Kategorie: archiv

Ein Film von Jessica Hausner.

[Credits] [Termine] [Trailer]

Eine bestechen­de Idee, und ihre kon­ge­nia­le Umsetzung: eine klei­ne, strub­be­li­ge Pflanze, die so gen-mani­pu­liert wur­de, dass sie Menschen glück­lich macht, kämpft mit allen ihr zur Verfügung ste­hen­den Mitteln um das Überleben ihrer Art, und geht dabei auch über Leichen.
Alice, Biologin und füh­ren­de Entwicklerin und anfangs glü­hen­de Verteidigerin die­ses geplan­ten Verkauf-Hits, reimt sich die bedroh­li­chen Veränderungen in ihrer Umgebung so zusam­men. Sie hat einen Prototyp der pur­pur­ro­ten Blume mit nach Hause genom­men, sie „Little Joe“ genannt und ihrem Sohn Joe anver­traut, der sich rüh­rend um sie küm­mert. Jetzt ver­wei­gert der sich aber der Mutter immer mehr. Und was hat das beun­ru­hi­gen­de Verhalten des Hundes der Kollegin her­vor­ge­ru­fen? Und war­um will plötz­lich nie­mand im Labor eine Gefahr erken­nen? Es scheint Alice, als wen­de sich nicht nur Joe, son­dern auch ihre eige­ne Züchtung gegen sie. Aber ist wirk­lich die klei­ne Blume für all das ver­ant­wort­lich? Oder ist es nur ihre Projektion? Joe ist schließ­lich in der Pubertät und Bellas Hund könn­te alters­ver­wirrt sein.
In die­se moder­ne Body-Snatcher-Version kann viel hin­ein­in­ter­pre­tiert wer­den. Ebenso aber kön­nen die gesell­schaft­li­chen Fragen, die auf­ge­wor­fen wer­den, uns beun­ru­hi­gen. Jessica Hausner beob­ach­tet scharf, lässt Lücken zu und ver­sorgt uns oben­drein noch mit etwas schwar­zem Humor. Mit ihrer uni­chro­men und kom­ple­men­tä­ren Farbgebung, bril­li­an­ter Künstlichkeit und der unge­wöhn­li­chen, aber unauf­dring­li­chen Tonbegleitung macht uns die Regisseurin in ihrem ers­ten eng­lisch­spra­chi­gen Film vor, wie anspre­chend Unbehagen dar­ge­stellt wer­den kann.

„Wie alle Filme von Hausner birgt des­halb auch Little Joe im Kern ein höchst iro­ni­sches Anliegen. Es geht nicht um die Frage, wer Menschen mani­pu­liert, son­dern viel­mehr dar­um, was uns am ande­ren unver­traut ist. Das Pflänzchen wur­de gezüch­tet, um sei­ne Besitzer durch das „Mutterhormon“ Oxytocin glück­li­cher zu machen. Nun wird es zum Statthalter eines Befremdens, das auch den eige­nen Egoismus ent­larvt.“ Dominik Kamalzadeh | Der Standard

 

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Credits:

AT/GB/DE 2019, 109 Min., engl. OmU
Regie: Jessica Hausner
Kamera: Martin Gschlacht
Schnitt: Karina Ressler
mit: Emily Beecham, Ben Wishaw, Kerry Fox

Termine:

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Trailer:

 A film by Jessica Hausner. In English with German subtitles.

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Alice, a sin­gle mother, is a dedi­ca­ted seni­or plant bree­der at a cor­po­ra­ti­on enga­ged in deve­lo­ping new spe­ci­es. She has engi­nee­red a very spe­cial crims­on flower, remar­kab­le not only for its beau­ty but also for its the­ra­peu­tic value: if kept at the ide­al tem­pe­ra­tu­re, fed pro­per­ly and spo­ken to regu­lar­ly, this plant makes its owner hap­py. Against com­pa­ny poli­cy, Alice takes one home as a gift for her teenage son, Joe. They chris­ten it ‘Little Joe’ but as it grows, so too does Alice’s sus­pi­ci­on that her new crea­ti­ons may not be as harm­less as their nick­na­me suggests.

