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Der Fleck
Ein Film von Willy Hans.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Eigentlich hätte er Sportunterricht, aber Simon dreht kurz vor der Schule um. Er trifft einen Nachbarn und fährt mit zu dessen Clique an den Fluss. Es ist heiß, und Gespräche und Aktivität laufen eher träge ab, ein bisschen Unsinn reden, schwimmen, spielen, necken, ärgern, essen, aber auch: den „Neuen“, Simon, abchecken. Dann weckt die plötzlich auftauchende Marie Simons Interesse. Zusammen ziehen sie los, holen Pommes und lassen sich durch den Wald treiben. Sie vergessen die Zeit und tauchen immer tiefer in die verwunschene sommerliche Flusslandschaft ein.
„‚Die Hölle, das sind die anderen‘ – dieser Schlüsselsatz aus Jean Paul Sartres Einakter Geschlossene Gesellschaft bringt für mich den Zustand, in dem sich die Figuren in meinem Spielfilm-Debüt Der Fleck befinden, auf den Punkt. Sie suchen Bestätigung im gegenseitigen Blick, schauen selbst gnadenlos auf das Gegenüber und werden so einander unfreiwillig zu Folterknechten. Und obwohl es keine offensichtlich bösen Absichten oder offensive Feindseligkeiten unter den Jugendlichen gibt, transportiert sich deutlich ein allumfassendes Unbehagen. Hier wird im Kleinen erprobt, was auch unter Erwachsenen geschieht. Alle loten unbewusst und lauernd ihre Stellung aus, versuchen herauszufinden, wer wie zueinander steht, wo sich Allianzen bilden lassen, und wo Rivalitäten. Das zu beobachten, dieses hilflose Verbiegen, Maßregeln und Beäugen ist zum Heulen und zum Lachen gleichzeitig – allein weil es mit ein wenig Abstand betrachtet so absurd erscheint. Dass es eine irdische Hölle gibt, ist in in der Welt des Atheisten Sartre sicher. Aber gibt es auch so etwas wie einen Himmel? Und was wäre das? Es wäre ein Blick, der uns nicht festlegt oder verurteilt, der nicht reduziert auf das, was wir wurden, sondern sich öffnet für das was wir werden könnten. Einen kleinen Einblick in diese unbekannte Welt möchte ich meine Figuren SIMON und MARIE in Der Fleck kurz erhaschen lassen. So beginnt sich jenseits all der Apathie und des passiv-aggressivem Gelabers, im Laufe der fortschreitenden Erzählung etwas Hoffnungsvolles und Lebensbejahendes abzuzeichnen.“ Willi Hans
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Credits:
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DE/CH 2024, 94 Min., dt. OmeU
Regie & Schnitt: Willy Hans
Kamera: Paul Spengemann
mit: Leo Konrad Kuhn, Alva Schäfer, Shadi Eck, Felix Maria Zeppenfeld, Darja Mahotkin, Marlene Becker u. a.
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Trailer:
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A film by Willy Hans. In German with English subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

After escaping from gym class, Simon finds himself on the banks of a river with a group of teenagers. Amidst the air mattresses and pointless chatter, time passes as sluggishly as the river water. Only when Marie appears and both are catapulted into the nearby riverside forest by an unexpected incident they escape the lethargic group and enter the timeless realm of the enchanted landscape.

„I would like to give a glimpse of something that counters the existential loneliness of our human present. Ultimately, redemption lies in the encounter.” Willy Hans
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Credits:
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DE/CH 2024, 94 Min., dt. OmeU
Regie & Schnitt: Willy Hans
Kamera: Paul Spengemann
mit: Leo Konrad Kuhn, Alva Schäfer, Shadi Eck, Felix Maria Zeppenfeld, Darja Mahotkin, Marlene Becker u. a.
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Trailer:
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Mo., 2. 6.:
Step across the border
Ein Film von Nicolas Humbert und Werner Prenzel. Am 24.6. mit anschließendem Filmgespräch mit Nicolas Humbert.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Ein Film voller Musik von Fred Frith, sowohl solo, als auch gemeinsam mit anderen Musikern. „Was ist ein Musiker anderes, als ein Organisator von Sounds?“ fragt Frith. Die Regisseure haben das beherzigt und sich als Organisatoren von Bildern betätigt, die verdammt gut zu seiner Musik passen: Also los : Step across the Border!

