Das Recht auf Glück ist in Bhutan per Gesetz Ziel allen staatlichen Handelns. Dokumentationen wie Die Ökonomie des Glücks, Speed – Auf der Suche nach der verlorenen Zeit oder What Happiness Is suchten und suchen nach dem Geheimnis der Lebenszufriedenheit der Einwohner des buddhistischen Himalaya-Staates. Glück ist jedoch eine sehr brüchige Angelegenheit. Regisseur Thomas Balmés drehte 2012 erstmals im wunderbaren und weit abseits gelegenen Kloster in Laya seinen Film namens, genau, Happiness, wo er den damals 8‑jährigen Peyangki porträtiert, der auf Wunsch seiner Mutter mit Leib und Seele Mönch werden will. Der Regisseur registriert die hohe Anziehungskraft moderner Medien, kurz nach deren Einzug in der Abgeschiedenheit der Berge. Acht Jahre später sind Smartphone und Internet im Kloster Standard. Peyangki ist Teenager und hat sich online verliebt, in Internetsängerin Nguen aus Bhutans Hauptstadt Thiumphu. Er setzt alles daran, sie zu treffen, und auch sie setzt große Hoffnungen in ihn und seine finanziellen Möglichkeiten. Eine aussichtslose Liebe, und es scheint, als halte die Sache mit dem glücklichen Leben auch in Buthan leider nur bis zur wirtschaftlich-gesellschaftlichen Anpassung an den Rest der Welt.
Sing Me a Song
Credits:
FR/DE/CH 2019, 90 Min., Dzongkha OmU, Regie & Kamera: Thomas Balmès, Schnitt: Alex Cardon, Ronan Sinquin
16-year-old Peyangki has lived as a monk in a monastery in the mountains of Bhutan since early childhood. His smartphone is the connection to the world, in it he has seen everything – and he has fallen in love. He met Nguen on WeChat, the Chinese facebook. For months, the two exchange messages day and night, Peyangki sings for her, she reveals her wishes and hopes for the future. It is first, total love that changes everything and turns the life of a teenager upside down.
He forgot that he wanted to make money; forgot that he wanted to return from the monastery to his family. Now he wants to go to town, and meet Nguen – because so far they’ve only met virtually. „Sing Me a Song” will accompany the young monk on his journey to the capital and his first meeting with Nguen.
Sing Me a Song
Credits:
FR/DE/CH 2019, 90 Min., Dzongkha OmU, Regie & Kamera: Thomas Balmès, Schnitt: Alex Cardon, Ronan Sinquin
Eine scheinbar ganz normale Kindheit in den 80er Jahren, festgehalten auf unzähligen Videokassetten. Darauf eine Kleinfamilie in der jeder seine Rolle spielt. Doch über dem Alltag liegt eine Schatten. Der Vater dokumentiert mit seiner Kamera fast nebenläufig wie die Mutter zwischen Weihnachten und Schulfest immer mehr zum Schatten ihrer selbst wird. Zuerst verschwindet sie aus den Videoaufnahmen, dann schließlich ganz aus dem Familienleben. Mit dem Film fordert die Regisseurin ihre Familie heraus, das jahrelange Schweigen um den Verlust ihrer Mutter zu brechen. Ein Tagebuch wird gefunden und die alten Super8 Filme des Vaters, auf denen die Mutter noch verliebt in die Kamera lachte. Wir tauchen ein in die Lebensgeschichte von Gabi, die sich als Teenager wegträumt aus der bayrischen Kleinstadt und von ihren altbackenen Eltern. Trotz der revolutionären Klischees der 70er Jahre, bleibt die Ehe für das Paar der einzig logische Weg in die Selbstständigkeit. Das damalige Klima zwischen Emanzipation und behäbigen Denkmustern färbt ab auf die Biografie der jungen Frau. Fragmente aus Gesellschaft und Politik zeigen Plenarsäle voller Männer und Flugzeuge ohne Pilotinnen. Gabi hardert mit der Umsetzung ihrer Träume während ihr Mann Karriere macht. Die Kamera begleitet den tragischen Lebensweg einer Frau, die in die Mutterrolle stolperte und diese nie richtig annehmen konnte.