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Credits:

AT/GB/DE 2019, 109 Min., engl. OmU
Regie: Jessica Hausner
Kamera: Martin Gschlacht
Schnitt: Karina Ressler
mit: Emily Beecham, Ben Wishaw, Kerry Fox

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Ein Film von Valentina Primavera.

[Credits]  [Trailer]

Nach der letz­ten Episode von häus­li­cher Gewalt beschließt Fiorella nach 40 Jahre Ehe ihren Mann zu ver­las­sen. Mit 58 Jahren reicht sie die Scheidung ein, und macht sich auf den Weg sich selbst und ihre Freiheit zu finden.

Ihre Tochter Valentina beglei­tet sie mit ihrer Kamera auf die­ser kom­ple­xen Reise, die sie zuerst nach Berlin und dann wie­der nach Italien zurück­führt. Sie doku­men­tiert mit scho­nungs­los ehr­li­che Blick den Versuch Fiorellas, sich end­lich von ihrem Mann zu tren­nen und ein Leben für sich allei­ne auf­zu­bau­en – was nicht von allen ver­stan­den wird. So kon­fron­tiert die­se Entdeckungsreise nicht nur Fiorella und ihre Tochter mit ihren eige­nen Wünschen, Hoffnungen und Grenzen, son­dern auch mit den patri­ar­cha­len Strukturen ihrer Familie und ihrer Umwelt.

„Ich habe zu fil­men begon­nen, um einen Moment des Mutes festzuhalten,
als ein Zeichen mei­ner Bewunderung und Dankbarkeit”
Valentina Primavera

„Die Kamera ist ein gna­den­lo­ser Apparat. Ihre Gnadenlosigkeit auszuhalten–darin liegt diephy­si­sche Kraft
und Anstrengung die­ses Films.“ (Lukas Stern – DOK Leipzig)

„Ein roher und sehr klu­ger Film über Mütter, Familien und Väter und die Frage
was es bedeu­tet eine Tochter zu sein.” (Jan Sebening DOK Fest München)

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Credits:

AT/IT/DE 2018, 80 Min., ital. OmU
Regie & Kamera: Valentina Primavera
Schnitt: Federico Neri

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A film by Valentina Primavera. In Italian with German subtitles.

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A wife wants a divorce; her daugh­ter picks up her came­ra. Hope blos­soms. Perhaps the cha­os of suf­fe­ring, con­tempt and vio­lence will final­ly subs­i­de. But fami­lies are fami­lies and fathers remain fathers. Then what about the mother? A homage to a smart, vul­nerable and strong woman.

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Credits:

AT/IT/DE 2018, 80 Min., ital. OmU
Regie & Kamera: Valentina Primavera
Schnitt: Federico Neri

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Ein Film von Grit Lemke . Am 13. + 14.12. im fsk.

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„Meine Schaukel steht in einem ver­wun­sche­nen Garten, gleich hin­ter dem Bahndamm. Wenn ich beim Schaukeln ganz oben bin, sehe ich die Züge, die Tag und Nacht quiet­schen und schwar­zen Staub hin­ter­las­sen. Sie kom­men aus den rie­si­gen Löchern, die zwi­schen unse­ren Dörfern klaf­fen. Als Kind den­ke ich, die gan­ze Welt sieht so aus. Löcher mit Dörfern dazwi­schen, in der Mitte mei­ne Schaukel. Und die Züge. Es sind Kohlezüge.“

Gerhard Gundermann (1955–1998), Liedermacher, Poet und Baggerfahrer im Braunkohletagebau in der Lausitz. In die­ser Region ver­dich­ten sich glo­ba­le Problemstellungen auf loka­ler Ebene wie in einem Brennglas – vom Strukturwandel bis hin zur Klimakrise. Größtenteils unver­öf­fent­lich­te Archivaufnahmen und Gundermanns Lieder gehen dabei einen Dialog ein mit Beobachtungen und Gesprächen in des­sen „Revier“, beglei­tet von der Voice-Over-Stimme der Regisseurin, die nicht min­der im Kohlegebiet ver­wur­zelt ist. Heimat und deren Zerstörung durch den Tagebau, uto­pi­sche Gedanken und die Frage nach der indi­vi­du­el­len Verantwortung durch­zie­hen die Songs eben­so wie die Folgen für Erwerbsarbeit und Umwelt am Ende des Industriezeitalters. Und sie sind heu­te aktu­el­ler denn je: „Wo mei­ne Schaukel stand und spä­ter dein Bagger, ist jetzt ein See.“

Frederik Lang

Credits:

DE 2019, 98 Min.
Regie: Grit Lemke
Kamera: Uwe Mann
Schnitt: Sven Kulik

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GUNDERMANN REVIER – Trailer from Gregor Streiber on Vimeo.A film by Grit Lemke . On December 13th + 14th at the fsk.