„Fred Frith, John Zorn, Arto Lindsay, Ciro Battista, Iva Bitová, Bob Ostertag, Joey Baron, Jonas Mekas, Robert Frank – vereint in einer Zelluloid-Improvisation über Rhythmus, Bilderlust und Lebensfreude. Konzertmitschnitte, Interviews in heruntergekommenen Hotelzimmern und Kamerafahrten durch Metropolen wie New York und Tokio vermischen sich zu einer mitreißenden Klangreise. Musik und Bild sind eigenständig, keines unterwirft sich dem anderen und doch ergeben sich Überschneidungen, die mal komisch, mal absurd, mal einfach schön sind – wie die Maisfelder im Wind, die einen magischen Augenblick lang im Rhythmus von Friths Improvisationen schwingen. Step Across The Border ist ein schwarz-weißes Augenzwinkern über den Zusammenhang zwischen Schnellbahnen, Stürmen und elektrischen Gitarren und ein meisterhafter Diskurs über den Geist des Musik- und des Filme-Machens.” (DOK.fest München 2024)
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Credits:
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CH/DE 1989, 90 Min., engl. OmU,
Regie: Nicolas Humbert, Werner Prenzel
Kamera: Oscar Salgado
mit den Musiker*innen: Fred Frith, Iva Bittova, Tom Cora, Pavel Fajt, Eitetsu Hayashi, Zeena Parkins, Tim Hodgekison, Arto Lindsey, Bob Ostertag, John Zorn u.v.a.
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Trailer:
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A film by Nicolas Humbert and Werner Prenzel. In English with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

In this film two forms of artistic expression, improvised music and cinema direct, are interrelated. In both forms it is the moment that counts, the intuitive sense for what is happening in a space. Music and film come into existence out of an intense perception of the moment, not from the transformation of a preordained plan. In improvisation the plan is revealed only at the end. One finds it. The other connection concerns the work method: the film team as band. Much as musicians communicate via the music, our work, too, was realized within a very small and flexible team of equals. What mattered was exchange. And movement. Sometimes we started filming in the middle of the night, responding to a new idea that had arisen only minutes before. We had a fundamental feeling for what we wanted to do, for what kind of film this should be. And we followed that feeling. It was all very instinctive.
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Credits:
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CH/DE 1989, 90 Min., engl. OmU,
Regie: Nicolas Humbert, Werner Prenzel
Kamera: Oscar Salgado
mit den Musiker*innen: Fred Frith, Iva Bittova, Tom Cora, Pavel Fajt, Eitetsu Hayashi, Zeena Parkins, Tim Hodgekison, Arto Lindsey, Bob Ostertag, John Zorn u.v.a.
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Trailer:
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Mo., 26. 5.:
One to One: John & Yoko
Ein Film von Kevin Macdonald. Ab 26.6. im fsk.
Cineville Preview (auch für nicht-Cinevilles) am 25.6.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Am 30. August 1972 spielte John Lennon in New York sein einziges Einzelkonzert, eine Benefizveranstaltung, im Madison Square Garden. Der Dokumentarfilm nimmt das epische Musikereignis zum Ausgangspunkt, um 18 entscheidende Monate im Leben von John und Yoko in einer rasanten Collage zu rekonstruieren – mit Live-Songs in voller Länge.
Nach dem Umzug von England nach New York 1971 verbringt das Paar viel Zeit in ihrem kleinen Apartment in Greenwich Village mit Fernsehen, und ein wildes Gemisch aus Vietnamkrieg, Protestmärsche, Präsident Nixon, Unterhaltungsserien, Talkshows und viele, viele Werbespots. lässt es uns nachvollziehen. Running Gag unter den realen, von John aufgezeichneten Telefongesprächen sind Yokos Aufträge zur Beschaffung von Fliegen. Ihr politisches Engagement zeigt sich bei der Zusammenarbeit mit Jerry Rubin und vielen konstruktiven, nicht immer umzusetzenden Ideen. Ihr soziales Engagement gipfelt in eben diesem „One to One”-genannten Benefiz-Konzert nach dem „Willowbrook”-Skandal, der Aufdeckung schwerster Misshandlungs-Praxis in einer staatlichen kinderpsychatrischen Anstalt.
„Der Film von Kevin McDonald ist mindestens so sehr ein Porträt des Zeitgeistes von 1971 wie seiner Protagonist*innen. Editor Sam Rice-Edwards schafft eine rasante Montage aus Nachrichtenschnipseln, Fernsehwerbung, Interviews und den Aufzeichnungen des Konzerts. Erstaunlich ist auch, dass der von dass Sean Ono Lennon mitproduzierte Filme die widersprüchlichen Charaktere seiner Eltern nicht glättet. Zwar fehlt in diesem Film die ganze Geschichte der Beatles-internen Konkurrenz. Erzählt wird lediglich, dass Lennon gern Bob Dylan für eine Gefangenen-Benefiz-Tour haben wollte. Weil einer der Tour-Organisatoren vor laufender Kamera Dylans Müll durchwühlt hatte, um zu zeigen, was für ein kommerzieller Lump Dylan geworden sei, weigerte sich Dylan allerdings, mit Lennon aufzutreten und spielte stattdessen bei George Harrisons „Concert for Bangladesh“ … Aber das politische Umfeld ist vielleicht auch interessanter. …“ Tom Dorow | Indiekino
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Credits:
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UK 2024, 100 Min., engl. OmU
Regie: Kevin Macdonald
Kamera: David Katznelson
Schnitt: Sam Rice-Edwards
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Trailer:
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A film by Kevin Macdonald. Starts June 26th at the fsk. Cineville Preview on June 25th. In English with German subitles

