Ein Film von Benedikt Erlingsson.

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Benedikt Erlingsson (Von Menschen und Pferden) hat mit der Chorleiterin Hella eine Heldin geschaf­fen, die so boden­stän­dig wie enthu­si­as­tisch agiert und einen zwar mora­lisch unter­stütz­ten, aktiv aber ein­sa­men Guerillakrieg gegen Naturzerstörung und deren Verursacher führt. Niemand käme auf die Idee, dass die lie­bens­wer­te, gesell­schaft­lich vor­bild­li­che Mitbürgerin für die weit­flä­chi­gen Stromausfälle mit enor­men Ausfallkosten und poli­ti­schen Konsequenzen ver­ant­wort­lich sein könn­te. Doch dann bekommt Hella ein ganz ande­res Problem: das Adoptivkind, um das sie sich vor etli­chen Jahren bewor­ben hat, wird zu einer ganz rea­len ukrai­ni­schen Tochter, die es abzu­ho­len gilt. Aber Hella will ihre sons­ti­gen Aktivitäten nicht aufgeben…
Wir geben zu: dies ist ein soge­nann­tes Feel-Good-Movie. Was lässt sich zu sei­ner Verteidigung anfüh­ren? Die groß­ar­ti­ge Landschaft, in der Hella die natio­na­le Aluminiumindustrie sabo­tiert? Die Ungerechtigkeit, mit der ein armer latein­ame­ri­ka­ni­scher Fahrradtourist immer aufs Neue ihrer Taten bezich­tigt wird? Die Skurrilität man­cher Charaktere, die das mär­chen­haf­te der Erzählung unter­stüt­zen? Oder die Musiker*innen, die bei jedem Einsatz gleich auch im Bild her­um­ste­hen, und sogar wagen, sich einzumischen?
Was sagt der Regisseur?
„Mir geht es immer mehr um die Handlung, die Aufgabe, den Schmerz, um die abs­trak­te Idee, die mich bei einem Projekt fas­zi­niert und die Geschichte, die erzählt wer­den muss. … Ich fin­de nicht, dass die­ser Film eine Komödie ist… Wenn etwas in den Geschichten, die ich erzäh­le, komisch ist, ist es ein Zusatz oder ein Nebeneffekt.« und zum Umweltschutz bemerkt er: »Ich möch­te in die­sem Zusammenhang mei­ne bei­den Heldinnen erwäh­nen. Zwei rea­le, sehr kämp­fe­ri­sche Frauen: Berta Cáceres aus Honduras und Yolanda Maturana aus Kolumbien. Beide waren Umweltaktivistinnen von „Life its­elf”, die von dunk­len Hintermännern einer star­ken Lobby mit eige­nen Interessen ermor­det wur­den. Aber am schlimms­ten ist, dass die Regierungen die Frauen in kei­ner Weise beschützt haben. Bisweilen wirkt es sogar so, als wür­den eini­ge Regierungen aktiv für die ande­re Seite arbeiten. …“

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Credits:

Kona fer í stríð, FR/IS/UA 2018, 100 Min., isländ. OmU
Regie: Benedikt Erlingsson
Kamera: Bergsteinn Björgúlfsson
Schnitt: Davíð Alexsander Corno
mit: Halldóra Geirharðsdóttir, Jóhann Sigurðarson, Davíð Þór Jónsson

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Ein Film von Steve McQueen.

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Der neue Film des bri­ti­schen Regisseurs Steve McQueen (Hunger, Shame, 12 Years a Slave) basiert auf einer TV-Krimiserie aus den 80er Jahren, geschrie­ben von Lynda La Plante. Um von aktu­el­len Umständen zu erzäh­len, ver­legt Steve McQueen die Geschichte von London in den 80ern ins heu­ti­ge Chicago. Die Witwen sind vier Frauen, deren Männer bei einem miss­glück­ten Raub getö­tet wer­den. Sie hin­ter­las­sen ihren Frauen unver­mu­te­te Schulden, wodurch ihr schein­bar gesi­cher­tes Leben droht, wie ein Kartenhaus zusam­men­zu­bre­chen. Ein mög­li­cher Weg aus die­ser Notsituation fin­det sich in dem Notizbuch des ver­stor­be­nen Ehemanns von Veronica (gespielt von Viola Davis), in dem der Plan für den nächs­ten Coup skiz­ziert ist. Die vier Frauen schlie­ßen sich zu einer Art Notgemeinschaft zusam­men und tun das, was nie­mand ihnen zutraut, um sich gemein­sam aus dem Sumpf zu ziehen.

