DERATEMDESMEERES – ein poetischer Kinodokumentarfilm über das beeindruckende Universum des größten Marschlandes der Welt: das Wattenmeer. Im Rhythmus von Ebbe und Flut erzählt DERATEMDESMEERES vom Wattenmeer, von den Menschen und der Natur, die diese außergewöhnliche Region formen. Von Den Helder in den Niederlanden über die ostfriesischen Küsten bis nach Skallingen in Dänemark erstreckt sich eine Ansammlung von Inseln und Gemeinden, wovon jede ihren eigenen Charakter, ihre eigenen Besonderheiten hat. Doch sie alle gehören zum Wattenmeer, das seit 20 Jahren den Titel UNESCO-Weltnaturerbe trägt. Ständig wechselndes Licht, Nebel, und Wind verändern die Landschaft und Lebensräume von Seehunden, Krabben und Flundern. Das komplexe Binnensystem, mit seiner einzigartigen Flora und Fauna birgt unzählige Geschichten und einzigartige Lebensformen, deren Entdeckung DERATEMDESMEERES erlebbar macht. Mal richtet sich der Blick auf kleine Details, mal auf das große Ganze. Zugvögel und Touristen, die jedes Jahr kommen und gehen, die Veränderung der Farbgebung von Watt und Wasser und der faszinierende Wechsel der Gezeiten sind ein sich wiederholender Zyklus. DERATEMDESMEERES ist ein poetischer Kinodokumentarfilm, der eine Region voller Gegensätze zeigt. Das Wattenmeer ist geprägt von Stille und Sturm, Leben und Tod und natürlich vom Ein- und Ausatmen des Meeres, dem bestimmenden Faktor, nach dem sich alles richtet.
Credits:
NL/DE 2020, 105 Min., Regie: Pieter-Rim de Kroon Kamera: Victor Dekker Schnitt: Erik Disselhoff
In einer anonymen polnischen Villensiedlung beglückt ein ukrainischer Masseur seine KundInnen nicht nur mit seinen heilenden Händen. Er wird zu einer Art Guru für die spirituell obdachlosen und nicht nur sexuell frustrierten Neureichen. Małgorzata Szumowska (DIEMASKE) und Michał Englert erzählen von einer polnischen Gegenwartsgesellschaft, die ihre Identität verloren hat. Weltpremiere im Wettbewerb des Filmfestivals von Venedig!
Der Oscarkandidat von Polen für 2021. Die Süddeutsche schreibt dazu: „Man weiß irgendwann nicht mehr, worauf der Film hinaus will, aber da kann man sich ihm schon nicht mehr entziehen“.
Hypnosekino auf subtile und humorvolle Art und Weise.
Der Masseur
Credits:
OT: ŚNIEGU JUŻ NIGDYNIE BĘDZIE – Never Gonna Snow Again PL/DE 2020, 104 Min., poln. OmU Regie & Buch: Małgorzata Szumowska & Michał Englert Kamera: Michał Englert P.S.C. Schnitt: Jaroslaw Kaminski, Agata Cierniak mit: Alec Utgoff, Maja Ostaszewska, Agata Kulesza, Lukasz Simlat, Weronika Rosati, Katarzyna Figura, Andrzej ChyraLänge: 115 Minuten
November 1979. Parteitag der SPÖ, Villach, 23 Uhr. Johanna Dohnal gibt ihr erstes Interview als Frauenstaatssekretärin. Ein ORF-Journalist kommt gleich zur Sache. „Was ist das für ein Gefühl?“, will er wissen. Sie antwortet schnell und direkt: „Überhaupt kein Gefühl im Moment. Außer, dass es hier sehr heiß ist.“ Doch er lässt nicht locker: Ob sie sich als Frau wie jeder andere Staatssekretär auch fühlen werde? „Ich weiß überhaupt nicht, wie sich ein Staatssekretär fühlt. Ich glaube, so wie jeder andere Mensch auch. Aber die Frauenfrage ist eine gesellschaftspolitische und nach meiner Auffassung keine Frauenfrage.“
Und damit zeigt die ehemalige, erste österreichische Frauenministerin klar ihren Standpunkt. Sie will sich nicht in eine Ecke drängen lassen. Der Kampf für Frauenrechte ist für sie gleichbedeutend mit dem Kampf für eine Gesellschaft mit menschlichem Antlitz. Als uneheliches Kind einer ledigen Mutter arbeitete sie sich aus armen Verhältnissen im Nachkriegsösterreich in der sozialistischen Partei hoch. Bei der Grossmutter aufgewachsen fühlte sie sich als Außenseiterin. Die Freiheit jenseits von Normen zu denken und zu fühlen, behält sie selbst nach ihrem Aufstieg in der österreichischen Politik bei.