“What must a woman have been through for her to simply not have a role in her family any longer?” Through Super‑8 and video material that her father had painstakingly collected, Melanie Lischker tells the story of her mother and, with it, that of an entire generation.
Credits:
DE 2021, 78 Min, , Regie & Buch: Melanie Lischker, Kamera: Thomas Lischker, Melanie Lischker, Schnitt: Mechthild Barth, Melanie Lischker
Montana in den 1920er Jahren: Die Brüder George und Phil führen gemeinsam eine Ranch. Als George die Witwe Rose heiratet, die den Teenager Peter mit in die Ehe bringt, gerät ihr Kräfteverhältnis aus dem Gleichgewicht: Phil, der Mann fürs Grobe, positioniert sich immer stärker gegen George, den sich kultiviert gebenden Schreibtischmann, vor allem aber gegen die verletzliche Rose. Eine gespannte Atmosphäre, unter der zunächst Peter am meisten zu leiden hat. Campions Neo-Western kommt ohne viel äußerliche Action aus und konzentriert sich auf die dynamische Widersprüchlichkeit der Figurenkonstellation. (Barbara Schweizerhof)
The Power of the Dog
Credits:
NZ/AU 2021, 126 Min, engl. OmU Regie: Jane Campion Kamera: Ari Wegner Schnitt: Peter Scibberas mit: Benedict Cumberbatch Jesse Plemons Kirsten Dunst Kodi Smit-McPhee
Set in Montana in the 1920s, Jane Campion’s hotly anticipated new film is an enthralling revisionist western awash in sublime expanses and nuance, capturing a landscape and a people driven by the fantasy and folly of western expansion. Adapted from Thomas Savage’s cult novel of the same name, The Power of the Dog tells the story of successful rancher brothers George (Jesse Plemons) and Phil (Benedict Cumberbatch) Burbank, whose relationship sours when the more mild-mannered George marries local widow Rose (Kirsten Dunst).
Rose and her son Peter (Kodi Smit-McPhee) arrive at the Burbank ranch — seemingly wholesome and naïve — and attempt to fit into the family’s complex dynamic of new money, but are continually stymied by an unspoken brotherly bond. Phil’s past as a classics scholar at Yale is barely discernible as he sports a tough and dirty exterior, while frequently referring to the antics of his mentor Bronco Bill. Cumberbatch shines in this ferocious performance as a cowboy to the core, whose hurtful, macho quips toward Peter and his mother hint at a simmering menace and a capacity for erratic cruelty and violence; a kind of camouflage that only serves to repress deep-seated trauma and latent desire.
Proving once again that she is one of today’s greatest filmmakers, Campion delivers a fascinating study of masculinity and internal torment, subverting the codes of the western — and of the male gaze — in a universe that is always shifting in tone, rendered with stunning cinematography by Ari Wegner, a disorienting score by Jonny Greenwood, and a terrific ensemble cast.