In Filmen wür­den sich oft Frauen gegen­sei­tig has­sen müs­sen, sagt Steve McQueen, der umge­kehr­te Fall, dass sich Frauen zusam­men­schlie­ßen und sich gegen­sei­tig respek­tie­ren, ist viel zu sel­ten erzählt. Das ist das eine. Das ande­re sind gesell­schaft­li­che Fragen, der sozia­le und finan­zi­el­le Hintergrund der Frauen wird immer auch mit­er­zählt. „Widows“ ist vor­der­grün­dig ein span­nen­den Thriller, der auf die Frage hin­aus­läuft, ob die vier Witwen erwischt wer­den oder nicht. Der Film ver­han­delt zugleich aber viel mehr, es geht um Politik, Klasse, Ethnie, Kriminalität. Ein Blick auf das Lokale (Chicago) als Methode, um Globales zu sehen, schreibt Steve McQueen in sei­nem Kommentar zum Film.

 

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Credits:
GB/US 2018, 130 Min., engl. OmU
Regie: Steve McQueen
Kamera: Sean Bobbitt
Schnitt: Joe Walker
mit: Viola Davis, Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Cynthia Erivo, , Colin Farrell, Brian Tyree Henry, Daniel Kaluuya, Jacki Weaver, Carrie Coon, Robert Duvall, Liam Neeson

frei­ge­ge­ben ab 16 Jahren (FSK)

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Termine:

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Ein Film von Hu Bo.

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Als Ausgangspunkt dient die Erzählung von einem Elephanten, der ein­fach nur dasitzt und die Welt zu igno­rie­ren scheint. Der Film zeigt einen Tag im Leben von vier Personen, die in einer chi­ne­si­schen Stadt woh­nen und deren Wege mit­ein­an­der ver­knüpft sind und sich immer wie­der kreuzen:
Bu ist auf der Flucht, nach­dem er den Schultyrannen Shuai die Treppe hin­un­ter­ge­stos­sen hat. Seine Mitschülerin Ling hat sich auf eine gefähr­li­che Affäre ein­ge­las­sen. Shuais Bruder fühlt sich nach dem Suizid sei­nes bes­ten Freundes schul­dig. Und der Pensionär Wang befürch­tet, in ein Heim abge­scho­ben zu wer­den. Das elek­tri­sie­ren­de, vir­tu­os erzähl­te Mammutwerk von Ausnahmetalent Hu Bo ist tra­gi­scher­wei­se zugleich sein Testament. Am 12. Oktober 2017 hat sich der 29-Jährige das Leben genommen.

„An Elephant Sitting Still“ ist ein Geniestück. Voller Härte und Poesie, mit einer Kamera, die sich den Figuren an die Fersen hef­tet, die obses­siv Nähe sucht und Entfremdung ins Bild setzt. (Christiane Peitz)

Der Mythos eines Elefanten, der rät­sel­haf­ter­wei­se ein­fach nur still dasitzt, ver­kör­pert die Hoffnung der Protagonisten auf einen Ausweg und ihre Sehnsucht nach einem ande­ren Ort. Das Trompeten durch­schnei­det die Nacht wie zar­tes Grün, das in der „Einöde“ blüht. Mit die­sem Wort beschreibt Hu gern das Leben, sowohl im Film als auch in sei­ner Erzählung Risse: „Ich dach­te dar­über nach, war­um ich dort war und in der Einöde nach Wegen such­te, die ich ein­schla­gen kann. Und ich bin über­zeugt, dass es mehr ist als nur die Enttäuschung über die Gegenwart.“ (Yun-hua Chen)

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Credits:
Volksrepublik China 2018, Mandarin OmU, 230 Min.,
Regie, Buch: Hu Bo
Kamera: Fan Chao
Schnitt: Hu Bo
mit: Zhang Yu
Peng Yuchang
Wang Yuwen
Liu Congxi

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Ein Film von Marcelo Martinessi.