Ihre Bestellung in den 1970er Jahren unter Bruno Kreisky war damals eine Sensation. Ihre frühzeitige Abberufung gegen ihren Willen durch die eigene Partei eigentlich ein Skandal. Denn nach sechszehn Jahren Regierungstätigkeit hatte sie ihren Schwung nicht verloren. Trotzdem wurde sie im März 1995 von Kanzler Franz Vranitzky aus dem Amt gedrängt. Geblieben sind ihre Errungenschaften, die heute oftmals wieder zur Diskussion stehen, was den Film zusätzlich brisant macht. Dabei verblüfft nach wie vor die Fülle an Initiativen, Gesetzen, Regelungen und Einrichtungen, die direkt auf ihre Initiative zurückgehen. Das reicht von der Einführung der Strafbarkeit der Vergewaltigung in der Ehe über die Anrechnung von Kindererziehungszeiten für die Pension bis zu den ersten Frauenhäusern und einem Gesetz gegen sexuelle Belästigung am Arbeitsplatz.
Vor dem Hintergrund patriarchal geprägter Machtverhältnisse bündelte die feministische Visionärin die Kräfte aller österreichischen Frauenorganisationen, von der Katholischen Frauenbewegung bis zur Aktion Unabhängiger Frauen, um öffentlichen Druck für gemeinsame Anliegen zu erzeugen. So setzte sie die Gründung und dauerhafte Finanzierung der Wiener Frauenhäuser durch. Sabine Derflingers berührende Doku spiegelt das politische Klima des Landes bis hin zum neoliberalen Umschwung trefflich. Mitreißend bebildert die Grimme-Preisträgerin den weiten Weg den Johanna Dohnal im Kampf gegen alle Widerstände und Männerbünde gehen musste. Ein Stück lebendige, inspirierende Frauengeschichte, die den Blick schärft.
Luitgard Koch | programmkino.de
Die Dohnal
Credits:
AT 2019, 104 Min., Regie: Sabine Derflinger Drehbuch: Sabine Derflinger Kamera: Christine A. Maier, Eva Testor Schnitt: Niki Mossböck mit: Annemarie Aufreiter, Johanna-Helen Dohnal, Ingrid Dohnal, Sonja Ablinger, Ferdinand Lacina, Elfe Semotan, Trautl Brandstaller, Brigitte Ederer, Hanna Herbst, Julia Herr, Käthe Kratz, Alice Schwarzer.