The Power of the Dog
Credits:
NZ/AU 2021, 126 Min, engl. OmU Regie: Jane Campion Kamera: Ari Wegner Schnitt: Peter Scibberas mit: Benedict Cumberbatch Jesse Plemons Kirsten Dunst Kodi Smit-McPhee
Während viele Filme im letzten Monat von Paar- und Familienbeziehungen handelten, sind im Programm der nächsten Wochen die Begegnungen von Fremden präsent, die sich gerade durch widrige Umstände verbunden fühlen. Adam, das Spielfilmdebüt der Marokkanerin Maryam Touzani, die auch das Drehbuch schrieb, wartet mit Einblicken in die Kunst des Teigknetens auf. Ein schönes Tutorial, so kurz vorm Fest. Abla, Bäckerin, alleinerziehend, abgeschottet, freundet sich wider Willen mit Samia an, die schwanger ist und eine Bleibe braucht. Die Backstubenwohnung irgendwo in einer Seitengasse mitten in Casablanca, wo Msemen und Rziza aus dem Fenster heraus verkauft werden, ist der Ort der Geborgenheit für die beiden Frauen und Ablas Tochter Warda. Was folkloristisch und kitschig hätte ausufern können, wurde ein Film voller Nuancen, schönen Momenten und einer wahrhaftigen Geschichte. Wäre Adam aus einem Teigklumpen geknetet und geformt worden und nicht aus Möttke, hätte sich vielleicht alles anders entwickelt. Aber zu spät. „Der Spielfilm Adam ist aus der persönlichen Begegnung der Regisseurin Maryam Touzani mit einer jungen Frau in ihrer Jugend entstanden, die für beide schmerzhaft, für die Filmemacherin aber inspirierend war und unauslöschliche Spuren hinterließ. Vertieft wurde die Erfahrung, als diese selbst Mutter wurde: ‚Als ich zum ersten Mal mein eigenes Kind in meinem Körper spürte, als ich sah, dass mein Bauch sich in den Bauch einer Mutter verwandelte, dachte ich an jene Frau zurück, der ich damals begegnet war. Ich fühlte eine Dringlichkeit, die Geschichte von damals zu erzählen und dann zu verfilmen. Das half mir, die Wunden jener Begegnung zu heilen, die Erfahrung des Verlustes, der Not, der Verleugnung, der Trauer jener Frau, aber auch die Freude zu genießen, selber Mutter geworden zu sein. So nahm der Film Adam Gestalt an.‘“ Hanspeter Stalder | Der andere Film
Adam
Credits:
MA/FR 2019, 98 Min., arab. OmU Regie: Maryam Touzani Kamera: Adil Ayoub Schnitt: Julie Naas mit: Douae Belkhaouda, Aziz Hattab, Hasna Tamtaoui u. a.
Abla runs a popular bakery in the narrow streets of Casablanca’s old town. Mother of eight-year-old Warda, the widowed forty-something is facing a busy day-to-day life. When her routine is broken by a knock on the door, she is still unaware that her life is about to change forever. On the doorstep stands Samia, a pregnant young woman asking for a place to stay in exchange for help around the house and in the bakery. While Abla does not want to engage with this stranger promising nothing but trouble, little Warda immediately takes to Samia. One night turning into several, the coolly detached Abla increasingly fails to hide the fact that Samia is an unexpected asset to her bakery business as well as her entire life. Adam is a bittersweet drama, carried by the exceptional Belgian-Moroccan star actress Lubna Azabal.
Adam
Credits:
MA/FR 2019, 98 Min., arab. OmU Regie: Maryam Touzani Kamera: Adil Ayoub Schnitt: Julie Naas mit: Douae Belkhaouda, Aziz Hattab, Hasna Tamtaoui u. a.
Nach Lee Chang-Dongs BURNING (2018) ist Ryûsuke Hamaguchi mit DRIVEMYCAR die zweite umwerfende Verfilmung eines Stoffes von Haruki Murakami gelungen. Murakamis Erzählungen über traurige Menschen erzählen oft davon, dass es helfen kann, sich Zeit zu nehmen, um irgendwo zu sitzen, wie der Erzähler im Roman „Der Aufziehvogelmann“, der sich, als er nicht mehr weiterweiß, monatelang auf einen öffentlichen Platz setzt, bis etwas passiert. In DRIVEMYCAR lässt sich der Regisseur und Schauspieler Yûsuke im Auto herumfahren, wenn nichts mehr hilft. Das hat den Vorteil, eine leere Zeit zu erzeugen, in der er denken kann, und er kommt irgendwo an, an einer Müllverbrennungsanlage, am Meer, an einem Dorf, an dem ein furchtbares Unglück geschehen ist – und etwas verändert sich.