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Chela (Ana Brun) und Chiquita (Margarita Irún) leben schon lan­ge zusam­men und sind ein ein­ge­spiel­tes Paar. Chiquita, extro­ver­tiert und selbst­be­wusst, umsorgt die intro­ver­tier­te und unselbst­stän­di­ge Chela. Doch eines Tages muss Chiquita wegen nicht getilg­ter Schulden ins Gefängnis. Chela, plötz­lich auf sich gestellt, muss nun ler­nen nicht nur ihren Alltag zu bewäl­ti­gen, son­dern auch ihre Gefühle und Bedürfnisse neu zu ent­de­cken. Dieser Lernprozess wird im Film aber nicht als freu­di­ge Erfahrung oder Befreiung dar­ge­stellt, son­dern als ein ver­spä­te­tes Nachholen von Fähigkeiten, was die immer prä­sen­te, leicht melan­cho­li­sche Stimmung die­ser sanf­ten Emanzipationsgeschichte erklärt.

„Das pri­va­te Drama spie­gelt die gesell­schaft­li­che Entwicklung, die Paraguay nach lan­gen Jahren der Diktatur und der Absetzung der ers­ten demo­kra­ti­schen Regierung genom­men hat und erzählt zugleich eine uni­ver­sel­le Geschichte über Abhängigkeiten und einen spä­ten Neuanfang.“ (Grandfilm)

Berlinale 2018 – Silberner Bär: bes­te Darstellerin
Berlinale 2018 – Silberner Bär: Alfred Bauer-Preis
Berlinale 2018 – FIPRESCI-Preis
Berlinale 2018 – Teddy Award der Leserjury

 

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Credits:
Las here­de­ras
PY/UY/DE/BR/NO/FR 2018, 95 Min., span. OmU,
Regie: Marcelo Martinessi
Kamera: Luis Armando Arteaga
Schnitt: Fernando Epstein
mit: Ana Brun, Margarita Irún, Ana Ivanova

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Ein Film von Irene Lusztig.

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Die Orte sind nicht wei­ter außer­ge­wöhn­lich, die die Kamera in ruhi­gen Einstellungen ein­rahmt. Tankstellen und Vorstadthäuser, Gärten und Kirchen, Wohnzimmer und Bars. Eher schon die Frauen, die in die­sen Einstellungen die Stimme erhe­ben, und die Erzählungen, die sie wie­der­ge­ben. Sie legen Zeugnis ab, intim und offen­her­zig, erleich­tert dar­über, nicht mehr allein zu sein, oder wütend. Weiterlesen →

Ein Film von Lucia Chiarla.

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Alice weiß nicht wei­ter. Vor Kurzem arbeits­los gewor­den, ver­sucht die 39 jäh­ri­ge wie­der einen Job zu bekom­men und ihre Ansprüche dar­an wer­den im Verlauf der Zeit immer gerin­ger. Sie gibt nicht auf, rennt immer wie­der gegen Wände und ver­tuscht ihre pre­kä­re Lage fort­wäh­rend. Auch nach­dem ihr wegen „Fehlverhalten“ die Bezüge gekürzt wer­den, ver­sucht sie wei­ter­hin mit gro­ßer Vehemenz, Fuß zu fas­sen. Das ent­behrt nicht einer gewis­sen Komik, und doch lau­ert hin­ter jedem neu­en Aufbruch eine unend­li­che, lee­re, ver­zwei­fel­te Traurigkeit. Als Zuschauer möch­te man sie, bei aller Zuneigung, manch­mal schüt­teln und sie zum Aufgeben bewe­gen oder sie zumin­dest auf den Boden holen, weil das Ende stets abseh­bar ist. Aber Alice steht immer wie­der auf, und wir freu­en uns fast, wenn sie dann doch Verzweiflung zulässt, die aller­dings sogleich wie­der über­spielt und ver­drängt wird.