Gunda ist die Protagonistin dieses dokumentarischen Triptychons in mildem Schwarz-Weiß. Sie kümmert sich um ihre Kleinen und geht mit ihnen auf Entdeckungsreise, dann zieht sie sich zurück und schöpft Kraft. Vorsichtig nähert sie sich der Kamera. Weiß sie um ihr Schicksal? Was mag sie denken? Von uns halten? Gunda ist eines von mehreren hundert Millionen Schweinen, die den Planeten bewohnen; dazu kommen noch eine Milliarde Rinder, im Film vertreten durch zwei anmutig muhende Kühe, sowie über 20 Milliarden Hühner, hier ein sich durch die Welt tastendes einbeiniges Huhn. Im Schlamm wühlende, Fliegen verscheuchende und Würmer suchende Held*innen – Filmessayist Victor Kossakovsky ist und bleibt rigoros: Nach diesem Film sei Fleischkonsum ausgeschlossen. Seine Empörung über die ignorante Menschheit im Allgemeinen und die Entwürdigung dieser Lebewesen im Konkreten lässt er in eine konzeptuell minimalistische, visuell aber umso fulminantere Meditation fließen. Gunda ist ein Intimporträt. Eine Intervention in Form der Bescheidenheitsgeste. Ein Film, der den Underdogs majestätische Größe gibt. Und uns nachdenklich macht. Zumindest das.
Gunda
Credits:
NO/US 2020, 93 Min. ohne Dialog Regie: Victor Kossakovsky Buch: Victor Kossakovsky, Ainara Vera Kamera: Egil Håskjold Larsen, Victor Kossakovsky Schnitt: Victor Kossakovsky, Ainara Vera
Sie waren Aktivisten, Spione, Genies im Umgang mit dem Computer: Die Hacker des Chaos Computer Clubs waren die Aufklärer in einer Zeit, in der die Computertechnik für Viele ein Fremdwort war – zumindest aber ein Buch mit sieben Siegeln, das inmitten eines böhmischen Dorfs lag. Die Mitglieder des CCC zeigten darum auch mit wenig Aufwand, wo die Tücken in der fortschreitenden computerisierten Welt lagen. Das Passwort einer Sparkasse errieten sie einfach, indem sie als erstes die Telefonnummer des Benutzers ausprobierten. Das Ergebnis war korrekt.
Am Anfang des CCC stand Wau Holland, Deutschlands erster digitaler Bürgerrechtler. Er gründete den Club, machte mit spektakulären Hacks auf sich aufmerksam. Er stand für den ungehinderten sozialen Austausch mit den Mitteln der Technik, einer Digitalisierung, die Heilsbringer sein konnte, die aber auch immer mit Gefahren verbunden war, wenn der soziale Zusammenhalt der Gesellschaft dadurch unterminiert wurde.
Der Film „Alles ist eins. Außer der 0.“ dringt in diese Frühzeit des CCC ein, zeichnet dabei aber auch ein Bild der damaligen Republik, in der Hausdurchsuchungen beim Chaos Computer Club stattfanden, nachdem dieser den deutschen Geheimdienst, aber auch die entsprechenden Firmen auf Sicherheitslücken aufmerksam machten.
Das ist ein Teil des Films, ein anderer ist, dass er zwar von der Vergangenheit erzählt, aber für die Gegenwart wichtig ist. Weil er zeigt, dass die großen Fragen unserer Gesellschaft schon damals gedacht wurden – wenn auch die meisten die Gedanken von Wau Holland ignorierten. Dabei war es visionär, was hier gesagt und getan wurde. Indem die heutige Dynamik des Internets vorweggenommen wird, in der Meinung sehr schnell auch zur Waffe werden kann – oder man sich durch sie zum Ziel macht.
Die Gesellschaft ist auch wegen der Bestrebungen des CCC offener geworden. Nach dem Tschernobyl-Gau waren es die Aktivisten des CCC, die Informationen offenlegten, die offizielle Stellen lieber verschwiegen. Sie waren es auch, die Desinformation als solche enttarnten. Das macht die Geschichte des CCC auch spannend wie einen Thriller, mit allem, was dazu gehört. Spionage, Geheimdienste, Mordkomplotte – und das alles in einer sich rasant ändernden Welt, anderen logischen Endpunkt wir heute leben. Umso wichtiger ist es, den Blick auf die Anfänge zurückzuwerfen, auch, um zu verstehen, wie wir dort ankamen, wo wir sind. Eine faszinierende Geschichtsstunde.