Die erste Dreiviertelstunde des Films erzählt die Vorgeschichte der Erzählung, dann erst laufen die Titel über das Bild. Yûsuke (Hidetoshi Nishijima) und seine Frau Oto (Reika Kirishima) hatten gerade Sex, sie erzählt eine Geschichte von einem jungen Mädchen, die immer wieder in das Haus eines Schulfreundes eindringt, und jedes Mal ein Objekt aus dessen Zimmer mitnimmt und ein eigenes Okjekt hinterlässt. Die beiden malen sich die Geschichte in verschiedenen Situationen weiter aus: ein Künstlerpaar, sie ist Drehbuchautorin beim Fernsehen. Ihre Beziehung scheint glücklich und produktiv, und auch nachdem Yûsuke seine Frau zufällig beim Sex mit dem jungen Schauspieler Kôji (Masaki Okada) beobachtet hat, scheint sich nichts in ihrem Zusammenleben zu verändern. Gemeinsam trauern sie am Todestag ihrer Tochter, gemeinsam spinnen sie Geschichten weiter und schlafen miteinander. Bis ein furchtbares Unglück passiert.
Zwei Jahre später beginnt die eigentliche Geschichte des Films. Yûsuke, der sich auf experimentelle Inszenierungen mit Übertiteln und Schauspielern aus verschiedenen Sprachräumen spezialisiert hat, ist nach Hiroshima eingeladen worden, wo er seine Inszenierung von Tschechows „Onkel Wanja“ mit einem neuen Ensemble inszenieren soll. Aus Versicherungsgründen erhält er eine Fahrerin, die schweigsame junge Misaki (Tôko Miura). Der Film verwebt die Produktion des Theaterstücks und die existentiellen Krisen der Figuren in „Onkel Wanja“ mit denen von Yûsuke, Kôji, Oto und Misaki. Wie um sich selbst zu befreien und sich im Geheimen an Kôji zu rächen, gibt Yûsuke ihm die Rolle des Wanja, der alles verliert und mit seiner Trauer und Enttäuschung weiterleben muss.
Wie in Yûsukes (und wohl auch Ryûsuke Hamaguchis) Theatermethode geht es aber auch um die kleinen Momente, in denen zwischen Menschen und Schauspielern „etwas passiert“, wie Yûsuke nach einer Szene zwischen einer chinesisch und einer in koreanischer Zeichensprache sprechenden Darstellerin sagt. Die zurückhaltenden, sehr beherrschten Menschen, die der Film zeigt, öffnen sich nur langsam. Die Momente, in denen die pure Emotion durchbricht, sind um so überwältigender. Die sich allmählich entwickelnde Nähe zwischen Yûsuke und der Fahrerin Misaki, deren Geschichte am Ende des Film erzählt wird, ist dabei besonders intensiv. Ein stiller, kluger Film, der in Cannes den Preis für das Beste Drehbuch, den Kritikerpreis und den Preis der Ökumenischen Jura gewann.
2021 has been an annus mirabilis for Ryusuke Hamaguchi, who has premiered two feature films, both very different, both equally masterly. After the thematically connected triptych of WHEELOFFORTUNEANDFANTASY, Hamaguchi delves into more expansively novelistic territory, although the source is a short story by Haruki Murakami. An extended preface introduces us to a Tokyo couple, actor and director Yusuke and screenwriter Oto, whose penchant for erotic storytelling hints at possibilities that will continue to trouble Yusuke. Two years later, he arrives in Hiroshima to direct Chekhov’s Uncle Vanya at a theatre festival and is assigned a young woman named Misaki as his driver. After a troubled rehearsal process and Yusuke’s problems with a troublesome young actor, Yusuke and the initially reserved Misaki begin to communicate. A three-hour running time allows Hamaguchi to unspool a subtly, densely patterned narrative to maximum effect, with Chekhov’s drama subliminally resonating as a background subtext. Quietly moving, intellectually involving, DRIVEMYCAR is arguably the most mature and most elegant drama of 2021. (Jonathan Romney)
Nachdem Nikolas Frau einen Selbstmordversuch unternommen hat, werden dem Gelegenheitsarbeiter seine beiden Kinder weggenommen und bei Pflegeeltern untergebracht, zunächst angeblich vorübergehend. Doch nach einer Begutachtung der Wohnverhältnisse befindet der Leiter des Sozialamts des kleinen serbischen Dorfes, Nikola sei zu arm, um ein angemessenes Lebensumfeld für die Kinder zu gewährleisten. Der zurückhaltende Mann beschließt, eine Beschwerde beim Ministerium für Soziales in Belgrad einzulegen. Die 300 Kilometer dorthin will er zu Fuß zurückzulegen. Er will den Behörden zeigen, wie weit er für seine Kinder zu gehen bereit ist – im wahrsten Sinne des Wortes. Srdan Golubović erzählt in authentischen, bewegenden Bildern von der Ungleichheit der Verhältnisse. Sein stiller, aber zäher Protagonist erforscht nicht nur das Land, sondern auch die Grenzen zwischen Recht und Unrecht. Entschlossen, seiner wachsenden Verzweiflung nicht nachzugeben, unternimmt der beharrliche Vater eine Heldenreise, die das Wort Held neu definiert.