Der Vergleich zu Maren Ades Film „Der Wald vor lau­ter Bäumen“ drängt sich natür­lich auf, zumal Eva Löbau in bei­den Filmen die Hauptrolle spielt. In bei­den Filmen scheint die Protagonistin, und das wahr­schein­lich aus gutem Grund, nicht in der Lage zu sein, sich in der Welt ein­zu­rich­ten und sich zu syn­chro­ni­sie­ren. Oder ist es die Welt, die nichts mit den Figuren anfan­gen kann?

Der Unterschied bei­der Filme scheint in einem Perspektivwechsel zu bestehen: Während in „Der Wald vor lau­ter Bäumen“ die Figur ihrer Umwelt und sich viel zumu­tet, ist es umge­kehrt in „Reise nach Jerusalem“ jedoch die Welt, die sie über­for­dert. Das eine führt in die Tragödie, das ande­re in die Groteske.

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Credits:
DE 2018, 118 Min., Deutsch.m.engl.UT
Regie: Lucia Chiarla
Bildgestaltung: Ralf Noack 
Schnitt: Aletta von Vietinghoff 
mit: Eva Löbau, Beniamino Brogi, Veronika Nowag-Jones, Axel Werner
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Ein Film von Kat Rohrer & Gil Levanon.

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Gil und Kat, die Filmemacherinnen, sind seit ihren College Zeiten in New York Freundinnen. Gil ist aus Israel, Kat aus Österreich. Gil ist die Enkelin eines Holocaust Überlebenden, Kat die eines Nazi-Offiziers.
Gil über­legt, nach Berlin zu zie­hen. Doch sie fürch­tet die Reaktion ihres Grossvaters Yochanan. Dieser wur­de mit 15 Jahren von sei­nen Eltern von Deutschland nach Israel geschickt. Er sah sie nie wie­der. Bis heu­te miss­traut er Deutschen und hält sie für unbe­lehr­ba­re Antisemiten.
Auch die Großmutter von Dan, einem Bildhauer, ver­steht des­sen Entscheidung, nach Berlin zu zie­hen, nicht, wäh­rend Uri sei­nen Enkel Guy unter­stützt, als der nach Salzburg zieht.
Die israe­li­schen Freunde und Familien von Gil, Dan und Guy kön­nen deren Entscheidungen nur schwer akzep­tie­ren. Die jüngs­ten Entwicklungen in Europa, der Terror und die ver­stärk­te Zuwanderung mus­li­mi­scher Flüchtlinge ent­facht eine inten­si­ve Diskussion.

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Credits:
AT, IL, DE, US 2017, 75 Min.,
OmdUT (eng­li­sche und hebräi­sche Fassung mit deut­schen Untertiteln/ eng­li­sche UT bei deut­schen Dialogen)
Regie: Kat Rohrer & Gil Levanon
Kamera: Thomas Marschall
Schnitt: Georg Eggenfellner

Termine:

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Trailer:

Back To The Fatherland – Offical Trailer from Kat Rohrer on Vimeo.

Ein Film von Ulrich Koehler.