Peter Osteried | programmkino.de
Alles ist Eins. Ausser der 0
Credits:
Deutschland 2020, 90 Min. dt.O.m.engl.U. Regie + Drehbuch: Klaus Maeck, Tanja Schwerdorf Darsteller: Peter Glaser, Wau Holland, Linus Neumann
Als Lehrerin hat die bosnische Muslimin Aida (Jasna Ðuriči) vor Beginn des Jugoslawienkriegs gearbeitet, lebte mit Mann und zwei Söhnen in Srebrenica, gemeinsam mit Serben und anderen Ethnien, wie es im Vielvölkerstaat Jugoslawien Jahrzehntelang üblich war. Doch der Krieg hat aus Nachbarn Feinde gemacht, die Stadt steht unter Beschuss der bosnisch-serbischen Truppen unter ihrem Anführer Ratko Mladić (Boris Isaković), Gerüchte von Vergewaltigungen und Morden an der Zivilbevölkerung machen die Runde. Aida selbst ist nicht in Gefahr, sie arbeitet für die Blauhelme der UNPROFOR-Truppen als Übersetzerin, doch ihr Mann Nihad (Izudin Bajrović) und die beiden Söhne Hamidja (Boris Ler) und Ejo (Dino Bajrović) sind außerhalb der UN-Anlage, wo sich tausende Menschen unter der sengenden Sonne versammelt haben und Einlass begehren.
Im Inneren ahnt der niederländische Kommandant Karremans (Johan Heldenbergh), dass die Absprache, die er mit Mladić getroffen hat, nur Augenwischerei war: Der Zivilbevölkerung freies Geleit zu geben und nur Soldaten in Gewahrsam zu nehmen war die Vereinbarung, doch der Aufmarsch an schwer bewaffneten serbischen Soldaten lässt keinen Zweifel daran, was passieren wird. Mit zunehmender Verzweiflung versucht Aida Karremans davon zu überzeugen, zumindest ihre Familie zu retten, doch dem Kommandanten sind die Hände gebunden. Und so nehmen die Ereignisse ihren Lauf, an deren Ende über 8000 Tote stehen, ermordet im schlimmsten Massaker der europäischen Nachkriegsgeschichte.
Gleich mit ihrem Debütfilm „Grbavica“ hatte die bosnische Regisseurin Jasmila Žbanić 2006 den Goldenen Bären gewonnen, ein Film, in dem sie sich mit den psychologischen Folgen des Jugoslawienkrieges beschäftigt hatte. Das sie mit „Quo Vadis, Aida?“ in die Zeit des Krieges zurückkehrt und sich mit einem der am ausführlichsten dokumentierten Ereignisse des Krieges beschäftigt mag daher überraschen. Neue Einblicke in das Massaker kann es nicht geben, die Frage von Tätern und Opfern ist klar beantwortet, das Versagen der internationalen Gemeinschaft ausführlich dokumentiert. Zwischentöne gibt es dann auch bei Žbanić kaum: Wenn Aida auf der serbischen Seite einen ehemaligen Schüler entdeckt, scheint für kurze Momente die Frage aufzukommen, wie aus einst freundlichen Bekannten Gegner auf Leben und Tod werden können, doch schnell wird diese Ambivalenz beiseite gewischt. Etwas einfach macht es sich Žbanić oft, wenn sie die serbischen Truppen als waffenstarrende, glatzköpfige Muskelprotze schildert, die schon aus der Ferne wie blutrünstige Mörder aussehen, denen in Gestalt der kaum volljährig wirkenden holländischen Blauhelmtruppen, oft ohne Gewehr, dafür in kurzen Hosen kleine Jungs gegenüberstehen, die eher wie Pfadfinder wirken.