Vater – Otac
Credits:
RS, FR, DE, SL, HR, BA 2020, 99 Min., serbische OmU Regie: Srdan Golubovic Drehbuch: Srdan Golubovic, Ognjen Svilicic Kamera: Aleksandar Ilić Schnitt: Petar Marković mit: Goran Bogdan, Boris Isaković, Nikola Rakocevic, Milan Maric Länge: 99 Minuten
Trailer:
Father (Otac) (2020) | Trailer | Goran Bogdan | Boris Isakovic | Nada Sargin | Srdan Golubovic
After Nikola’s wife has attempted suicide, the casual labourer’s two children are taken away from him and placed with foster parents. A temporary arrangement, it is alleged. However, following an assessment of Nikola’s housing conditions, the head of the social welfare office in their small Serbian village decides that Nikola is too poor to provide an adequate living environment for his children. The reticent Nikola decides to lodge a complaint with the Ministry of Social Affairs in Belgrade. He is determined to cover the 300 kilometres to the capital on foot. In this way, he intends to show the authorities how far he is willing to go for his children – literally. Srdan Golubović finds authentic, moving images to tell this tale of inequality. His quiet but resilient protagonist explores not only the country, but also the boundaries between right and wrong. Resolved not to give in to his mounting desperation, this tenacious father embarks on a heroic journey that redefines the word hero.
Vater – Otac
Credits:
RS, FR, DE, SL, HR, BA 2020, 99 Min., serbische OmU Regie: Srdan Golubovic Drehbuch: Srdan Golubovic, Ognjen Svilicic Kamera: Aleksandar Ilić Schnitt: Petar Marković mit: Goran Bogdan, Boris Isaković, Nikola Rakocevic, Milan Maric Länge: 99 Minuten
Trailer:
Father (Otac) (2020) | Trailer | Goran Bogdan | Boris Isakovic | Nada Sargin | Srdan Golubovic
Ein Mann sammelt Bäume. Gut – Bäume sind keine Briefmarken oder Sammeltassen, aber was es bedeutet wenn ein über 100-jähriger Baum ausgegraben, abtransportiert und über das Meer zu seinem Bestimmungsort, einem Privatpark , verschifft wird, ist schwer zu formulieren – aber elementar einfach zu empfinden. Salome Saschi findet in ihrem Film Bilder, die uns tief im Unterbewussten bewegen. Wenn eine Dorfgemeinschaft dem verkauften Baum wie in einer Trauerprozession nachzieht, oder ein riesiger Baum auf einem Frachtkahn über das Meer geschoben wird. Bäume begleiten Generationen von Menschen, ein 100 jähriger Baum 4 Generationen, ein 200 jähriger Baum 8 Generationen. Deutschlands berühmteste Baumdenkmäler sind 500 bis 1200 Jahre alt, entsprechen 20 bis 48 Generationen, die neben diesen Bäumen ihr Leben gelebt haben. Auch bei uns wird Bäumen oft ihre Alltäglichkeit zum Verhängnis, man bemerkt sie erst wenn sie krank sind oder gefällt werden sollen, wenn sie irgendeinem Plan im Wege stehen. So ist „Die Zähmung der Bäume“ ein Plädoyer dafür geworden Bäume zu bemerken, und in seiner jeweiligen Umgebung über die Geschichte eines Baums nachzudenken. Die meisten Baumdenkmäler in Deutschland sind Bäume die sich auf einer Dorfalmende oder einem Park erhalten haben. Viele hundertjährige Bäume bilden Alleen aus der Gründerzeit, oder stehen in Parks, Friedhöfen und in privaten Gärten, vor allem gegen Ende des zweiten Weltkrieges wurden in den städtischen Parks viele Bäume durch die Bombardierungen zerstört, oder in den ersten Nachkriegsjahren als Brennstofflieferant abgeholzt. Dadurch sind über 100 jährige Bäume auch in Deutschland in besiedelten Gebieten sehr selten. In Wäldern die forstwirtschaftlich genutzt werden stehen auch Laubbäume selten länger als 100 Jahre.