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

An expansive and revelatory inside look at John Lennon and Yoko Ono’s life in Greenwich Village in the early 1970s, ONE TO ONE: JOHN & YOKO delivers an immersive cinematic experience that brings to life electrifying, never-before-seen material and newly restored footage of John and Yoko’s only full-length concert. Featuring mind-blowing music newly remixed and produced by Sean Ono Lennon, the film is a seismic revelation that will challenge pre-existing notions of the iconic couple.
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Credits:
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UK 2024, 100 Min., engl. OmU
Regie: Kevin Macdonald
Kamera: David Katznelson
Schnitt: Sam Rice-Edwards
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Trailer:
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Mi., 21. 5.:
Archiv der Zukunft
Ein Film von Joerg Burger.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Im Naturhistorischen Museum in Wien wird mit akribischer Energie gesammelt, geforscht, archiviert und reflektiert – mehr als 30 Millionen Objekte sind hier über die Jahrhunderte zusammengetragen worden. Der Film zeigt das Museum als eine Welt, die sich in ständiger Veränderung befindet: Die spektakulären Archivarien aus tausenden Jahren Natur und Menschheitsgeschichte werden durch Grundlagenforschung und den lebendigen Apparat des Museums immer wieder neu in der Gegenwart befragt, um in der Zukunft Geschichten zu erzählen.
Wie bei einem Rundgang hinter den Kulissen erschließt sich die Institution: ein kürzlich verstorbener Löwe wird zur Präparation eingeliefert, die Haltung eines Dinosauriers dem aktuellen Forschungsstand angepasst oder Artefakte mittels 3D-Scan digitalisiert.
Als aufmerksamer Beobachters entwirft Regisseur und Kameramann Joerg Burger das Museum als einen Ort, an dem das physische Handwerk am Objekt immer auch mit Fragen nach Wissenskonstruktionen und deren inhärenten Machtbeziehungen einhergeht. Die Spezies Mensch – als vermeintlich Betrachtende und Wissende – wird in ihrer Beziehung zu Tier, Natur und Historie schließlich selbst beobachtet.
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Credits:
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AT 2023, 92 Min., Deutsch
Regie & Kamera: Joerg Burger
Schnitt: Dieter Pichler
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Trailer:
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ARCHIV DER ZUKUNFT – Offizieller Trailer
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A film by Joerg Burger. In German.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Armies of mounted beetles, arranged in rank and file. In drawers and glass containers, reptiles and birds sorted in the most magnificent forms. An almost macabre beauty is found in the catalogued sub-universes of the Natural History Museum Vienna: sub-universes that stand for the whole range of evolution and are part of the immense, expertly prepared collection of this world-renowned institution of knowledge. With an appropriately curious attitude, Joerg Burger devotes great attention to this cumulative archive of pure research for its own sake, its exhibits and underlying craftwork, but first and foremost to the people who work there,…