Einerseits bestätigt Žbanić dadurch die Klischees des Jugoslawienkrieges, andererseits kann es gerade im Fall des Massakers von Srebrenica keine Frage über Schuld und Unschuld geben. Die Komplexität der Ursachen des Krieges, die Verbrechen, die von allen Seiten begangen wurden, spielen in „Quo Vadis, Aida?“ jedoch keine Rolle, Jasmila Žbanić geht es nur darum, ein Ereignis in fast dokumentarischer Manier darzustellen. Ein Ziel, das ihr fraglos auch eindrucksvoll gelingt.
Michael Meyns
Quo Vadis, Aida?
Credits:
BA/AU/PL/DE/RO/FR/NO/TK/NL 2020, 104 Min. Regie & Buch: Jasmila Žbanić Kamera: Christine A. Maier Schnitt: Jarosław Kamiński Darsteller: Jasna Đuričić, Izudin Bajrović, Boris Ler, Dino Bajrović, Boris Isaković. Johan Heldenbergh, Raymond Thiry
„Kunst kommt aus dem Schnabel, wie er gewachsen ist. Kunst wirkt entgiftend. Kunst kann man nicht umarmen. Kunst heißt der Hahn.” – schreibt Suzy van Zehlendorf auf die Frage, was für sie Kunst ist. Suzy van Zehlendorf ist eine von 16 KünstlerInnen, die ich in der Spandauer Kunstwerkstatt für Menschen mit Behinderung kennengelernt habe. Von Montag bis Freitag arbeiten sie dort – und Arbeit definiert sich hier als Lohnarbeit. Denn die Kunstwerkstatt ist Teil einer ganzen Palette von Werkstätten: zu normalen Arbeitszeiten und gegen Entgelt werden hier Tische hergestellt, Kabel konfektioniert und Auftragsarbeiten für die Industrie erledigt. In der Kunstwerkstatt wird Kunst hergestellt – zu denselben Bedingungen. Kunst zu machen ist hier eine gleichberechtigte Arbeit, und die Aufgabe der MitarbeiterInnen der Kunstwerkstatt ist es, den KünstlerInnen assistierend zur Seite zu stehen. Weil sich die KünstlerInnen mittlerweile einen Namen gemacht haben, agiert die Kunstwerkstatt zugleich wie eine Agentur und ist damit Teil des Kunstmarkts, in dem international mit Kunstwerken gehandelt wird.
Beobachtet man die KünstlerInnen bei der Arbeit, kann man sehen, mit welcher Beharrlichkeit sie um den angestrebten Ausdruck ringen. Es zeigt sich dabei etwas Wesenhaftes über die Aufgabe von Kunst: der Welt Gestalt zu geben, sie zu verstehen zu suchen und ihr etwas hinzuzufügen, in dem sich diese Erkenntnis materialisiert.
Aus den Eindrücken, die ich als Gast in der Kunstwerkstatt gewann, entstand die Idee zu diesem Film, der beiläufig zeigt, wie hier Behinderung und Ermöglichung eine große Freiheit schaffen.
Mit: Adolf Beutler, Suzy van Zehlendorf, Gabriele Beer, Till Kalischer, Nina Pfannenstiel u. a.
Regie, Kamera, Montage: Sabine Herpich O‑Ton Schnitt, Mischung: Marilyn Janssen Color Grading: Florian Lampersberger Titel- und Plakatgestaltung: Ulrike Damm Produktion: Sabine Herpich, Tobias Büchner
Freigegeben ohne Altersbeschränkunge (FSK Prüfkarte: pdf)
Berlin, 1931: Ein Ort zwischen Untermiete und Unterwelt, wo Bordelle Ateliers sind, Nazis auf den Straßen pöbeln und man in Babelsberg vom „psychologischen Film“ träumt. Das Leben brodelt, die Gesellschaft gärt, korrodiert. Solange er noch Arbeit hat, verfasst der promovierte Germanist Jakob Fabian tagsüber Werbetexte, nachts zieht er mit Stephan Labude durch die schrägen Etablissements der Stadt. Während sein Freund – er wird später bekennen, „in den Fächern Leben und Beruf“ versagt zu haben – ein Draufgänger in Sachen Kommunismus und Sex ist, bleibt Fabian nüchtern und distanziert. Er wartet auf den „Sieg der Anständigkeit“, ohne recht daran zu glauben. Nur die Liebe zu Cornelia lässt ihn an seinem ironischen Fatalismus zweifeln. Sie wird zum Lichtblick in seinem zerrinnenden Leben. Erich Kästners tieftraurigen autobiografischen „Fabian“ – einen der bedeutendsten Romane der Weimarer Republik – aus seinem Schattendasein zu holen, ist bei allen Parallelen zum vermaledeiten Heute eine Herausforderung. Dominik Graf meistert sie kongenial: spitzfindig pointiert sein Stil, kaltschnäuzig flott, und doch von schweigsamer Melancholie. Ein Film wie eine Diskokugel, die sich langsam dreht. Über den Zusammenhang von Geschlechtsverkehr und leerem Kühlschrank – und den Zerfall des Traums vom Glück.
