­men ohne Budenzauber aus, weil sie den Gegenstand ihrer Betrachtung ernst neh­men, ihm Würde ver­lei­hen. Solche Filme haben die Kraft Empathie zu erzeu­gen… Die durch­weg wun­der­bar besetz­ten und insze­nier­ten Nebenfiguren dür­fen atmen – in Szenen, die das Geschehen auf der Leinwand nicht für eine Dramaturgie funk­tio­na­li­sie­ren, son­dern Bedeutungsüberschuss zulas­sen. Existenzielles, Banales und Pragmatisches ver­sam­melt sich beim Holunderblütenzupfen. Das ist sie, die neue Selbstverständlichkeit. Mehr davon!“

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Credits:

DE 2020, 81 Min., dt. OmeU
Regie: Johannes M. Schmit
Kamera: Smina Bluth
Schnitt: Antonella Sarubbi
mit Tucké Royale, Monika Zimmering, Jalda Rebling, Minh Duc Pham u.a.

Termine:

• noch keine 

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Trailer:

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Als neu­ens Programmhighlight zeigt das 10. Kurdische Filmfestival Berlin (08.–14. Oktober) in die­ser Reihe expe­ri­men­tel­le Kurzfilme aus kur­di­schen Herkunfsländern und der Diaspora. Die Auswahl bie­tet beson­de­re cine­ma­ti­sche Eindrücke zwi­schen Film und zeit­ge­nös­si­scher Kunst. Kritische, krea­ti­ve und viel­schich­ti­ge Reflexionen aus kur­di­scher Perspektive.
Darunter zu sehen ist z.B. PARADISE von den Hamburger Künstler*innen Leyla Yenirce und Mazlum Nergiz – die Filmversion der gleich­na­mi­gen Kunstinstallation, die sich mit der emo­tio­na­len Sprache der Bilder um kur­di­sche Märtyrerinnen und Freiheitskämpferinnen aus­ein­an­der­setzt. Der expe­ri­men­tel­le Kurzfilm BARIKAT zeigt eine Performance des Künstlers Mirkan Deniz, inspi­riert durch das täg­li­che Schicksal von Kurd*innen, die in ver­schie­de­nen Regionen der Türkei unter Ausgangssperre leben.

Das wei­te­re Programm des Festivals: https://kurdishfilmfestivalberlin.kinow.tv/de/

[Tickets]

Kurzfilmprogramm am 11.10. um 20:00:

The Day I Saved The Kurds von Şener Özmen
No! 1506600XXXX von Leyla Toprak (mit Q&A)
Paradise von Leyla Yenirce, Mazlum Nergiz (mit Q&A)
Barikat von Mirkan Deniz (mit Q&A)
Munzur von Rojda Tuğrul
Küpeli von Metin Akdemir- Çetin Baskın
Our bright future von Ezgi Kılınçarslan (mit Q&A)

…with English subtitles

Ein Film von Xavier Dolan.

[Credits] [Ticktes & Termine] [Trailer]

Die Titelhelden sind seit ewig befreun­det. Matt eta­bliert sich lang­sam in einer Anwaltskanzlei und Max jobbt noch und plant, um sei­nem Leben einen neu­en Start zu geben, für län­ge­re Zeit nach Australien zu gehen. Weg von der Mutter, der Freundin und eben auch dem bes­ten Freund. Nun han­geln sie sich von einer Abschiedsparty zur nächs­ten, vie­le Freunde, alle reden durch­ein­an­der, viel Klamauk und über allem steht die Frage, ob es nicht doch gut Gründe gäbe, zu bleiben.