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„My swing stands in an enchan­ted gar­den, just behind the rail­way embank­ment. When I’m at the top of the swing, I see trains sque­al­ing by day and night, lea­ving black dust behind. They come from huge holes gaping bet­ween our vil­la­ges. As a child I thought the who­le world loo­ked like this. Holes with vil­la­ges in bet­ween, my swing in the midd­le. And the trains. They are coal trains.”

Gerhard Gundermann (1955–1998), sin­ger-song­wri­ter, poet and excava­tor ope­ra­tor in the Lusatian brown coal mines. In this regi­on, glo­bal pro­blems are con­den­sed on a local level as if by a bur­ning glass – from struc­tu­ral chan­ge to cli­ma­te cri­sis. Mostly unpu­blished archi­ve mate­ri­al and Gundermann’s songs enter into a dia­lo­gue with obser­va­tions and con­ver­sa­ti­ons in his “dis­trict”, accom­pa­nied by the voice-over of the direc­tor, who is no less deep­ly roo­ted in the coal mining dis­trict. Home and its des­truc­tion through strip mining, uto­pian ide­as and the ques­ti­on of indi­vi­du­al respon­si­bi­li­ty run through the songs, as do their con­se­quen­ces for gain­ful employ­ment and the envi­ron­ment at the end of the indus­tri­al age. And they are more topi­cal than ever today: “Where my swing stood and later your excava­tor the­re is now a lake.”

Frederik Lang

 

Credits:

DE 2019, 98 Min.
Regie: Grit Lemke
Kamera: Uwe Mann
Schnitt: Sven Kulik

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GUNDERMANN REVIER – Trailer from Gregor Streiber on Vimeo.

Ein Film von Stéphane Riethauser .

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Madame – das ist Caroline, die Grossmutter von Stéphane Riethauser. Eine alte Dame, die ab den ers­ten Aufnahmen ahnen lässt, dass sich hin­ter ihrer koket­ten Frisur und den bour­geoi­sen Manieren eine sel­te­ne Charakterstärke ver­birgt. Im Mittelpunkt des Films steht ihre Beziehung: Ein dop­pel­tes Selbstporträt, in dem die Matriarchin und ihr Filme machen­der, schwu­ler Enkel sich ein­an­der anver­trau­en. Das üppi­ge Familienarchiv stellt nicht nur das Material einer (fas­zi­nie­ren­den) Familiensaga, son­dern bil­det vor allem das Mittel für eine neue Form des Dialogs zwi­schen dem Filmemacher und sich selbst, mit sei­ner Grossmutter und mit der bür­ger­li­chen Gesellschaft, in der er auf­ge­wach­sen ist. Aus die­sen Bildern und Konfrontationen schöpft der Film sei­ne sub­ver­si­ve Kraft, indem er die Geschlechterklischees, die jeden in einer Rolle gefan­gen hal­ten, mit einer not­wen­di­gen Aufrichtigkeit dekon­stru­iert. Angefangen bei den von Stéphane als Kind gedreh­ten Super-8-Kurzfilmen, deren zen­tra­les Thema die Huldigung des Männlichkeitswahn war, bis hin zu die­sem Film bie­tet er uns die Möglichkeit, den Werdegang eines Mannes zu ver­fol­gen, der es wie einst auch sei­ne Ahnin ver­stand, sich aus den Fesseln einer patri­ar­cha­li­schen Gesellschaft zu befreien.
Céline Guénot

Credits:

CH 2019, 93 Min., frz. OmU
Regie, Buch & Kamera: Stéphane Riethauser 
Schnitt: Natali Barrey

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MADAME (offi­zi­el­ler Trailer/DEU UT) from Stéphane Riethauser on Vimeo.A film by Stéphane Riethauser . In French with German subtitles.