Fabian oder Der Gang vor die Hunde
Credits:
DE 2021, 176 Min., Regie: Dominik Graf Kamera: Hanno Lentz Schnitt: Claudia Wolscht mit Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn
Eine zufällige Begegnung vor den Toren einer Schule im georgischen Kutaissi. Lisa und Giorgi stolpern ineinander, ein Buch fällt zu Boden. Sichtlich verwirrt verabreden sie ein Date, ohne einander ihre Namen genannt zu haben. Es ist Liebe auf den ersten Blick, und wie verzaubert fangen die Dinge an zu leben: Die Überwachungskamera wird zum bösen Auge, das Abflussrohr zum Orakel, Augen zu – und Gong! Über den Liebenden liegt ein Fluch, der sie dazu verdammt, am nächsten Tag mit einem anderen Aussehen zu erwachen. Doch gerade diese wundersame Erschwernis ihrer Wiederbegegnung wird zur Eintrittskarte in eine Welt, in der nur noch der Zauber des Alltags herrscht – in schlichter Schönheit, mit zärtlicher Komik und einer Fußballbegeisterung, die Junge wie Alte und sogar den phlegmatischen Straßenköter Vardy befällt. Es ist die Poesie der Ziellosigkeit, die es Alexandre Koberidze, wie schon in Lass den Sommer nie wieder kommen, ermöglicht, im Kino all das sichtbar und erzählbar zu machen, was wir in der Wirklichkeit unseres Alltags nur selten wahrnehmen. Feuerzeuge raus! Denn die Nächte sind magisch, wie Gianna Nannini inbrünstig singen darf in dieser Perle von einem Film.
HERRBACHMANNUNDSEINEKLASSE porträtiert die Beziehung zwischen einem Lehrer und den Schüler*innen der 6. Jahrgangsstufe. In einnehmender Offenheit begegnet Herr Bachmann den Kindern mit ihren unterschiedlichen sozialen und kulturellen Erfahrungen und schafft damit einen Raum des Vertrauens. Musik ist hier eine allgegenwärtige Sprache, die sich wie selbstverständlich um den zu absolvierenden Unterrichtsstoff legt. Anhand der sozialen Beziehungen in der Klasse erzählt der Film ganz beiläufig von den Strukturen einer kleinen, westdeutschen Industriestadt, deren Geschichte bis zurück in die NS-Zeit von Migration geprägt ist.
Der neue Dokumentarfilm der Berliner Regisseurin Maria Speth (MADONNEN, 9 LEBEN) feiert seine Weltpremiere im Internationalen Wettbewerb der 71. Berlinale 2021.
Credits:
DE 2021, 217 Minuten, deutsche Fassung, Regie: Maria Speth Buch: Maria Speth, Reinhold Vorschneider Kamera: Reinhold Vorschneider Schnitt: Maria Spethm mit: Dieter Bachmann, Aynur Bal, Önder Cavdar und den Schüler*innen der Klassen 6 b und 6 f
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