„Matthias & Maxime ist ein ech­ter Dolan. Die Leinwand bro­delt und leuch­tet, ob die Kamera einer Mittellinie auf einer kana­di­schen Waldstrasse ent­lang­rast, oder ob sie plötz­lich auf­fliegt und die bun­test mög­li­chen Herbstbilder prä­sen­tiert, stets ist die kine­ti­sche Energie hoch­ge­dreht.“ Sennhausers Filmblog CA 2019, 119 Min., frz. OmU, Regie, Buch & Schnitt: Xavier Dolan, Kamera: André Turpin, mit Gabriel D’Almeida Freitas, Xavier Dolan, Pier-Luc Funk, Samuel Gauthier, Antoine Pilon, Adib Alkhalidey

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Credits:

CA 2019, 119 Min., frz. OmU,
Regie, Buch & Schnitt: Xavier Dolan
Kamera: André Turpin
mit Gabriel D’Almeida Freitas, Xavier Dolan, Pier-Luc Funk, Samuel Gauthier, Antoine Pilon, Adib Alkhalidey

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Trailer:

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Ein Film von Mohammad Rasoulof.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Heshmat ist ein vor­bild­li­cher Ehemann und Vater, jeden Morgen bricht er sehr früh zur Arbeit auf. Wohin fährt er? Pouya kann sich nicht vor­stel­len, einen ande­ren Menschen zu töten, trotz­dem bekommt er den Befehl. Kann es einen Ausweg für ihn geben? Javad besucht sei­ne Freundin Nana um ihr einen Heiratsantrag zu machen. Doch die­ser Tag hält für bei­de noch eine ande­re Überraschung bereit. Bahram ist Arzt, darf aber nicht prak­ti­zie­ren. Als ihn sei­ne Nichte Darya aus Deutschland besucht, beschließt er, ihr den Grund für sein Außenseiterdasein zu offen­ba­ren. Doch das Böse gibt es nicht erzählt vier Geschichten über Menschen, deren Leben vor exis­ten­zi­el­len Herausforderungen ste­hen. Sie wer­fen die Fragen auf, wie inte­ger ein Mensch in einem abso­lu­ten Regime blei­ben, wel­che mora­li­sche Schuld er ertra­gen kann, ohne zu zer­bre­chen, und zu wel­chem Preis es gelingt, die indi­vi­du­el­le Freiheit zu bewahren.
»Es geht somit nicht nur um Schuld und Moral oder Freiheit und Bedrohung, son­dern auch um den Kreislauf des Lebens, bei dem die ers­te Szene des Films mit der letz­ten zusam­men­hängt. Dass Rasoulof bei aller Kritik an der poli­ti­schen Führung sein Land liebt, wird am inter­es­sier­ten Miteinander der Menschen deut­lich, am leben­di­gen Trubel in Teheran, an der Schönheit der Landschaft, die der Regisseur immer wie­der in auf­re­gen­den Totalen ein­fängt. Auf die­se Weise ent­steht ein kraft­vol­les, fein­füh­lig insze­nier­tes und sub­til ver­knüpf­tes Meisterwerk …« Michael Ranze | Filmdienst

… das auf der 70. Berlinale mit dem Goldenen Bären aus­ge­zeich­net wur­de. Rasoulof konn­te die Auszeichnung nicht selbst ent­ge­gen­neh­men (sei­ne Tochter tat es für ihn), da er seit 2017 den Iran nicht ver­las­sen darf und zudem zu einer Gefängnisstrafe ver­ur­teilt wur­de, die er aber bis­her noch nicht antre­ten musste.

Goldender Bär – Berlinale 2020

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Credits:

OT: Sheytan vojud nadarad, IR/DE/SZ 2020,
139 Min., far­si OmU,
Regie & Buch: Mohammad Rasoulof
Kamera: Ashkan Ashkani
Schnitt: Mohammadreza Muini, Meysam Muini
mit: Ehsan Mirhosseini, Shaghayegh, Kaveh Ahangar, Alirezy Zareparast, Salar Khamseh

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Trailer:

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Ein Film von Stéphanie Chuat & Véronique Reymond.