Die Zähmung der Bäume – Taming the Garden
Credits:
CH/DE/GE 2021, 92 Min., georgische OmU Regie und Buch: Salomé Jashi Kamera: Goga Devdariani, Salomé Jashi Schnitt: Chris Wrightenn
A powerful man, who is also the former prime minister of Georgia, has developed an exquisite hobby. He collects century old trees along Georgia’s coastline. He commissions his men to uproot them and bring them to his private garden. Some of these trees are as tall as 15-floor-buildings. And in order to transplant a tree of such dimensions some other trees are chopped down, electric cables are shifted and new roads are paved through mandarin plantations.
The film moves the concept of uprooting from its metaphorical meaning into an oppressive, tangible and yet surreal reality.
Die Zähmung der Bäume – Taming the Garden
Credits:
CH/DE/GE 2021, 92 Min., georgische OmU Regie und Buch: Salomé Jashi Kamera: Goga Devdariani, Salomé Jashi Schnitt: Chris Wrightenn
1968. Zwei Jahre Zuchthaus bekommt Hans (Franz Rogowski) aufgebrummt, nachdem er beim Sex mit einem Mann auf einer öffentlichen Toilette gefilmt wurde. Nicht zum ersten Mal, denn Hans ist ein sturer Bock und will sich von Nichts und Niemandem sagen wie er zu leben und schon gar nicht wen er zu lieben hat. Im Bau begegnet er Viktor (Georg Friedrich), nicht zum ersten Mal wie sich bald zeigt. 1945 waren die beiden Männer bereits Zellengenossen, Viktor am Anfang einer langen Strafe wegen eines aus Eifersucht begangenen Totschlags und Hans weil er Männer liebt. So homophob sich Viktor anfangs gezeigt hatte: Das Hans direkt aus einem Konzentrationslager in ein Gefängnis der Alliierten überstellt wurde, das schockiert ihn doch. Eine erste Berührung, ein erster intimer Moment geschieht, als Viktor Hans dessen in den Arm gestochene Nummer mit einem Tattoo überdeckt.
Die Jahre ziehen ins Land, während Viktor immer einsitzt, bewegt sich Hans fast wie in einer Drehtür zwischen Freiheit und Knast, weiß bald weder drinnen noch draußen etwas mit sich anzufangen. Nichts scheint sich zu ändern, das Gefängnis ist schon 1945 ranzig und hat offenbar bis Ende der 60er Jahre keinen Anstrich erhalten. Was sich auch kaum ändert sind die Antipathien, denen sich schwule Männer ausgesetzt sehen, die Strafen mit denen die Mehrheits-Gesellschaft die ihnen unliebsamen Elemente wegsperren will.
