Kamil, ein gutherziger Arbeiter, nimmt einen Job auf einer benachbarten Baustelle an. Als Widerständler gegen die städtische Wandlung widerspricht dies jedoch seinen Prinzipien. Sein Vorgänger bei dieser Arbeit, ein syrischer Flüchtling, möchte seine Stelle zurück, was einen Konflikt mit Kamil provoziert. Doch Unterdrückung und Angst in Kamils Nachbarschaft und bei seiner Arbeit führen dazu, dass Kamil bei einem Unfall ums Leben kommt. Nun muss sich seine Frau den Konsequenzen seiner Taten stellen.
Credits:
DE, RO, TR 2021, 108 min., Türkisch, Arabisch, Rumänisch, Deutsch OmU Buch und Regie: Ali Vatansever Kamera: Tudor Vladimir Panduru mit Erol Afsin, Saadet Aksoy, Kida Khodr Ramadan
80 Jahre alt wäre der Maler, Autor, Regisseur und politische Aktivist Derek Jarman am 31.1.22 geworden. Er starb 1986 an den Folgen seiner AIDS-Erkrankung, die er auch in seinen Filmen zur Sprache brachte. BLUE, sein letzter und formal wohl extremster Film, wurde von der Krankheit, durch die er erblindete, bestimmt. Die Ton- Musik- und Sprechcollage vor monochrom blauer Leinwand ist politisch und persönlich, poetisch und diskursiv zugleich.
Jarmans Filme gelten als radikal, zornig und engagiert. Er führte einen stetigen Kampf gegen die Thatcher-Regierung und zeigte sich hierbei als Queer- und AIDS-Aktivist, aber sein Thema war vor allem auch die Liebe, besonders die verhinderte, und körperliche.
Wir zeigen sechs seiner Werke, die neu restauriert und digitalisiert wurden. Dazu gibt eine Doku über ihn, von Regisseur Julien Isaac und Tilda Swinton, die ohne Jarman nicht zu denken wäre (und umgekehrt), und in allen sechs Filme mitwirkt:
Caravaggio (1986, 93‘), der biografische Ausschnitt vom italienischen Maler ist wohl sein bekanntestes Werk. (21.1. 17:45)
The Garden (1990, 95‘) ist eine sinnliche, subjektive, schwule Passionsgeschichte mit Garten-nahem Atomkraftwerk.(22.1. 17:45)
Edward II (1991, 90‘) hat bei Jarman einen etwas anderen Stand als bei Mel Gibson seinerzeit.(23.1. 17:45)
Wittgenstein (1993, 75‘) – „heitere, dialogsichere, hervorragend gespielte Gesamtschau auf das Leben eines philosophischen Außenseiters“ (Lexikon des intern. Films) (24.1. 17:45)
War Requiem (1989, 92‘) ist die filmische Umsetzung Benjamins Brittons Musikstücks, mit Laurence Olivier in seiner letzten Rolle. (25.1. 17:45)
Blue DF (1993, 74‘), gesprochen von Derek Jarman, Tilda Swinton, Nigel Terry, John Quentin, und in der deutschen Fassung von Ulrich Matthes, Sylvester Groth, Wolfgang Condrus, Eva Mattes. (22. & 23.1. 15:45) Blue OV
Derek (2008, 76‘) – ein Brief, ein Interview, eine Rückschau und Hommage (26.1. 17:45)
alle Filme laufen in Originalfassung mit deutschen Untertiteln, Blue in dt. und engl. Fassung
Eine Familie in der Auflösung: Der arbeitslose Schauspieler Samir will eigentlich nur in Ruhe gelassen werden, seine Frau Fidan überlegt, in Berlin eine Stelle anzunehmen, und Sohn Mahmud will vor allem seinen Eltern entfliehen. Ein dramatischer Zwischenfall während eines Ausflugs an den Strand legt die Risse in der Familie schmerzhaft frei. Der Film navigiert meisterhaft zwischen den drei Figuren und porträtiert sie zugleich als Fremde und Komplizen.