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Was haben Thurston Moore und Christian Petzold gemein­sam? Was hat Lars Eidinger in Deichkind Videos zu suchen? Zwei Fragen, die so unter­schied­lich sind wie Nina Hoss und Lars Eidinger als Zwillinge in Schwesterlein, dem Porträt einer tie­fen, inni­gen Beziehung unter extre­men Druck von außen. Denn Sven, Schauspieler an der Schaubühne (das bot sich wohl ganz selbst­ver­ständ­lich an) und Lisa, die frü­her fürs Theater schrieb und inzwi­schen ein ruhi­ges Familienleben in der Schweiz führt, wer­den durch Svens Krebserkrankung aus dem Alltag geris­sen. Weil ihr Bruder sein Leben gegen die Krankheit ver­tei­digt und des­halb auch wie­der auf der Bühne ste­hen will, reist sie zurück nach Berlin und trägt den unglei­chen Kampf mit. Der Dramatik des HAMLET, als der er wie­der besetzt wer­den möch­te, steht die Nüchternheit hin­ter der Bühne gegen­über. Sven wird ver­trös­tet, denn man will kei­nen Skandal auf der Bühne und die Geschwister rei­sen in die Schweiz um die Situation neu zu über­den­ken. Für Lisa wird der Versuch, ihrem Bruder zu hel­fen und ein Familienleben zu füh­ren, zum Parforceritt zwi­schen zwei Wirklichkeiten.
Die Schweizer Regisseurinnen Stéphanie Chuat und Véronique Reymond haben ein ein­drucks­vol­les Kleinod geschaf­fen und für Nina Hoss eine Rolle geschrie­ben, die ihre Intelligenz, Stärke und Eigensinnigkeit auf eine ganz unprä­ten­tiö­se Art und Weise schei­nen lässt.
Bruder und Schwester, Berlin und Schweiz, Leben und Theater, Gesundheit und Krankheit: Mit über­ra­gen­den Hauptdarsteller*innen ver­knüpft Schwesterlein die­se kom­ple­men­tä­ren Paare zu einer rei­fen, bewe­gen­den und viel­schich­ti­gen Filmerzählung. Im Mittelpunkt ste­hen der Sinn von Heilung und Opfer, die Lauterkeit einer erwach­se­nen Geschwisterbeziehung, von der sel­ten so erzählt wur­de wie in die­sem Film, und die künst­le­ri­sche Arbeit als Lebensanspruch. Ein Märchen mit zwei Erwachsenen als Hänsel und Gretel, dem Theater als Lebkuchenhaus und der Krankheit als böser Hexe. (Berlinale 2020, wo Schwesterlein im Wettbewerb lief)

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Credits:

CH 2020, 99 Min., dt.,frz,engl. OmU
Regie, Buch: Stéphanie Chuat, Véronique Reymond
Kamera: Filip Zumbrunn
Schnitt: Myriam Rachmuth
mit: Nina Hoss, Lars Eidinger, Marthe Keller, Jens Albinus, Thomas Ostermeier, Linne-Lu Lungershausen, Noah Tscharland, Isabelle Caillat, Moritz Gottwald, Urs Jucker

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Trailer:

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Ein Film von Yulia Lokshina.

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Dass im Fleischkonzern und Schlachthof von Clemens Tönnies in Rheda-Wiedenbrück schreck­li­che Zustände herr­schen, war weit vor der Corona Pandemie bekannt. Regeln am Band, bei hoher Geschwindigkeit ent­stand schon Monate frü­her und nimmt die­se kon­kre­ten Arbeitsbedingungen zum Anlass, all­ge­mein und grund­le­gend über das Wirtschaftssystem nach­zu­den­ken. Der Film von Yulia Lokshina setzt wun­der­ba­re Assoziationsketten frei, indem er einer­seits die ost­eu­ro­päi­schen Leiharbeiter:innen, deren unsäg­li­che Ausbeutung und ihre empa­thi­schen Unterstützer:innen in den Mittelpunkt sei­ner Beobachtung stellt und ande­rer­seits eine Schulklasse aus München beglei­tet, die das Theaterstück „Die hei­li­ge Johanna der Schlachthöfe“ von Brecht ein­übt. Beide Milieus wer­den durch fort­wäh­ren­de Parallelmontage in Beziehung gesetzt, ergän­zen sich und schlie­ßen sich kei­nes­wegs aus: Hier das hart­nä­cki­ge Bemühen, die Situation der Arbeiter:innen zu ver­bes­sern und dort der Versuch, Brechts Intentionen auf die Bühne zu brin­gen. Dabei wagt der Film, indi­vi­du­el­les Schicksal und Systemanalyse in Verbindung zu brin­gen: Der Schlachthof und des­sen Arbeitsbedingungen fun­gie­ren als Metapher für Prozesse, die sich der Einflussnahme des Einzelnen ent­zie­hen, obwohl sie alle Bereiche des Lebens durch­drin­gen. Einiges wird über ein System sicht­bar, das auf Wachstum und Profitmaximierung beruht und so jeg­li­cher vor­stell­ba­rer Art von Ausbeutung Tür und Tor öff­net, sich immer­fort selbst sta­bi­li­siert und als alter­na­tiv­los gilt.
Ein poli­ti­scher Film im bes­ten Sinn, der ganz wenig didak­tisch ist, aber umso mehr die Zuschauer:innen, wie auch die Beteiligten ernst­nimmt. Es ist auch ein Film, der Wut auf die Verhältnisse aus­löst, nicht durch Affekt hei­schen­de Zuspitzungen, son­dern durch eine zärt­li­che Subtilität. (M. Schmitz | indie­ki­no) Am