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Armin, ein Freiberufler irgend­was in der Medienbranche, wirkt etwas unent­schlos­sen und ziel­los, etwas gleich­gül­tig und auch etwas gelang­weilt. „Etwas“ und „irgend­wie“ müs­sen bei sei­nen Eigenschaften, Gefühlen und Gedanken immer mit­ge­dacht wer­den. Ihn als Slacker zu bezeich­nen, wür­de aber übers Ziel hin­aus­schie­ßen. Der nahen­de Tod sei­ner Großmutter lässt ihn von Berlin in die west­fä­li­sche Provinz rei­sen. Am Tag nach ihrem Tod wacht er in dem Haus sei­nes Vaters auf und stellt fest, dass alle Menschen über Nacht ver­schwun­den sind. Was pas­siert ist, wie es dazu kam, inter­es­siert weni­ger, das Wundern dar­über schon mehr. Nachdem er kurz­zei­tig eine regres­si­ve Phase durch­lebt, baut er sich ein Leben in der Einsamkeit auf, ohne in sein vor­he­ri­ges Phlegma zu ver­fal­len. Als er dann doch noch eine über­le­ben­de Frau ken­nen­lernt, scheint sei­ne Geschichte sich noch ein­mal in eine ganz ande­re Richtung zu wenden…
Ein Film, der der Apocalypse nicht das Sensationelle abge­winnt, son­dern eine rea­lis­ti­sche und betont redu­zier­te Sprache bei­be­hält und den Untergang gleich­zei­tig als Ende und Anfang eines ande­ren Lebens sich vor­zu­stel­len ver­sucht. Ulrich Köhler lässt die Zuschauer aller­dings zurecht allein mit der Beantwortung von Fragen, die er mög­li­cher­wei­se gar nicht gestellt hat. – Aber ange­schubst hat er sie schon.

„In My Room ist ein Film mit vie­len Gesichtern: Ein rea­lis­ti­scher Film über das Fantastische, eine phi­lo­so­phi­sche Studie über Liebe, Einsamkeit und die Frage, wie man sei­nen Platz in der Welt fin­det.“ (Joachim Kurz)

Now it’s dark and I’m alone
But I won’t be afraid
In my room
In my room
(Brian Wilson/Beach Boys)

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Credits:
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DE 2018, 120 Min., 
Buch & Regie: Ulrich Koehler
Kamera: K. Patrick Orth
Schnitt: Laura Lauzemis
mit: Hans Löw, Elena Radonicich, Michael Wittenborn, Ruth Bickelhaupt, Emma Bading, Katharina Linder
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Termine:

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Ein Film von Ziad Doueiri.

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Kleine Auseinandersetzung + Ressentiments -› gro­ßes Drama:
Ein defek­ter Balkonabfluss reicht aus, um ein Land in eine mit­tel­schwe­re Krise zu manö­vrie­ren. Es tropft aus einem Rohr auf den Kopf des Vorarbeiters Yasser, der kurz­ent­schlos­sen auf eine Leiter steigt und die Sache rich­tet. Yasser ist Palästinenser, lebt und arbei­tet seit 30 Jahren in Beirut. Toni, liba­ne­si­scher Christ und Bewohner der zum Balkon gehö­ri­gen Wohnung, fin­det die eigen­mäch­ti­ge Aktion nicht in Ordnung, sol­len die Fußgänger doch die ande­re Straßenseite benut­zen, wenn sie nicht nass wer­den wol­len, fin­det er. Ein Streit, der eska­liert. Versöhnungsversuche lau­fen schreck­lich schief, die Beleidigungen des hitz­köp­fi­gen Toni gehen unter die Gürtellinie, die kör­per­li­che Erwiderung Yassers hat Folgen. Während ihre Frauen und Familien ver­su­chen, die Männer und die Lage zu beru­hi­gen, wird die Unterstützung auf der Straße immer grö­ßer. Ein Stellvertreterkrieg ent­wi­ckelt sich, die Angelegenheit kommt schließ­lich vor Gericht, hoch­ka­rä­ti­ge Anwälte enga­gie­ren sich, inter­na­tio­na­le Medien wer­den auf­merk­sam, Vergangenes wird auf­ge­rollt. Schließlich will sogar der Präsident ver­mit­teln, aber eine Lösung ist noch immer nicht in Sicht. Wäre es nicht so schreck­lich leicht vor­stell­bar, könn­te man herz­lich lachen.