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Madame − that’s Caroline. An elder­ly lady, who imme­dia­te­ly makes it clear that the­re is more to her than just a coquet­tish hair­style and bour­geois man­ners. The focal point of the movie is the rela­ti­onship with her grand­son, film­ma­ker Stéphane Riethauser. Madame is a dou­ble self-por­trait, in which the matri­arch and her gay grand­son con­fi­de in each other. With humor but in a pro­found man­ner and with sub­ver­si­ve force, the film decon­s­tructs gen­der ste­reo­ty­pes and illus­tra­tes the saga of a midd­le-class fami­ly with archi­ve pictures.

Credits:

CH 2019, 93 Min., frz. OmU
Regie, Buch & Kamera: Stéphane Riethauser 
Schnitt: Natali Barrey

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MADAME (offi­zi­el­ler Trailer/DEU UT) from Stéphane Riethauser on Vimeo.

Ein Film von Claire Pijman.

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Robby Müller (1940–2018) war eine Lichtgestalt, nur anders, als man die­ses Wort gemein­hin ver­steht. Er hät­te gut einen der wei­sen und wort­kar­gen Indianer in Jim Jarmuschs Spätwestern „Dead Man“ dar­stel­len kön­nen. Das ging nur nicht, weil er für die­sen Film als Director of Photography fun­gier­te und dort wie in rund 70 ande­ren Meisterwerken des inter­na­tio­na­len Autorenkinos sein spe­zi­el­les, einer­seits fest und wie gemalt, aber zugleich durch­schei­nend und flir­rend sich geben­des Licht auf die Leinwand zauberte.

Über Jahrzehnte führ­te der Kameramann ein Videotagebuch, das die Filmemacherin Claire Pijman bereits für die gro­ße Ausstellung „Master of Light“ im Amsterdamer Filmmuseum EYE auf­ar­bei­te­te und wel­ches sie nun in ihrem eige­nen Film „Living the Light“ als zen­tra­len Bildfundus nutzt. Über einer Sequenz zwi­schen Dennis Hopper und Nicholas Ray aus Wim Wenders’ „Der ame­ri­ka­ni­sche Freund“ erzählt die Kamerakollegin Agnès Godard, dass Meisterschaft für sie erst dar­in zum Ausdruck kommt, wenn sich die Grandezza einer Kameraarbeit in den Szenen sel­ber zum Verschwinden gebracht hat, weil sie wie selbst­ver­ständ­lich dar­in ent­hal­ten ist. Seltsam, dass man Robby Müllers Bilder fast immer auch zu hören glaubt. In „Living the Light“ wird die­ser Eindruck for­ciert durch fein impro­vi­sier­te Soundscapes von Jim Jarmusch und Carter Logan.

Ralph Eue | Dok Leipzig

LIVING THE LIGHT ist nicht nur eine inter­es­san­te Biographie und span­nen­der Lehrfilm in Sachen Kameraarbeit, Lichtsetzung etc., son­dern auch sehr anre­gend. Beim Schauen bekommt man gro­ße Lust auf Filme, bei denen ROBBY MÜLLER Kameramann war. Deshalb zei­gen wir eine Auswahl an den fol­gen­den Wochenend- und Feiertag-Nachmittagen:

ALICE IN DEN STÄDTEN von Wim Wenders
BRD 1973/1974, 112 Min. Format: 16mm blow up 35mm schwarz-weiß, 4K Scan und 2K Restaurierung 2014, 2K DCP R.: Wim Wenders D.: Rüdiger Vogler, Yella Rottländer, Lisa Kreuzer

Der Journalist Phillip Winter will eine Story über Amerika schrei­ben, bekommt aber außer einer Serie von Polaroids nichts auf die Reihe und tritt ent­täuscht die Heimreise nach Deutschland an. Dabei läßt er sich wider­wil­lig dar­auf ein, die klei­ne Alice (Yella Rottländer) für eine kur­ze Zeit in sei­ne Obhut zu neh­men. Die dann fol­gen­de unfrei­wil­li­ge gemein­sa­me Odyssee von New York über Amsterdam nach Wuppertal und durch das Ruhrgebiet gestal­tet sich zunächst schwie­rig, sind doch bei­de Reisende gleich lau­nisch und eigensinnig.