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Credits:
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AT 2023, 92 Min., Deutsch
Regie & Kamera: Joerg Burger
Schnitt: Dieter Pichler
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Trailer:
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ARCHIV DER ZUKUNFT – Offizieller Trailer
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Fr., 16. 5.:
Good News
Ein Film von Hannes Schilling. Am 2.6. mit anschließendem Filmgespräch.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Leos Karrierekurve bewegt sich schon länger steil nach unten, als der Journalist versucht, sich durch eine außergewöhnliche Story wieder ins Gespräch zu bringen. Ein Bericht über eine verborgen lebende Rebellengruppe im südthailändischen Urwald soll es bringen. Nach einiger Zeit vor Ort haben sich allerdings weder weiterführende Kontakte noch anderes Berichtenswertes ergeben. Seine Partnerin zuhause ist bereits schwer genervt, er selbst vermisst vor allem die gemeinsame Tochter, und der Chef schreibt ungeduldig Mails. Also wird Leo kreativ und schmückt alles aus, was er bisher erfahren hat, übernimmt fremde Geschichten und schickt den Artikel nach Deutschland. Die Redaktion ist begeistert, schreiben kann er wohl gut, will aber Fotos. Der Fotograf ist schneller bei ihm, als Leo dagegen protestieren kann. Julian ist ein Draufgänger, der nur schnell zum Fotografieren in den Dschungel fahren und dann wieder weg will. Das ist unmöglich, und die Situation wird zunehmend brenzlig für Leo.
Hätte es anders kommen können? Gab es einen Zeitpunkt, an dem Leo hätte aufhören können? Er hat schließlich nicht seine berufliche und familiäre Existenz aufs Spiel gesetzt, sondern auch Vertraute in Thailand verraten und ausgenutzt, sich selbst und andere in Gefahr gebracht. Ist es seine individuelle Schuld, oder die seines Redakteurs, oder ein krankes System, das nach außen die Moral hochhält, innen jedoch jede mögliche Schweinerei zum Erreichen eines Ziels erwartet? Wo verlaufen ethische Grenzen?
„… ein sehr relevantes Drama über die Grenze von Lüge und Wahrheit, vor allem aber die Grauzone dazwischen. Hannes Schilling gelingt ein dramaturgisch und schauspielerisch überzeugendes Werk, das zum Nachdenken anregt … Schilling filmt in Schwarz-Weiß, für eine stilisierte Distanzierung. Die Filmmusik – großartig: Lena Radivoj – bringt dissonant-sphärische Klänge in diese an sich realistische, tatsächlich aber tragödienhaft verdichtete Geschichte.“
Harald Mühlbeyer, Kino-Zeit
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Credits:
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DE 2024, 75 Min., Deutsch, Englisch, Thai und Melayu mit deutschen Untertiteln,
Regie: Hannes Schilling
Schnitt: Marie Fontanel, Paul Gröbel
Kamera: Falco Seliger
mit: Ilja Stahl, Sabree Matming, Dennis Scheuermann
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Trailer:
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GOOD NEWS (2024) TRAILER
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A film by Hannes Schilling. In German, English, Thai and Melayu with German subtitles