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Credits:

DE 2020, 92 Min., 
Buch & Regie: Yulia Lokshina 
Kamera: Zeno Legner, Lilli Pongratz
Schnitt: Urte Alfs, Yulia Lokshina

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Ein Film von Kantemir Balagov.

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Leningrad 1945, nach dem Ende des Krieges, dem Sieg der Sowjetunion und der ver­such­ten Auslöschung sei­ner Bewohner durch die deut­sche Wehrmacht. Die Überlebenden der 872 Tage dau­ern­den Belagerung haben wei­ter mit dem Überleben zu kämp­fen. Die hoch­ge­wach­se­ne Iya, die alle nur Dylda, Bohnenstange, nen­nen, ist eine von ihnen. Sie wur­de aus dem Kriegsdienst ent­las­sen, da bei ihr als Folge der trau­ma­ti­schen Erfahrungen Schockstarren auf­tra­ten, jetzt pflegt die im Militärkrankenhaus hin­ge­bungs­voll Verletzte und Kranke. Ihre Freundin, die extro­ver­tier­te Mascha, war eben­falls Frontsoldatin. Als sie end­lich heim­kehrt, ist ein gro­ßes Unglück schon gesche­hen, und Mascha besteht auf Wiedergutmachung. Eine Forderung, der Iya nur unter gro­ßen Widerständen nach­kom­men könnte.

„Kantemir Balagow hat in Bohnenstange nichts dem Zufall über­las­sen, nicht die Tongestaltung, die auf eine her­kömm­li­che Filmmusik als Gefühlsträger ver­zich­tet, nicht die Farbdramaturgie. Bohnenstange ist über wei­te Teile ein Nachtfilm, wobei die Interieurs oft in war­me brau­ne Töne getaucht sind. Am Ende umar­men sich Mascha und Iya, das grü­ne Kleid und der rote Pullover leuch­ten aus der Dunkelheit. Niemand weiß, ob die Heilung der Seelen gelin­gen wird. Der Krieg ist vor­bei. Der Frieden muss gewon­nen wer­den. Es bleibt eine Zuversicht.“ Ralf Schenk | Filmdienst

„Meine Heldinnen sind wie die Stadt, in der sie leben, von einem schreck­li­chen Krieg ver­stüm­melt. Sie leben in einer Stadt, die eine der schlimms­ten Belagerungen in der Geschichte der Kriegsführung erlebt hat. Dies ist eine Geschichte über sie und über Menschen, denen sie in Leningrad begeg­nen, die Hindernisse, die sie über­win­den müs­sen, und die Art und Weise, wie sie von der Gesellschaft behan­delt wer­den. Sie sind durch den Krieg psy­chisch ver­krüp­pelt und es wird eini­ge Zeit dau­ern, bis sie ler­nen, ihr nor­ma­les Leben zu füh­ren.“ Kantemir Balagow

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Credits:

Дылда  Dylda
RU 2019, 139 Min., russ. OmU
Regie: Kantemir Balagov
Kamera: Ksenia Sereda
Schnitt: Igor Litoninskiy
mit: Viktoria Miroshnichenko, Vasilisa Perelygina, Andrey Bykov, Igor Shirokov

Termine:

• noch keine 

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Ein Film von Therese Koppe.