DOWN BY LAW von Jim Jarmusch
USA 1986 106 Min. engl. OmU
R., B.: Jim Jarmusch
D.: John Lurie, Tom Waits, Roberto Benigni
Drei sehr unter­schied­li­che Männer, Roberto Benigni auf der einen, Tom Waits (der übri­gens gera­de 70 wur­de) und John Lurie auf der ande­ren Seite, pral­len im rus­ti­ka­len Landgefängnis im Süden auf­ein­an­der. Obwohl sie sich nicht aus­ste­hen kön­nen, was Benigni wegen sei­ner stän­di­gen Quassellei nicht merkt, bre­chen sie gemein­sam aus und pad­deln durch die male­ri­sche Sumpflandschaft Louisianas in die Freiheit.

DANCER IN THE DARK von Lars von Trier
DK SE FIN 2000 139 Min. OmU (eng­li­sche OV mit dt. Untertiteln)
R., B.: Lars von Trier
D.: Björk (auch Musik), Catherine Deneuve, David Morse, Peter Stormare

Der letz­te Teil sei­ner Trologie über „tra­gi­sche Frauengestalten, die sich für ande­re auf­op­fern und deren Liebe nicht davon abhängt wie sie – vom Schicksal oder von den Menschen – behan­delt wer­den“ (von Trier) wur­de in Cannes mit der Goldenen Palme aus­ge­zeich­net, wor­an neben der Kamera die unge­wöhn­li­che Musical-Form und die eben­falls dort aus­ge­zeich­ne­te Hauptdarstellerin Björk sicher­lich einen gro­ßen Anteil hatten.

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Credits:

NL DE 2018 86 Min. OmU (Engl., Niederl., Franz. mit deut­schen Untertiteln)
Regie : Claire Pijman
Kamera : Robby Muller, Claire Pijman 
Schnitt: Katharina Wartena
Music: Squrl (Jim Jarmusch and Carter Logan)

offi­zi­el­le Webseite (engl.) livingthelight.nl

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Termine Filme Robby Müller:

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Living the Light – die Bilderwelten des Robby Müller / Trailer from Chromosom Film on Vimeo.

 A film by Claire Pijman. In English, French and Dutch with German subtitles.

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Robby Müller (1940–2018) was a lumi­na­ry, but not in the way this term is com­mon­ly used. He could easi­ly have play­ed one of the wise and taci­turn Indians in Jim Jarmusch’s Acid Western “Dead Man”. But that was impos­si­ble becau­se he was the DOP of this film, for which he con­ju­red his spe­cial, firm and almost pain­ter­ly, but also trans­pa­rent and shim­me­ring light onto the screen, as he did for around 70 other mas­ter­pie­ces of inter­na­tio­nal auteur cinema.

Over deca­des the cine­ma­to­grapher kept a video dia­ry which the film­ma­ker Claire Pijman alre­a­dy work­ed with for the gre­at exhi­bi­ti­on “Master of Light” at the Amsterdam EYE Film Museum and which she now uses as the cen­tral pool of images for her own film, “Living the Light”. Fellow cine­ma­to­grapher Agnès Godard says about a sequence bet­ween Dennis Hopper and Nicholas Ray from Wim Wenders’ “The American Friend” that mas­ter­ship for her is achie­ved only when the gran­deur of the cine­ma­to­gra­phy makes its­elf vanish from a sce­ne becau­se it beco­mes its natu­ral com­po­nent. Strange that one always feels that one can almost hear Robby Müller’s images. In “Living the Light”, this impres­si­on is under­li­ned by deli­ca­te­ly impro­vi­sed sound­scapes by Jim Jarmusch and Carter Logan.

Ralph Eue

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Credits:

NL DE 2018 86 Min. OmU (Engl., Niederl., Franz. mit deut­schen Untertiteln)
Regie : Claire Pijman
Kamera : Robby Muller, Claire Pijman 
Schnitt: Katharina Wartena
Music: Squrl (Jim Jarmusch and Carter Logan)

offi­zi­el­le Webseite (engl.) livingthelight.nl

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Living the Light – die Bilderwelten des Robby Müller / Trailer from Chromosom Film on Vimeo.