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

The journalist Leo hopes to finally make an international breakthrough with a report about a rebel group in Thailand. His friend Mawar helps him make local contacts. In return, Leo promises to support him in starting over in Germany. But when the editors sending him the photographer Julian without asking, Leo becomes increasingly entangled in a web of lies and morally questionable decisions.
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Credits:
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DE 2024, 75 Min., Deutsch, Englisch, Thai und Melayu mit deutschen Untertiteln,
Regie: Hannes Schilling
Schnitt: Marie Fontanel, Paul Gröbel
Kamera: Falco Seliger
mit: Ilja Stahl, Sabree Matming, Dennis Scheuermann
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Trailer:
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GOOD NEWS (2024) TRAILER
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Di., 13. 5.:
Copa 71
Ein Film von Rachel Ramsay und James Erskine.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

August 1971: Mexico City ist Austragungsort für ein riesiges Fußballspektakel, bei dem Teams aus England, Argentinien, Mexiko, Frankreich, Dänemark und Italien aufeinandertreffen. Über 100.000 Fans verwandeln das historische Azteca-Stadion Spiel für Spiel in einen Ort der Begeisterung, das Fernsehen berichtet durchgehend. Die Atmosphäre erinnert an die größten Momente der internationalen Fußballgeschichte. Aber dieses Turnier ist anders als alles, was es vorher gab, denn auf dem Platz sind ausschließlich Frauen. Es handelt sich um die Copa ’71, die erste inoffizielle Frauenfußball-WM. Von der FIFA und den nationalen Fußballverbänden abgelehnt, wurde dieses historische Ereignis aus den Annalen des Fußballs verdrängt. Doch nun erinnert ein Dokumentarfilm an dieses Turnier, das über zehn Jahre vor der ersten offiziellen Frauenfußball-Weltmeisterschaft stattfand, und rückt die Spielerinnen der damaligen Zeit, die charismatischen Pionierinnen ihrer Sportart, endlich ins Rampenlicht.

„Es gibt viel zu erzählen – von der Geschichte des Frauenfußballs, der in Europa in den 1920ern aufkam, dann vielerorts als „unweiblich“ und angeblich gesundheitsschädlich wieder unterdrückt und in Deutschland und England erst ¹⁹⁷⁰⁄₇₁ wieder offiziell zugelassen wurde; über die großflächige Kampagne der Organisatoren der COPA, die ihre Teams zu Medienstars machten und dafür sorgten, dass 110.000 Menschen das Finale im sechsgrößten Stadium der Welt, dem Azteka-Stadium in Mexiko City, verfolgten; bis hin zu den diabolischen Machenschaften der FIFA. Nicht nur versuchte die FIFA, die Veranstaltung zu verhindern, im Anschluss an das Turnier untersagte sie den ihr angeschlossenen Vereinen, Frauenteams bei sich trainieren zu lassen. Für einige Spielerinnen war das Turnier in Mexiko das letzte Mal, dass sie professionell oder überhaupt Fußball gespielt haben.“ Hendrike Bake | indiekino

„Vom Anfang an war uns klar, dass wir einen Film machen wollten, der nicht nur die historische Ungleichheit hervorhebt, sondern auch die involvierten Frauen wirklich feiert und ihnen die Möglichkeit gibt, gehört und anerkannt zu werden. Wir wollten, dass die Zuschauer:innen in die Welt von Copa ´71 eintauchen. Wir wollten einen Raum zum Lachen, zum Weinen und zum Schreien kreieren. Wir wollten auch eine wirklich globale Geschichte erzählen, eine, die diese einzigartige kollektive Erfahrung spiegelt.” Regiestatement

Im August zeigen wir in Zusammenarbeit mit der Gallerie f³ und deren Ausstellung „She can kick it“ zwei weitere Frauenfußballfime:
Marinette – Kämpferin. Fußballerin. Legende und Das Wunder von Taipeh
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Credits:
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GB 2023, 91 Min., Englisch/Spanisch/Italienisch/Französisch mit deutschen Untertiteln, Regie: Rachel Ramsay und James Erskine
Schnitt: Arturo Calvete und Mark Roberts
Kamera: Angela Neil
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Trailer:
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A film by Rachel Ramsay and James Erskine. In English/Spanish/Italian/French with German subtitles..

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

»Why haven’t I seen this before?« In the first scene of Copa 71, American international footballer Brandi Chastain stares at her tablet in amazement. She is watching footage of the first ever international women’s football tournament in Mexico City in 1971, Copa 71. Why is it that one of the best-attended women’s sporting events of all time has been forgotten?