Erst 1994 wurde der §175 aus den Gesetzen gestrichen, auch wenn er damals schon länger nicht zur Anwendung kam. Als Der Spiegel im Mai 1969 über die Aufweichung des §175 titelte und fragte: „Das Gesetz fällt – bleibt die Ächtung?“ war solche eine öffentliche Thematisierung von Homosexualität noch alles andere als selbstverständlich. Dass es gerade für Menschen, die Jahrzehnte im geheimen Leben mussten, die ihre Sexualität versteckten oder gar unterdrückten keineswegs einfach war, quasi von einem Tag auf den anderen umzuschalten, nun offen zu leben, davon erzählt „Große Freiheit.“
Ein wenig konstruiert mutet der lange Zeitraum der Geschichte zwar an, geboren aus dem Wunsch, den Übergang vom Dritten Reich zur Bundesrepublik ebenso zu erzählen, wie die Entkriminalisierung von Homosexualität im Jahre 1969. Aber das Konstrukt funktioniert, gerade auch weil Sebastian Meise in seinem zweiten Spielfilm die Mauern des Gefängnisses nur ganz am Ende verlässt, er ansonsten immer in den Zellen und Gängen bleibt, die sich über die Jahrzehnte kaum ändern. Auch die Kleidung der Gefangenen bleibt gleich und selbst Viktor und Hans altern zwar, doch fast unmerklich, der dezente Einsatz von der jeweiligen Zeit entsprechenden Haaren und Frisuren deutet auch hier einen Stillstand an, der am Ende tragisch wird.
So sehr sind diese beiden Männer in ihren Rollen verharrt, Rollen, in die sie vom System gezwungen wurden, dass sie wirkliche Freiheit kaum ertragen können. In manchen Momenten erinnert das an Texte von Jean Genet, an große Gefängnis-Filme, in denen die ganz eigene Subkultur dieses Ort lebendig wird. Nicht zuletzt dank des herausragenden Darstellerduos Franz Rogowski und Georg Friedrich, die in den beengten Zellen eine ganz besondere, sich über lange Jahre entwickelnde Liebesgeschichte zum Leben erwecken.
Michael Meyns | programmkino.de
Credits:
Deutschland/Österreich 2021, 116 Min. Regie: Sebastian Meise Kamera: Crystel Fournier Schnitt: Joana Scrinzi Buch: Thomas Reider & Sebastian Meise mit: Franz Rogowski, Georg Friedrich, Anton von Lucke, Thomas Prenn
Trailer:
Große Freiheit – offizieller Kinotrailer – Kinostart am 18.11.2021
In post-war Germany Hans is imprisoned again and again for being homosexual. Due to paragraph 175 his desire for freedom is systematically destroyed. The one steady relationship in his life becomes his long time cell mate, Viktor, a convicted murderer. What starts as revulsion grows into something called love.
Credits:
Deutschland/Österreich 2021, 116 Min. Regie: Sebastian Meise Kamera: Crystel Fournier Schnitt: Joana Scrinzi Buch: Thomas Reider & Sebastian Meise mit: Franz Rogowski, Georg Friedrich, Anton von Lucke, Thomas Prenn
Trailer:
Große Freiheit – offizieller Kinotrailer – Kinostart am 18.11.2021
Ein Fluss fließt ruhig dahin. An den Ufern läuft die Zeit rückwärts und fördert verschüttete Geschichten zutage. Im frühen 19. Jahrhundert wagen sich nicht nur Pelzjäger, sondern auch ein wortkarger Koch ins wilde Oregon. Der Einzelgänger trifft auf einen chinesischen Einwanderer, der sich als geschickter Unternehmer erweist und sein Freund wird. Das Duo kommt auf die Idee, Donuts zu backen und zu verkaufen, die im rauen Westen sehr gut ankommen. Der Haken: Den Rohstoff beschaffen sie illegal. Das Drehbuch schrieb Kelly Reichardt mit Jonathan Raymond, dem Autor der Romanvorlage. Einmal mehr erzählt die Regisseurin meisterhaft von einem Amerika fernab der großen Städte, das voller Verheißungen steckt. Wie ein Western ist First Cow eine Hommage an Menschen im Abseits, die ihr Schicksal in die eigene Hand nehmen müssen – und hier statt mit dem Revolver mit Honiglöffel und Milcheimer hantieren. Auf diese Weise zeigen die Outlaws die „frontier“, Amerikas Projektionsfläche nationaler Träume, nicht als wirtschaftlich oder materiell zu erobernden Raum, sondern als Ort der Begegnung. Ein großartiges Alternativszenario mit besonderer gesellschaftlicher und politischer Bedeutung für die Gegenwart.