End of Season
Credits:
DE/GE/AZ 2019, 92 Min., azeri OmU Regie: Elmar Imanov Kamera: Berta Valin Escofet und Driss Azhari Schnitt: Ioseb „Soso” Bliadze mit Rasim Jafarov, Zulfiyye Gurbanova, Mir-Mövsüm Mirzazade
Nach dem Tod von Nellys geliebter Großmutter hilft das achtjährige Mädchen seinen Eltern beim Ausräumen des Hauses, in dem ihre Mutter Marion ihre Kindheit verbrachte. Nelly erkundet das Haus und den umliegenden Wald, in dem ihre Mutter früher spielte und das Baumhaus baute, von dem Nelly so viel gehört hat. Eines Tages reist die Mutter unvermittelt ab. Da lernt Nelly ein gleichaltriges Mädchen kennen, das im Wald gerade ein Baumhaus baut. Das Mädchen heißt: Marion. Céline Sciamma, zum zweiten Mal auf der Berlinale, hat mit ihrem fünften Film ein höchst intensives und reifes Werk geschaffen. Im herbstlichen Licht der Bilder von Kamerafrau Claire Mathon spürt die Regisseurin mit poetischer Präzision einem wichtigen Moment des Erwachsenwerdens nach. Wieder einmal stellt Sciamma das weibliche Universum in den Mittelpunkt ihrer Beschäftigung mit den Fragen des Lebens. Aus der Kraft der Erinnerung und der Imagination lässt sie einen einzigartigen emotionalen Resonanzraum entstehen.
„Ich habe 20 Jahre ohne Mann gelebt und kann weitere 100 ohne leben.“ Hala ist mit 19 Jahren vor einer Zwangsheirat aus dem nordsyrischen Minbij über den Euphrat geflohen – und beim kurdischen Militär gelandet. In Rojava bekommt sie eine Kampfausbildung und das Selbstbewusstsein, um sich und andere Frauen künftig vor Gewalt zu schützen. Dass das nicht überall auf Verständnis trifft, erlebt sie, als sie in ihre Heimatstadt zurückkehrt, um ihre jüngeren Schwestern zu retten. Spannend erzählt Antonia Kilian in ihrem Regiedebüt von Frauen, die um ihre Selbstbestimmtheit kämpfen. Dabei blitzt immer wieder ein Hauch von Freiheit auf: in einer wehenden Gardine, einer Autofahrt mit windzerzausten Haaren oder einem Bad im Euphrat. Anja Klauck
AREYOULONESOMETONIGHT? ist der poetische und eigenwillige erste Spielfilm des chinesischen Regisseurs Wen Shipei. Wens Film ist ein Noir-Thriller, aber Wen scheint anderen Leitsternen zu folgen als etwa Diao Yi’nan, dessen FEUERWERKAMHELLICHTENTAGE und SEEDERWILDENGÄNSE Noir-Geschichten erzählten, die relativ nah bei den US-Filmen der dreißiger bis fünfziger Jahre waren: mit Femmes Fatales, mit verlorenen Helden und einem realistisch-sozialen Hintergrund.
Wen Shipeis verträumte Erzählung hat weniger Bezüge zum amerikanischen Noir als zum französischen poetischen Realismus von Marcel Carné und Max Ophüls, und zu den existentialistischen Dramen von Robert Bresson. Wen erzählt seinen Film in Erinnerungsbildern, die sich durch Überblendungen kristallisieren und immer weitere, präzisere Kreise ziehen, aber am Ende womöglich nur eine Traumchimäre sind. Die Räume sind verstellt und labyrinthisch, das Licht oft extrem farbig. Selbst hässlichste reale Orte haben in den Kamerabildern einen Zauber. Das Wetter bestimmt hier immer spürbar die Atmosphäre, die Hitze, der schwüle Regen. Es ist kein Zufall, dass der (Anti-)Held Xueming (Eddie Peng) Klimaanlagen repariert. Die feuchte Hitze wirkt wie ein emotionaler Brutkasten, der Regen lässt die müden Seelen kochen. Wörtlich übersetzt lautet der chinesische Titel des Filmes „Es war einmal in den Tropen“.