 

Ein Film von Bernhard Sallmann.

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Mit Havelland Fontane schließt Bernhard Sallmann sei­ne 2016 begon­ne­ne vier­tei­li­ge Serie zu Theodor Fontanes (1819−1898) Reisereportagen „Wanderungen durch die Mark Brandenburg“ ab. Während die ers­ten drei Filme Erkundungen des länd­li­chen Raums sind, ist in Havelland Fontane auch die Verschmelzung einer Flusslandschaft mit dem Großraum Berlin-Potsdam ein zen­tra­les Thema. Fontane legt die Grundlagen der Entstehung der Mark frei und schil­dert das Ringen der natur­re­li­giö­sen wen­di­schen Kultur mit der aus dem Westen andrän­gen­den christ­li­chen im 12. Jahrhundert. Er schil­dert dabei an vie-len Beispielen die Austauschverhältnisse der Mark mit der rasch wach­sen­den Großstadt. In den gemäl­de­haf­ten und lang ver­wei­len­den Tableaus ent­steht ein Resonanzraum, der Zeiten, Orte und ver­blüf­fen­de Geschichten amalgamiert.

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Credits:

DE 2019, 109 Min., 
Regie, Kamera: Bernhard Sallmann

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Ein Film von Karim Aïnouz.

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Rio de Janeiro, 1950. Die unzer­trenn­li­chen Schwestern Eurídice und Guida sind vol­ler Träume: Eurídice will Konzertpianistin wer­den, Guida träumt von Liebe und Freiheit. Doch in der Enge des kon­ser­va­ti­ven Elternhauses ist kein Platz für sol­che Pläne. Vater Manoel schaut sich viel­mehr nach viel­ver­spre­chen­den poten­ti­el­len Ehemännern für sei­ne Töchter um. Doch Guida, unsterb- lich ver­liebt in den Seemann Yorgos, geht mit ihm heim­lich nach Griechenland. Als sie Monate spä­ter zurück­kehrt, ver­las­sen und schwan­ger, weist ihr Manoel die Tür. Er lässt sie glau­ben, Eurídice sei zum Klavierstudium nach Wien gegan­gen und wol­le kei­nen Kontakt mehr zu Guida. So leben die Schwestern über Jahre in Rio, ohne von­ein­an­der zu wis­sen. Jede kämpft für sich dar­um, ein eige­nes, selbst­be­stimm­tes Leben zu haben. Eurídice ver­folgt ihren Traum der Musik- kar­rie­re gegen alle Widerstände wei­ter, auch als sie längst ver­hei­ra­tet und Mutter ist, wäh­rend sich Guida mit Hilfe ihrer Nachbarin Filomena lang­sam so etwas wie ein eige­nes Zuhause auf- baut. Was ihnen Kraft gibt, ist die nie ver­sie­gen­de Hoffnung, sich eines Tages wiederzufinden.

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Credits:

A Vida Invisível De Eurídice Gusmão
BR/DE 2019, 139 Min., por­tu­gi­schi­sche OmU
Regie: Karim Aïnouz
Kamera: Hélène Louvart
Schnitt: Heike Parplies
mit:
Fernanda Montenegro
Carol Duarte
António Fonseca
Gregório Duvivier
Júlia Stockler

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 A film by Karim Aïnouz. Portuguese with German subtitles.-

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Rio de Janeiro, 1950. Eurídice, 18, and Guida, 20, are two inse­pa­ra­ble sis­ters living at home with their con­ser­va­ti­ve par­ents. Although immer­sed in a tra­di­tio­nal life, each one nou­ris­hes a dream: Eurídice of beco­ming a renow­ned pia­nist, Guida of fin­ding true love. In a dra­ma­tic turn, they are sepa­ra­ted by their father and forced to live apart. They take con­trol of their sepa­ra­te desti­nies, while never giving up hope of fin­ding each other. Adapted from a novel, Karim Aïnouz’s film is an astu­te anti-racist melo­dra­ma that reve­als the mecha­nisms of patri­ar­chal socie­ty. Behind the his­to­ric back­drop lies the dream of a Brazil based on jus­ti­ce, equa­li­ty, and diversity.

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Credits:

A Vida Invisível De Eurídice Gusmão
BR/DE 2019, 139 Min., por­tu­gi­schi­sche OmU
Regie: Karim Aïnouz
Kamera: Hélène Louvart
Schnitt: Heike Parplies
mit:
Fernanda Montenegro
Carol Duarte
António Fonseca
Gregório Duvivier
Júlia Stockler

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Ein Film von Sabu.

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JAM ist eine schwarz­hu­mo­ri­ge Komödie und erzählt im klas­si­schen SABU-Stil drei Geschichten, die zu einem ful­mi­nan­ten und aber­wit­zi­gen Finale ver­wo­ben wer­den: Hiroshi ist Schlagersänger und vor allem bei Damen mitt­le­ren Alters beliebt. Takeru ver­dient sein Geld als Chauffeur. Seine Freundin Misaki ist schwer krank und liegt im Sterben. Tetsuo ist frisch aus dem Gefängnis ent­las­sen. Als er sei­nen Punker-Kumpel Tamaki besucht, begrüßt die­ser ihn mit einem Fausthieb. SABU lässt die drei Leben sei­ner unwis­sen­den Protagonisten wie Schnellzüge auf­ein­an­der zu rasen.

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Credits:

JP 2018, 90 Min., jap. OmU
Regie: Sabu
Buch: Sabu

mit:Sho Aoyagi, Keita Machida, Nobuyuki Suzuki

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 A film by Sabu. In Japanese with German subtitles.

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Hiroshi (Sho Aoyagi), Takeru (Keita Machida) and Tetsuo (Nobuyuki Suzuki) all live in the same city. Hiroshi is an unpo­pu­lar idol sin­ger and he feels a void in his life. He is pla­ced under con­fi­ne­ment by his fan Masako. Takeru belie­ves that a girl returns to con­scious­ness. Tetsuo deci­des to take reven­ge on a yaku­za who sent him to prison.

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Credits:

JP 2018, 90 Min., jap. OmU
Regie: Sabu
Buch: Sabu

mit:Sho Aoyagi, Keita Machida, Nobuyuki Suzuki

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Ein Film von Paul Schrader.

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Durch die Wiederaufführung des für Cannes frisch digi­ta­li­sier­tem Director‘s Cut des Regisseurs und Taxi-Driver-Autors Paul Schrader (zuletzt bei uns mit First Reformed) kön­nen wir uns ein neu­es Bild machen von sei­nem 1985 gedreh­ten fünf­ten Spielfilm. Damals war es ein Flop an der Kinokasse, war das Werk doch zu unkon­ven­tio­nell, zu eigen­wil­lig und viel­schich­tig. Das Biopic über Leben und vor allem Tod des berühm­ten, aber auch schrä­gen japa­ni­schen Schriftstellers Yukio Mishima, der sich in sei­nem Streben nach abso­lu­ter Schönheit in einen faschis­to­iden Ästhetizismus und einen Kult der Gewalt ver­stieg und schließ­lich 1970 ritu­el­len Selbstmord beging, ist „ein wich­ti­ger Versuch über das schwie­ri­ge Verhältnis zwi­schen Kunst und Leben, Ästhetik und Moral“ sagt das Lexikon des inter­na­tio­na­len Films.

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Credits:

JP/US 1985, 121 Min., Regie: Paul Schrader, mit: Ken Ogata, Masayuki Shionoya, Hiroshi Mikami, Junya Fukuda

Termine:

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Trailer:

 A film by Paul Schrader.

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The film sets in on November 25, 1970, the last day in Mishima’s life. He is shown finis­hing a manu­script. Then, he puts on a uni­form he desi­gned for hims­elf and meets with four of his most loy­al fol­lo­wers from his pri­va­te army.

In flash­backs high­light­ing epi­so­des from his past life, the view­er sees Mishima’s pro­gres­si­on from a sick­ly young boy to one of Japan’s most acclai­med wri­ters of the post-war era (who in adult­hood trains hims­elf into the acme of mus­cu­lar disci­pli­ne, owing to a mor­bid and mili­ta­ristic obses­si­on with mas­cu­li­ni­ty and phy­si­cal cul­tu­re). His loathing for the mate­ria­lism of modern Japan has him turn towards an extre­mist tra­di­tio­na­lism. He sets up his own pri­va­te army and pro­claims the rein­sta­ting of the emper­or as head of state.