US 2019, 122 Min., engl. OmU Regie: Kelly Reichardt Kamera: Christopher Blauvelt mit: John Magaro, Orion Lee, Toby Jones, Scott Shepherd, Gary Farmer, Lily Gladstone
The waters of a river flow placidly by. On its banks, time rewinds, bringing buried stories to light. At the beginning of the 19th century, fur trappers are not the only ones to venture into the wilds of Oregon; there’s also a taciturn cook, a loner who finds an able entrepreneur and friend in a Chinese immigrant. The two start a small trade in “oily cakes”, which turns out to be a great success in the rough West. The only catch: the raw material they use is acquired illegally. Director Kelly Reichardt co-wrote the screenplay with Jonathan Raymond, author of the novel upon which the film is based. First Cow confirms her talent for telling stories of an America filled with promise, far from the big cities. Like a Western, the film pays tribute to characters on the margins of society who must take destiny into their own hands – only here, instead of guns, there’s a spoonful of honey and a pail of milk. Thus, these outlaws present the frontier, that screen onto which America projects its national dreams, not as a place of economic or material conquest, but as a meeting place. A splendid alternative scenario, which today acquires particular civil and political significance.
Credits:
US 2019, 122 Min., engl. OmU Regie: Kelly Reichardt Kamera: Christopher Blauvelt mit: John Magaro, Orion Lee, Toby Jones, Scott Shepherd, Gary Farmer, Lily Gladstone
Der Klassiker Wuthering Heights – Sturmhöhe, einziger Roman der jungen Emily Brontë, wurde schon oft verfilmt, hier aber erstmals von einer Regisseurin. Es war ein die Erfüllung eines Traumes der Britin Andrea Arnold, bisher bekannt für zeitgenössische Regiearbeiten. Sie behandelt nur die erste Hälfte des Buches, und schaffte ein radikales Werk, das beim Filmfest Venedig verstörte und begeisterte. Nicht, dass die Rolle des aufgenommenen Sohnes Heathcliff mutig und nicht inkonsequent von einem schwarzen Schauspieler interpretiert wird, sondern die extreme Reduzierung des Stoffes auf die Kraft der Elemente, die Sinnlichkeit der Darstellung, die Entkleidung von jeder Romantik ohne Verleugnung des Emotionalen machen den Film zu einer besonderen Erfahrung. Die Geschichte der aussichtslosen Liebe zwischen dem fremden Jungen und Cathy, Tochter des Hauses, ist geprägt von Standesdünkel und Verzweifelung, Macht und Ohnmacht und korrespondiert mit der rauhen und auch unwirtlichen, aber reizvollen Umgebung der Yorkshire Dales. Die Regisseurin drang dabei vor zum Kern des Romans, der bei seiner Veröffentlichung 1847 in die viktorianische Epoche einschlug wie ein Blitz. „Arnolds Interpretation erlangt ihren Zauber durch eine Achtsamkeit für die einzelnen Ingredienzien … . Dieses erreicht sie – obschon das paradox erscheint – gerade durch einen prononcierten Realismus der Darstellung, der fern jeder Verklärung ist. Dazu gehört auch ein feines Gehör für die vielfältigen Naturgeräusche sowie der Verzicht auf solche Musik, die nicht zur Handlung gehört, wie etwa einfache Lieder, die Cathy singt. Erst zum Abspann ertönt der wehmütige Song «The Enemy» der Band Mumford & Sons.“ Susanne Ostwald, NZZ
GB 2011, 128 Min., engl. OmU Regie: Andrea Arnold mit Kaya Scodelario, Nichola Burley, Steve Evets, James Howson, Shannon Beer, Solomon Glave
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