Xuemíng erzählt aus dem Gefängnis, was passiert ist: Er hat nachts einen Mann überfahren, der urplötzlich vor seinem Laster auftaucht, als er sich gerade eine Zigarette anzündet. Xueming begeht Fahrerflucht, aber seine Schuldgefühle lassen ihm keine Ruhe. Er will sich stellen, aber auf der Polizeistation überwältigt ihn die aggressive Atmosphäre. Als er zufällig Frau Liang, die Witwe des Opfers, trifft, will er sich ihr gegenüber offenbaren, findet aber bald heraus, dass mehr hinter der Geschichte steckt und Herr Liang kein unschuldiges Opfer war. Eine Tasche voller Geld spielt eine Rolle, und Gestalten erscheinen, die wie Gespenster hinter Xueming her sind.
AREYOULONESOMETONIGHT? ist eines der erstaunlichsten Debüts der letzten Jahre, mit einem ganz eigenen Rhythmus, einem umwerfenden Gefühl für hypnotische Bilder. Von Wen Shipei lässt sich noch einiges erwarten. Tom Dorow | indiekino.de
Credits:
Originaltitel: Re dai wang shi CN 2021, 95 Min., mandarin OmU Regie: Wen Shipei Kamera: Cedric Cheung-Lau, Xiaosu Han, Zhang Heng, Andreas Thalhammer Schnitt: Zhu Lin, Will Wei, Dong Jie, Noé Dodson, Cao Hangchen mit: Eddie Peng, Peiyao Jiang, Zhang Yu, Sylvia Chang
Hochsommer in der Mecklenburgischen Provinz. Fünf Häuser, eine Bushaltestelle, Kühe und ringsum nichts als Felder. Christin, 24, (Saskia Rosendahl) lebt auf dem Bauernhof ihres langjährigen Freundes Jan, 25 (Rick Okon). Die Aufbruchsstimmung der Nachwendejahre, die ihre Kindheit prägten, ist längst dahin und auch in ihrer Beziehung gibt es schon lange keine Liebe mehr. Ihr Vater säuft. Den Kirsch hat auch Christin immer griffbereit unterm Autositz. Unter der flirrenden Hitze des Sommers scheint die Zeit stillzustehen. Da taucht Windkraftingenieur Klaus, 46, (Godehard Giese) aus Hamburg auf, und die Welt beginnt sich wieder zu drehen.
Niemand ist bei den Kälbern
Credits:
DE 2021, 116 Min., dt. O.m.engl. U. Buch und Regie: Sabrina Sarabi nach dem Roman von Alina Herbing Kamera: Max Preiss Schnitt: Heike Parplies mit: Saskia Rosendahl, Rik Okon, Godehard Giese, Enno Trebs, Peter Moltzen, Anne Weinknecht
Minas Leben gerät aus den Fugen, als sie erfährt, dass ihr Ehemann Babak zu Unrecht des Verbrechens angeklagt wurde, für das er hingerichtet worden ist. Die Bürokratie entschuldigt sich für den Justizirrtum und stellt eine finanzielle Entschädigung in Aussicht. Als Akt der Selbstachtung und ihrer gehörlosen Tochter zuliebe nimmt Mina den leisen Kampf gegen einen von Zynismus geprägten Apparat auf. Gerade als das Geld knapp wird, taucht ein Unbekannter namens Reza auf. Er behauptet, Schulden bei Babak gehabt zu haben, die er jetzt begleichen möchte. Mina reagiert zunächst zurückhaltend, doch schließlich lässt sie Reza in ihr Leben. Sie ahnt nicht, dass ein Geheimnis sie beide aneinanderbindet. Schuld und Sühne – ein klassisches iranisches Filmsujet, das Behtash Sanaeeha und Maryam Moghaddam meisterhaft und als Kino der kleinen, präzisen Gesten und Räume inszenieren. Zwischen Einsamkeit und ihrem Ringen um Selbstbehauptung ganz groß: Maryam Moghaddam als Mina.