„Irgendwann, nach­dem die bei­den Männer längst zu Symbolfiguren in der natio­na­len Presseberichterstattung und für Tausende auf den Straßen, die in ihrem Gerichtsverfahren einen Grundsatzkampf sehen, gewor­den sind, wird auch der Grund von Tonys radi­ka­ler Einstellung offen gelegt. Dadurch erlangt der liba­ne­si­sche Bewerber um den Auslands-Oscar bei sei­ner Auseinandersetzung mit innen­po­li­ti­schen Ressentiments und Traumata auch eine uni­ver­sel­le Ebene und hält nicht nur dem Libanon den Spiegel vor.“ indiekino

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Credits:

L’insulte
FR/LB 2017, 113 Min, arab. OmU
Regie: Ziad Doueiri
Kamera: Tommaso Fiorilli
Schnitt: Dominique Marcombe
mit: Adel Karam, Rita Hayek, Kamel El Basha, Camille Salameh

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Im Kino in Arabisch mit deut­schen Untertiteln.

Ein Film von Kiril Serebrennikov.

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Leto heißt Sommer und der hat im Leningrad der frü­hen 1980er Jahre alles, was einen Sommer aus­macht. Zumindest für die klei­ne Gruppe Rockpunkmusiker und ihre Fans, die hier sich und ihre Nische gefun­den haben. Über den Hinterhof durchs Toilettenfenster bil­li­ger zum Konzert im zeit­wei­se ein­zi­gen Rockclub der UDSSR oder am ecki­gen Tisch mit der Parteiaufsicht dar­über strei­ten, wer auf der Bühne ste­hen darf, ohne sei­ne Umgebung zu zer­set­zen, das sind die Optionen. In der Sowjetunion lie­fen erst ab Mitte der 60er elek­tri­sche Gitarren vom Band, gebaut im Traktorenwerk Ordjonikidze IV, und in den 70ern wur­de schließ­lich zäh­ne­knir­schend ein­ge­se­hen, dass Popmusik nicht voll­stän­dig abbau­bar ist.
Der Star der Leningrader Szene der 80er heißt Mike, Sänger der Gruppe ‚Zoopark‘, eine Figur, die direkt an Mike Naumenko ange­lehnt ist, einem Pionier der Szene. Mike ist ein alter Hase, fast schon eta­bliert im Kampf mit der Zensur. Zu Hause bewäl­tigt Natascha, Muse und Mutmacherin spie­lend die drei magi­schen Ks, wäh­rend das männ­li­che Rockmusikpersonal fest­stellt, dass im Westen spie­len durch die mas­si­ve Konkurrenz auch die Gefahr des frei­en Falls beinhal­ten könn­te. Daheim sei man doch bes­ser auf­ge­ho­ben. Bei die­ser Szene kann auch die bes­te Kettensäge kei­ne Schneise mehr durch den Rauch schla­gen, wäh­rend einen der gefühl­te Alkoholdunst ent­spannt mit dem Kinosessel ver­schmel­zen läßt. Viktor heißt dann das New Kid in Town, der Musik und Beziehung auf­frischt, ange­lehnt an Viktor Robertowitsch Zoi der Band ‚Kino‘, der zur Ikone des Sowjetrock wur­de. Die Jüngeren kön­nen sich viel­leicht noch an Brennende Langeweile erin­nern, in dem Spannungsfeld hal­ten sich Viktor und Mike auf.
Leto ist Hommage und Geschichtserzählung, Aufbruch und Abruch, Alkohol & Nikotinnebel und es gibt wun­der­schö­ne Musicaleinlagen (z. B. The Passenger in der Straßenbahn). Der Regisseur Kirill Serebrennikow konn­te sei­nen Film im Wettbewerb von Cannes nicht vor­stel­len, weil er unbe­grenz­ten Hausarrest auf­grund poli­ti­scher Dissidenz hat.

Credits:
RU 2018, 126 Min., russ. OmU
Regie: & Schnitt: Kiril Serebrennikov
Kamera: Vladislav Opelyants
mit: Teo Yoo, Irina Starshenbaum, Roma Zver, Anton Adasinsky, Liya Akhedzhakova

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Trailer:

Trailer LETO from xenix­film on Vimeo.