The bio­gra­phi­cal sec­tions are inter­wo­ven with short dra­ma­tiza­ti­ons of three of Mishima’s novels: In The Temple of the Golden Pavilion, a stut­te­ring aspi­rant sets fire to the famous Zen Buddhist temp­le becau­se he feels infe­ri­or at the sight of its beau­ty. Kyoko’s House depicts the sado­ma­so­chi­stic (and ulti­m­ate­ly fatal) rela­ti­onship bet­ween a midd­le-aged woman and her young lover, who is in her finan­cial debt. In Runaway Horses, a group of young fana­tic natio­na­lists fails to over­throw the govern­ment, with its lea­der sub­se­quent­ly com­mit­ting sui­ci­de. Dramatizations, frame sto­ry, and flash­backs are seg­men­ted into the four chap­ters of the film’s title, named Beauty, Art, Action, and Harmony of Pen and Sword.

The film cul­mi­na­tes in Mishima and his fol­lo­wers taking hos­ta­ge a General of the Japan Self-Defense Forces. He addres­ses the garrison’s sol­diers, asking them to join him in his strugg­le to rein­sta­te the Emperor as the nation’s sove­reign. His speech is lar­ge­ly igno­red and ridi­cu­led. Mishima then returns to the General’s office and com­mits seppuku.

(wiki­pe­dia)

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Credits:

JP/US 1985, 121 Min., Regie: Paul Schrader, mit: Ken Ogata, Masayuki Shionoya, Hiroshi Mikami, Junya Fukuda

Termine:

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Trailer:

 

Wir freu­en uns sehr, die­ses Jahr Partnerkino der fran­zö­si­schen Filmwoche Berlin zu sein.

In unse­rem aus­ge­such­tem Programm fin­den sich bekann­te Namen wie Agnes Vardas, deren letz­ten Film und Berlinale-Beitrag VARDA PAR AGNÈS wir zei­gen (Sa., 20:00), oder der Eröffnungsfilm von Venedig von Cannes-Gewinner Kore-Eda, LA VÉRITÉ, der erst­mals außer­halb Japans dreh­te, dafür mit Catherine Deneuve und Juliette Binoche (Di., 3.12., 20:00 Uhr). Auch Catherine Corsini ist kei­ne Unbekannte, dies­mal setzt sie mit UN AMOUR IMPOSSIBLE (So., 1.12., 20:15) einen Bestseller in Szene. Ihre Hauptdarstellerin Virginie Efira hat bei uns am Sonntag ein Doppel: in SIBYL, Justine Triets Wettbewerbsbeitrag von Cannes, spielt sie eine Autorin und Psychotherapeutin.

Besuch bekom­men wir von zwei recht neu­en Gesichtern in der Filmwelt: Claire Burger (Party Girl) stellt C’EST ÇA L’AMOUR, eine Scheidungsgeschichte mit Bouli Lanners vor (29.12., 20:00), und Stéphane Batut sei­ne Geist-Geschichte VIF-ARGENT / DER FLÜSSIGE SPIEGEL, der in Cannes in der span­nen­den Nebenreihe ACID sei­ne Premiere hat­te (2.12. 20:00)

Eröffnet wird „unse­re“ Filmwoche mit dem Dokumentarfilm über Leidenschaft für Klänge und Geräusche, L’ESPRIT DES LIEUX (28.12., 20:00), abschlie­ßen wer­den wir mit dem neus­ten Film der mit ihren Filmen bei uns gern gese­he­nen Mia Hansen-Løve (Un amour de jeu­nesse, L’avenir), MAYA, der einem Fotoreporter, der gera­de aus Geiselhaft befreit wur­de, nach Goa folgt (4.12. 20:00). Alle Filme lau­fen in der franz. Originalfassung mit deut­schen oder eng­li­chen Untertiteln.

Einige Werke haben 2020 regu­lä­re Starts, u.a. VARDA PAR AGNÈS, LA VÉRITÉ, VIF-ARGENT, SIBYL, und auch der Eröffnungsfilm LES MISERABLES (unter dem dt.Titel DIE WÜTENDEN) wird bei uns im Januar zu sehen sein.

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