Credits:
Ghasideyeh gave sefid IR/FR 2020, 105 Min., farsi OmU Buch und Regie: Behtash Sanaeeha, Maryam Moghaddam Kamera: Amin Jafari Schnitt: Ata Mehrad, Behtash Sanaeeha mit Maryam Moghaddam, Alireza Sanifar, Pourya Rahimisam, Avin Purraoufi, Farid Ghobadi, Lili Farhadpour
Trailer:
Ballad of a White Cow (Ghasideyeh gave sefid) new clip official from Berlin Film Festival 2021
Unsere Dokfilmwoche, die insgesamt sechsmal jeweils Ende August stattfand, ist vorerst Geschichte. Sie wurde von uns überarbeitet, zerstückelt und neu zusammengesetzt.
Herausgekommen ist Dok-Termin- 12 besondere Dokumentarfilme verteilen sich aufs Jahr. Jedes Werk wird zweimal zu sehen sein, im fsk-Kino und in einem weiteren Kino der Indiekino-Gruppe. Gespräche mit den Macher*innen, Diskussionen, Einführungen und was sich sonst zur Unterstützung oder Weiterführung anbietet, ergänzen die Veranstaltungen.
Das Programm ist nicht auf bestimmte Themen, Formen oder Inhalte ausgerichtet.
Die geplanten Filme lassen Zusammenhänge in neuem Licht erscheinen. Die gesamte Haltung, wie Empathie und Umgang mit Protagonist*innen, der gewählte Blickwinkel entscheiden über ihre Relevanz. Wir freuen uns über Angebote zum Dialog, oder die Einladung, beim Zuschauen eigene Bilder zu formen sowie über die essayistische Annäherung an ein Thema.
Besondere und individuelle Geschichten, die unaufdringlich auf einen komplexen äußeren Kosmos
weisen, sind gefragt, aber in der Umkehrung auch eine freie und weite Erzählung, in der sich der/die Einzelne wiederfindet. Die Filme gehen vom Großen, Weiten ins Detail und lassen vom Persönlichen, engen Rahmen aufs Allgemeine schließen, regional wie weltweit.
Der inzwischen 91-jährige Frederick Wiseman ist mit seinen über 40 Dokumentarfilmen selbst eine Institution, gerade wurde er in Cannes für sein Lebenswerk geehrt. Passend dazu sind seine Arbeiten oft genaue Innensichten bekannter Kultur-Institutionen, wie zuletzt der New Yorker Public Library und dem Nachtclub Crazy Horse, der National Gallery in London, der Pariser Oper. Zuvor hatte Wiseman sich immer gerne auch die administrative Bereiche vorgenommen, wie Justizsystem, Universitäten oder Militär. Bei CITYHALL gehen wir gleich mit in den ganzen Komplex einer Stadtverwaltung, der seiner Geburtsstadt Boston. Diskussionen über die Quartiersentwicklung, Armutsbekämpfung und Rassismus, die Städtische Telefon-Hotline, Einbeziehung der Bürger in kommunale Aufgaben, Essenstafeln und Obdachlosenhilfe – diese und weit mehr soziale Projekte und Betreuungsbereiche stehen auf dem Programm der Stadtverwaltung Bostons, und besonders auch des damals amtierenden Bürgermeisters Marty Walsh. Polizeiarbeit und Feuerwehreinsätze, Veteranentreffen, Eheschließung, Stadt- und Wirtschaftsplanung, Sportereignissen, Empfänge, Eröffnungen, Pressekonferenzen und allgemeiner Verwaltungsaufwand, die ganzen administrativen Aufgaben, die der Film in gut vier Stunden vorführt, will ich gar nicht aufzählen. Über unzählige persönliche Schicksale wird hier entschieden, und wir sind mittendrin. CITYHALL ist ein Portrait der gesamten Stadt Boston, das der Regisseur in bekannt spannender und eindringlichen Art präsentiert, wo dann selbst Abwasser- und Abfallentsorgung zum Ereignis werden.