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Damals wur­den die bei­den Frauen von der Stasi beäugt, jetzt lesen sie belus­tigt die Protokolle, die bezeu­gen, wie wenig die Protokollierenden davon ver­stan­den, was ihr Leben ausmachte.
Im Stillen laut por­trä­tiert die Künstlerinnen Erika Stürmer-Alex und Christine Müller-Stosch, und blickt mit ihnen zurück in die DDR-Vergangenheit und auf das gegen­wär­ti­ge Leben und Arbeiten in Lietzen, wo sie einen Hof in Ateliers ver­wan­delt haben. Und ganz neben­bei erzählt der Film von der Liebe, denn die bei­den sind schon seit 40 Jahren ein Paar.
„Mir war es wich­tig, einen Dokumentarfilm zu machen, der die Nuancen des Lebens in der DDR zeigt, und dadurch die Komplexität der Auseinandersetzung mit dem System ver­deut­licht. Nicht nur den lau­ten Protest, son­dern die Gestaltung eines Lebens in einem eige­nen, geschaf­fe­nen Raum wie dem Kunsthof Lietzen. Der Kunsthof kann dabei stell­ver­tre­tend für die vie­len künst­le­ri­schen Freiräume, die sich Leute in der DDR schu­fen, ste­hen.“ Therese Koppe

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Credits:

DE 2019, 74 Min., 
Buch & Regie: Therese Koppe
Kamera: Annegret Sachse
Schnitt: Evelyn Rack

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Trailer:

Ein Film von Ines Johnson-Spain.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

»In einem Land, in dem jede Abweichung von der Norm als exis­ten­zi­el­le Bedrohung ange­se­hen wur­de, muss die Geburt eines schwar­zen Kindes ein Politikum gewe­sen sein.« Ines Johnson-Spain

Anfang der 60er Jahre in der DDR: Sigrid aus Leipzig ver­liebt sich in Lucien, einen Studenten aus Togo, und wird schwan­ger. Doch sie ist bereits mit Armin ver­hei­ra­tet, mit dem sie einen Sohn hat. Ihre dun­kel-häu­ti­ge Tochter lässt das Ehepaar in dem Glauben, dass ihre Hautfarbe Zufall sei und kei­ne Bedeutung habe, bis sie als Teenager durch einen Zufall die Wahrheit ent­deckt. Jahrzehnte spä­ter, lan­ge nach­dem sie die Familie ihres leib­li­chen Vaters in Togo ken­nen­ge­lernt hat, rekon­stru­iert sie als Protagonistin und Autorin ihre Familiengeschichte in einem Film. In emo­tio­na­len und offen geführ­ten Gesprächen mit ihrem Stiefvater Armin wird die Atmosphäre des Schweigens und der Verdrängung ein­drück­lich spür­bar. Langsam wird klar, wie das sozia­le Umfeld gestrickt sein muss, um eine der­ma­ßen gra­vie­ren­de Verleugnung von Fakten mög­lich zu machen.Auch hier ist das Private poli­tisch. In Auseinandersetzung mit der eige­nen Identität geht Ines Johnson-Spain dem alles über­schat­ten­den Tabu ihrer Kindheit auf die Spur und legt zeit­gleich exem­pla­risch den struk­tu­rel­len Rassismus in der DDR offen. In Verbindung mit dem berüh­ren­den Treffen mit ihrer spät gefun­den togo­le­si­schen Familie wird der Film zu einer Reflexion über Identität, Familienkonzepte und sozia­le Normen. Von den 1960er Jahren in Ost-Berlin bis in die Gegenwart ent­fal­tet sich in die­sem inti­men, berüh­ren­den Selbstporträt eine klu­ge und bis­her un-geschrie­be­ne deut­sche Historie.

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Credits:

DE 2019, 91 Min.,
Buch & Regie: Ines Johnson-Spain
Kamera: Sebastian Winkels, Anne Misselwitz
Schnitt: Yana Höhnerbach

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Trailer: