Ein Film von Bernhard Sallman.
Für den dritten Teil seiner Trilogie (nach Rhinland und Oderland) wählt Bernhard Sallmann wieder zeitgenössische märkische Landschaftenund Töne als Echoraum für die sorgsam ausgewählten Texte des Autors. Sein Filmist anregende Herausforderung zur Auseinandersetzung mit Fontane und der Weltdamals und heute.
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DE 2018, 79 Min., Regie, Kamera, Schnitt: Bernhard Sallmann
Ein Film von Robert Guédiguian.
Es ist mehr als ein Motiv, es ist beinahe ein Genre des psychologisch-realistischen Kinos: Das Familienfest, bei dem alte Wunden und schöne Erinnerungen, die sprichwörtlichen Leichen im Keller und die verschütteten Emotionen zum Vorschein kommen. Zu dem Topoi dieses Genres gehören der Anlass, … die „Aufstellung“ der Beteiligten, … und nicht zuletzt der Ort, dem eine gewisse Magie innewohnt. Ein Haus am Meer zum Beispiel …
„Dass der Film ein großes humanistisches Statement für eine Heimat der Menschen ist, ein Appell für universelle Geschwisterlichkeit und eine Geste gegen die Barbarei der Politik, versteht sich bei diesem Team fast von selbst.“ (Strandgut/Georg Seeßlen)
FR 2017, 107 Min., frz. OmU, Regie: Robert Guédiguian, mit: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Jacques Boudet
Das Haus am Meer – Trailer from Jürgen Lütz on Vimeo.
Ein Film von Sebastian Winkels. Am 30.3. mit anschließendem Filmgespräch.
Sebastian Winkels (7 Brüder) neuer Dokumentarfilm beginnt mit einem Zitat von Karl Marx: „Geld ist keine Sache, sondern ein soziales Verhältnis.“ Was folgt, sind Beobachtungen von Beratungsgesprächen in Banken in acht verschiedenen Ländern: von Benin bis Pakistan, von Bolivien bis in die Schweiz. Während die einen Geld anlegen möchten, weil sie viel mehr verdienen, als sie zum Leben brauchen, benötigen die anderen einen Kredit – mal geht es um kleinere Beträge für die Renovierung der Wohnung, mal müssen existentielle Probleme gelöst werden. Ob ver- oder ausleihen – alle sollen beim Beratungsgespräch viel von sich Preis geben. Die Kamera beobachtet von der Beraterseite aus die Regeln des Spiels, bei dem geblufft, um Hilfe gebeten oder Macht ausgespielt wird.
„Die intimen Geldgespräche bei der Bank entwerfen ein Spektrum sozialer Bilder, die um Fragen von Teilhabe und Ausgeschlossensein, von Vertrauen und Kontrolle kreisen. Überraschend, mit welcher Selbstverständlichkeit die Regeln des Systems auf beiden Seiten akzeptiert werden. Als Kunden scheinen wir auf der ganzen Welt im gleichen Boot zu sitzen, niemand kann sich erlauben, außerhalb davon zu agieren. Ich bin allen Beteiligten sehr dankbar, dass sie den Mut und das Vertrauen hatten, uns zu unterstützen. Die Banken waren in dieser Hinsicht die weitaus schwierigeren Kandidaten: ganze acht haben uns, teils erst nach Jahren, eine Drehgenehmigung gegeben. Ich bin übrigens davon überzeugt, dass es einfacher ist, eine Bank auszurauben, als in ihr zu drehen.“ Sebastian Winkels
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Credits:
CH/DE 2017, 83 Min.,
Buch/Regie/Kamera: Sebastian Winkels
Schnitt: Frederik Bösing
Ein Film von Jonah Hill.
[indiekino Club] [Credits] [Termine] [Trailer]
Stevie ist 13, wirkt aber noch wesentlich jünger. In L.A. ist es wie immer Sommer, und Stevie will zu den Großen dazugehören. Zu Hause tyrannisiert ihn sein älterer Bruder, seine alleinerziehende Mutter ist selten da. Als Stevie im örtlichen Skateboard-Laden eine Gruppe cooler Typen kennenlernt, ändert sich alles: Das Ninja-Turtles-Poster wird durch ein Pin-up-Girl ersetzt, nachts wird vor dem Haus Skaten trainiert, und bald raucht Stevie seine erste Zigarette.
Schauspieler Jonah Hill (The Wolf of Wall Street) lässt in seinem Regiedebüt mit viel Liebe zum Detail die 1990er-Jahre wieder auferstehen. Mit großer Leichtigkeit und viel Musik erzählt er von der schwierigen Suche eines Teenagers nach Anerkennung und nach den richtigen Freunden. Zwischen Mixtapes, VHS-Camcordern, Nintendo Playstation und mit einer gehörigen Portion Nostalgie entführt uns Hill in seinem auf 16mm gedrehten Film in die Welt eines Jungen, der seine Grenzen austestet und droht, zu schnell erwachsen zu werden. Zusätzlich zur Filmmusik von Trent Reznor (Nine Inch Nails) und Atticus Ross singen Nirvana, The Mamas & the Papas, Cypress Hill, Souls of Mischief und Seal.
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US 2018, 85 Min., engl. OmU
Regie, Buch: Jonah Hill
Kamera: Christopher Blauvelt
Montage: Nick Houy
mit: Sunny Suljic, Katherine Waterston, Lucas Hedges, Na-Kel Smith, Olan Prenatt
Ein Film von Muayad Alayan.
Sarah führt ein kleines Cafe in Jerusalem, Saleem ist Lieferant. Obwohl jeweils verheiratet, beginnen sie eine leidenschaftliche Affäre miteinander. Was normalerweise eine private, nur moralisch zu behandelnde Sache wäre, entwickelt sich in diesem Fall zu einer hochpolitischen, denn Saleem ist Palästinenser, Sarah jüdische Israelin. Als sie ausnahmsweise zusammen in Bethlehem eine Bar besuchen, wird ein aufdringlicher Gast misstrauisch und ahnt, dass Sarah Jüdin ist. Das hat Folgen für Saleem, der sich beim polizeilichen Verhör nur mit einer Notlüge herauswinden kann, die wiederum Sarah in den Fokus des israelischen Geheimdienstes stellt. Für ihren Mann David, einem Armee-Offizier, kann dies äußerst unangenehm werden, und auch Saleems schwangere Frau Bisan erfährt von der Affäre. Ihr Mann sitzt da schon in israelischer Haft und wird von palästinensischer Seite als Held gefeiert. Als die Situation für alle immer auswegloser wird, versuchen die beiden Frauen eine Annäherung, um zu retten, was zu retten ist.
„Regisseur Muayad Alayan inszeniert die Teilung Jerusalems und das politische Minenfeld des Nahostkonflikts … nicht mit Hilfe symbolischer Überformungen, mit denen Konflikte, Teilung und Segregation oft dargestellt werden. „Der Fall Sarah & Saleem“ dekonstruiert nicht vordergründig den Machtapparat und das dazugehörige Weltbild, das die eigene Sicherheit nur mit militärischer und nachrichtendienstlicher Übermacht zu gewährleisten behauptet. Es sind vielmehr die persönlichen Probleme und existenziellen Ängste der Menschen, anhand derer Alayan die Tragik der Situation zuspitzt: Sarah muss ihre Bedürfnisse hinter der Sicherheit Israels zurückstellen, die ihr Mann als ranghoher Offizier mit zu verantworten hat. Saleem wiederum schafft es nicht, sich die finanzielle Unabhängigkeit von der Familie seiner Frau zu erarbeiten. Ihre Affäre ist eine Flucht vor den familiären und politischen Strukturen, die ihr Leben bestimmen; der Ehebruch ein persönlicher Verrat, den die Staatsbehörden als Landesverrat deklarieren.“
Karsten Mund | Filmdienst
PS/NL/DE/MX 2018, 127 min., Farbe, Arab./Hebr./Engl. OmU
Regie: Muayad Alayan
Kamera: Sebastian Bock
Schnitt: Sameer Qumsiyeh
mit: Maisa Abd Elhadi, Adeeb Safadi, Sivane Kretchner, Ishai Golan
Ein Film von Christine Repond.
Ein gutbürgerlich situiertes Paar steht kurz vor seinem 35. Hochzeitstag, als Meredith (Barbara Auer) erfährt, dass sie nach einer Blutspende HIV positiv getestet worden ist. Schockiert und nach einiger Recherche bekommt sie heraus, dass ihr Mann André (Robert Hunger-Bühler) der Überträger ist, der sich seinerseits offenbar bei Prostituierten angesteckt hat. Aus dieser Konstellation ergeben sich scheinbar unauflösliche Schuldverstrickungen, auch Schamgefühle. Aber vor allem steht Meredith vor einem Scherbenhaufen, den sie nicht mehr einfach zusammensetzen kann. Selbstverständlichkeiten und Gewissheiten bieten keinen Halt mehr. Auf sich allein gestellt, erkennt sie von jetzt auf gleich ihre soziale Isolation und nur allmählich wächst in ihr eine Skepsis ihrem vormaligem Leben gegenüber. Dann ahnt sie, dass aus ihrer Krankheit eine Chance erwächst, die vielleicht ein Neuanfang bedeuten könnte.
Die Geschichte erlaubt sich keine Schlenker und bleibt ganz nah an der minimalen Handlung. Gerade durch die unaufdringliche, gleichzeitig betörende Schlichtheit wird die Komplexität erst richtig augenfällig. Der Film arbeitet mit Andeutungen, hält sich mit einer Überfrachtung von Symbolen weitgehend zurück. Im zurückhaltenden, subtilen Spiel von Barbara Auer spiegelt sich die Verwandlung von einer gesicherten, abgeklärten und verfestigten Welt in eine löcherige, wage Existenz. Nicht zuletzt ist es ein Film über eine Emanzipation mit mehr ängstlichen als kämpferischen Momenten, der bis zum Ende seine Melancholie keineswegs verschweigen will. (Michael Schmitz | indiekino)
Deutschland 2018, 80 Min.
Regie & Drehbuch: Christine Repond
Kamera: Aline László
Schnitt: Ulrike Tortora
mit: Barbara Auer, Robert Hunger-Bühler
Ein Film von Frauke Lodders.
Eymen, Eray, Gustaf, Max und Svea heißen die fünf gesunden Geschwister, die im Mittelpunkt von Frauke Lodders Dokumentation „Unzertrennlich – Leben mit behinderten oder lebensverkürzt erkrankten Geschwistern“ stehen. Und das – im Mittelpunkt stehen – ist eine Seltenheit in ihrem Leben, denn seit dem Moment, an dem ihre Mutter ein behindertes Geschwisterkind zur Welt brachte, hat sich die Rolle innerhalb der Familie grundlegend verändert.
Ca. 4 Millionen Menschen in Deutschland haben einen Bruder oder eine Schwester, die chronisch oder lebensverkürzt erkrankt oder behindert sind. Sie müssen sich bereits deutlich früher als ihre AltersgenossInnen mit Themen wie Verantwortung, Verzicht und Verlust auseinander- setzen. Ihre Realität unterscheidet sich grundlegend von der anderer Kinder und Jugendlicher. Leise beobachtend und mit großem Respekt vor allen Familienmitgliedern nähert sich der Film den unterschiedlichen Lebensrealitäten solcher Geschwisterkinder an und führt in ihren Alltag ein.
Webseite: mindjazz-pictures.de
DE 2018 91 Min.
Regie: Frauke Lodders
Kamera: Timo Schwarz, Fabian Schmalenbach
Schnitt: Kirsten Ottersdorf
Ein Film von Darío Aguirre.
In Deutsch und Spanisch mit deutschen und spanischen Untertiteln.
Eigentlich war Dario wegen Stephanie aus Ecuador nach Deutschland gekommen, aber die Behörden gehörten vom ersten Tag zu ihrer Beziehung dazu. In den folgenden 15 Jahren sollten sie ihm insgesamt 10 Visa ausstellen – eine lange Spur aus Papieren, Stempeln, Genehmigungen und Einschränkungen verband Dario mit Deutschland und hielt ihn doch auch immer auf Abstand. Und dann das: Der Erste Bürgermeister von Hamburg lädt Dario ein, Deutscher zu werden. Eine Liebeserklärung? Darío beantwortet sie mit einem zärtlich-ironischen Roadmovie, das seinen verschlungenen Weg vom Land seiner Eltern in das Land seiner Kinder nachzeichnet.
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Deutschland, Schweiz 2018, 88 Min.
Regie: Darío Aguirre
Drehbuch: Darío Aguirre
Protagonisten: César Aguirre, Mariuxi Guevara, Christa und Andreas Tonn, Stephanie Tonn
Produzent: Tobias Büchner, Franziska Reck
Kamera: Helena Wittmann, Darío Aguirre
Schnitt: Ulrike Tortora, Darío Aguirre
freigegeben ab 0 Jahren (FSK Prüfkarte pdf)
Gefördert von der Filmförderung Hamburg Schleswig Holstein GmbH
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Ein Film von Małgorzata Szumowska.
[Credits] [Indiekino Club] [Trailer]
Die Kamera fährt durch eine Scheibe und zeigt bewegungslose Gesichter, von denen man zunächst vermuten könnte, dass es sich um Passagiere einer frühmorgendlichen Straßenbahn handelt. Dann enthüllt sie den wahren Charakter der Szenerie: Ein Supermarkt lockt mit Flat-Screen-Glotzen, allerdings nur für Schnäppchenjäger*Innen, die bereit sind, sich beim Run auf die Ware bis auf die Unterwäsche auszuziehen. Und so spielen sich bizarre Szenen ab: Halbnackte Körper balgen sich um die Geräte und fügen einander allerlei Gemeinheiten zu, um sich die begehrten Stromfresser zu sichern. Jacek (Mateusz Kosciukiewicz), der zu Heavy Metal in seinem kleinen roten Polski Fiat durch die Gegend brettert, erkämpft sich einen. Jacek und Dagmara (Malgorzata Gorol) sind Lula und Sailor aufm Dorf, allerdings werden sie nur von der Stumpfheit der Mitbewohner des platten Landes bedroht. Aber ist die harmloser als die Alptraumlandschaft eines David Lynch? Nein. Die riesige, im Bau befindliche, die Landschaft erschlagende Jesus Statue, enthüllt einen Realitätsverlust und Rückfall in vergessen geglaubte Zeiten, die das 21. Jahrhundert so unappetitlich machen. Jacek arbeitet auf der Baustelle bis zum Sturz vom Gerüst, dem Wendepunkt des Films, der den Anfang seiner Passionsgeschichte bedeutet. Er wird von den Toten auferstehen, unerkannt unter seinesgleichen weilen und die Suche fortsetzen, die Małgorzata Szumowskas Protagonisten in „Body“ angefangen haben. Der ruhige Strom der Filmerzählung wird immer wieder von Tableaus unterbrochen, die das Geschehen ungemein verdichten, man schaut sie erst an wie etwas Fremdes, um dann die Homogenität zu erkennen und zu genießen. Die Sicherheit der Filmemacherin, aus den vermeintlich nicht zusammenfügbaren Teilen etwas zu erschaffen, was über der Summe dieser steht, ist erstaunlich.
Małgorzata Szumowskas Thema sind Menschen, die Schwierigkeiten haben, ihre Existenz mit dem nötigen Glauben zu unterfüttern, sie zweifeln, stolpern und sie fallen. Aber es gibt ein Licht am Ende des Tunnels und es ist kein Zug. Die Regisseurin verspricht ihren Figuren kein Paradies, aber Ehrlichkeit und Würde. Gleichzeitig demontiert sie die polnische Staatsreligion und beschäftigt sich mit der Absurdität des Geschehens in und um die starre Festung Katholizismus, die derzeit gut im Futter steht.
Leider schade: Die Christus-König-Statue, 2010 nahe Świebodzin aus dem Boden gestampft, ist die größte (6 m über Christus-Erlöser-Statue in Rio). Allein 3 m Höhe mißt die Krone, die den Anspruch auf weltlichen Einfluß unterstreicht.
Twarz
Polen 2018, 91 Min., poln. OmU
Regie:Małgorzata Szumowska
Buch: Małgorzata Szumowska, Michał Englert
Kamera: Michał Englert
Montage: Jacek Drosio
mit: Mateusz Kościukiewicz
Agnieszka Podsiadlik
Małgorzata Gorol
Roman Gancarczyk
Dariusz Chojnacki
Robert Talarczyk
Anna Tomaszewska
Martyna Krzysztofik
Ein Film von Talal Derki.
Abu Osama, zur Drehzeit Mitte 40, lebt mit seinen zwei Frauen und 12 Kindern in Syrien. Der Fachmann für Autobomben und Minenentschärfung hat die Al-Nusra-Front mitbegründet und träumt vom Kalifat. Besonders stolz wäre er, würden seine geliebten acht Söhne an der Errichtung mitarbeiten, weshalb sie so früh wie möglich zu Kämpfern ausgebildet werden sollen. Als besonderes Geschenk und Zeichen Gottes wertet er, dass sein Jüngster an einem 9. September zur Welt kam.
Talal Derki stammt aus Damaskus, studierte Regie in Athen und lebt seit 2014 in Deutschland. Nach seinem Dokumentarfilm „Rückkehr nach Homs“ wollte er eine tiefere Innenansicht von Dschihadisten bekommen, und sich dabei vor allem der Situation von Kindern widmen. Als er auf Abu Osama traf, gab er sich als gottesfürchtiger Reporter aus, der von Ruhm und Macht der Islamisten berichten wolle, und durfte nach einiger Zeit ungehindert beim männlichen Teil der Familie drehen. Besonderes Augenmerk richtete er dabei auf die beiden ältesten Jungen, Osama (13) und Ayman (12). Im Zeitraum von zwei Jahren lebten er und sein Kameramann Kahtan Hasson 300 Tage den streng religiösen Alltag mit. Dies und die stets vorhandene Gefahr der Enttarnung brachten den Regisseur oftmals an seine psychischen Grenzen.
„Wenn wir Bilder aus diesem Krieg sehen, haben wir häufig das Gefühl, dies sei eine irreale Parallelwelt. Deshalb wollte ich in OF FATHERS AND SONS – DIE KINDER DES KALIFATS eine direkte Beziehung zwischen Protagonisten und Publikum herstellen. Ich wollte die Zuschauer – durch die Bilder meiner Kamera – mitnehmen auf meine Reise. … Ich bin Osama und Ayman in ein Trainingscamp für junge Kämpfer gefolgt und habe angefangen zu verstehen, wie die Kinder beeinflusst werden, und dass sie tatsächlich keine Chance haben, sich frei zu entscheiden. Wie werde ich zu dem, der ich bin? Wo ist Hoffnung? Wie wird die Zukunft aussehen? Welche Wahl haben wir?” Talal Derki
Deutschland 2018, 98 Min., arab. OmU
Regie: Talal Derki
Kamera: Kahtan Hassoun
Schnitt: Anne Fabini
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