Laut Abspann wurde das Material für The Two Sights zwischen 2017 und 2019 auf den Äußeren Hebriden „gesammelt“. Aber um was für Material handelt es sich? Zum einen sind da die atemberaubenden 16-mm-Landschaftsaufnahmen: Felsklippen, Strände und Ebenen, Pflanzen und Tiere, Häuser und Schiffe, wechselhafte Lichtverhältnisse. Zum anderen – aufgenommen mit einem Mikrofon, das in den ersten Einstellungen zu sehen ist – sind da die Geräusche: kreischende Vögel, brausender Wind, tosendes, gurgelndes, tröpfelndes Wasser – und aus dem Off erzählt eine Stimme, auf Englisch und Gälisch, von Hundeskeletten, versunkenen Dörfern, sterbenden Angehörigen; manchmal erklingen auch Lieder, hört man den Seewetterbericht, oder es herrscht Stille. Wie in jeder guten Sammlung geht es nicht um die einzelnen Bestandteile, es geht um Schnittpunkte, um die Krähe im Stacheldraht, die eine bisher unerzählt gebliebene Geschichte evoziert, um den Gesang einer Frau, der das Wasser leicht zu kräuseln scheint, und es geht darum, dass jede Erzählung von der rauschenden Luft getragen wird. Sehen, mit Augen und Ohren – zwei Perspektiven, die ineinanderfließen. (Berlinale Forum d. Internationalen Jungen Films 2020)
→ Am Sonntag, den 14.11. wird die australische Klangkünstlerin, Komponistin und Pädagogin Felicity Mangan musikalisch auf den Film einstimmen. Mit Naturtönen aus ihrem Field Recording Archiv erforscht sie Klangfarben und biorhythmische Muster, um quasi-bioakustische elektronische Musik zu bauen.
»Ein wirklich außergewöhnliches Kunstwerk.« Time Out NY
Ein Bauernhof im Burgund, ein kleiner Alltag, der im 19. Jahrhundert nicht viel anders ausgesehen haben dürfte: Ein Schmid – Verwandter des Regisseurs – und seine Frau, beide um die 80, in den Rhythmen ihres Lebens. Es gibt im Tageslauf des Paares wenig zu sagen, aber im Film umso mehr zu sehen und zu hören: Arbeitsschritte und häusliche Besorgungen, der Klang von Feuer und Hämmern, das Klappern der Holzschuhe. Handgriffe und Gewohnheiten, die mit der Dauer der Jahre und in der Verdichtung des Films etwas Rituelles bekommen. Dominique Benicheti einziger Langfilm formt in seiner Montage das Verstreichen eines Tages nach, tatsächlich ist er über fünf Jahre hinweg gedreht worden, in schwelgerischem Cinemascope und Stereoton, 2012 wurde er restauriert und unter anderem im Forum der Berlinale wiederaufgeführt. Kino im emphatischen Sinne ist er geblieben, eine Eloge auf die lyrische Materialität und eigene Zeitlichkeit einer ländlichen Kultur.
Eine zufällige Begegnung vor den Toren einer Schule im georgischen Kutaissi. Lisa und Giorgi stolpern ineinander, ein Buch fällt zu Boden. Sichtlich verwirrt verabreden sie ein Date, ohne einander ihre Namen genannt zu haben. Es ist Liebe auf den ersten Blick, und wie verzaubert fangen die Dinge an zu leben: Die Überwachungskamera wird zum bösen Auge, das Abflussrohr zum Orakel, Augen zu – und Gong! Über den Liebenden liegt ein Fluch, der sie dazu verdammt, am nächsten Tag mit einem anderen Aussehen zu erwachen. Doch gerade diese wundersame Erschwernis ihrer Wiederbegegnung wird zur Eintrittskarte in eine Welt, in der nur noch der Zauber des Alltags herrscht – in schlichter Schönheit, mit zärtlicher Komik und einer Fußballbegeisterung, die Junge wie Alte und sogar den phlegmatischen Straßenköter Vardy befällt. Es ist die Poesie der Ziellosigkeit, die es Alexandre Koberidze, wie schon in Lass den Sommer nie wieder kommen, ermöglicht, im Kino all das sichtbar und erzählbar zu machen, was wir in der Wirklichkeit unseres Alltags nur selten wahrnehmen. Feuerzeuge raus! Denn die Nächte sind magisch, wie Gianna Nannini inbrünstig singen darf in dieser Perle von einem Film.
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