In 1970, the first European tournament took place in Italy; SC 07 Bad Neuenahr represented Germany. A year later, international teams from Argentina, England, France, Denmark and Mexico competed against each other in Mexico. This purely commercial event, which was not backed by FIFA, proved a huge success, attracting crowds of 100,000 to the stadiums. Yet what could have been the launch pad for women’s football worldwide failed to attract any support. Another ten years would pass before the next international tournament. In Taipei, Taiwan, SSG 09 Bergisch Gladbach became world champions in 1981. This also paved the way for the formation of an official women’s national team in Germany in 1982. One thing to note though: women’s football was officially banned until 1970. Perhaps not surprising then that another decade passed before the first FIFA Women’s World Cup was held, in China. The final saw Brandi Chastain score the winning penalty to help the US take the trophy home.

The film presents archive footage of the tournament, plus interviews with the players of the time – impressive personalities who provide vivid accounts of the preparations and the tournament itself. A threatened walk-out by the Mexican team over pay at one point put the tournament in jeopardy, as did the tense atmosphere between the teams, still tangible when watching the film in the cinema.
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Credits:
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GB 2023, 91 Min., Englisch/Spanisch/Italienisch/Französisch mit deutschen Untertiteln, Regie: Rachel Ramsay und James Erskine
Schnitt: Arturo Calvete und Mark Roberts
Kamera: Angela Neil
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Trailer:
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Di., 13. 5.:
Black Tea
Ein Film von Abderrahmane Sissako.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Aya, eine junge ivorische Frau, sagt an ihrem Hochzeitstag zum Erstaunen und Entsetzen aller „Nein“. Sie lässt die Elfenbeinküste hinter sich und beginnt ein neues Leben in Guangzhou, China. In diesem pulsierenden Viertel, „Chocolate City“ genannt, zählt die afrikanische Diaspora offiziell 20000 Menschen, geschätzt wird aber ein vielfaches. Hier trifft die afrikanische auf die chinesische Kultur, hier findet Aya Arbeit in einem traditionellen Tee-Laden. Der chinesische Besitzer Cai weist sie in die Kunst der Teezeremonie ein und langsam entwickelt sich eine zärtliche Liebe zwischen den beiden, eine behutsame und sinnliche Annäherung, geleitet von Interesse, Neugier und Offenheit.
Abderrahmane Sissako (Regisseur u.a. von Bamako und Timbuktu – Black Tea ist sein sechster Film im fsk-Kino) wirft einen höchst faszinierenden Blick auf die Verflechtung der Kulturen in unserer heutigen globalisierten Welt. Recherchiert haben Sissako und seine Drehbuchautorin Kessen Tall in Guangzhou, gedreht aber wurde in Taiwan.
„China und Afrika unterhalten vielfache Beziehungen, da liegt es doch nahe, dass Menschen sich auch privat näherkommen. Allerdings sind die Beziehungen nicht immer konfliktfrei: Rassismus ist in China stark verbreitet, bei den Wirtschaftsbeziehungen geht es um Weltmachtpolitik und nicht um Völkerfreundschaft.
Abderrahmane Sissako weiß das alles, aber ihm geht es um eine positive Utopie: Black Tea hat etwas von der Traumatmosphäre des großen Studiokinos. Die Kultur des Tees, die auf jahrhundertealtem Wissen und auf Plantagen in wunderschönen Landschaften beruht, ist so etwas wie eine moderne Religion, auf die sich ein Mann aus China und eine Frau aus der Elfenbeinküste einigen können. Je mehr Aya und Cai einander näherkommen, desto deutlicher wird auch eine lange Geschichte der Beziehungen zwischen China und Afrika erkennbar. Politik ist allgegenwärtig in Black Tea, aber sie bleibt im Hintergrund. Im Vordergrund sehen wir eine fast schon zeremonielle, äußerst subtil inszenierte Romanze mit Hindernissen, die zum Schönsten gehört, das man zuletzt im Kino sehen konnte.“
Bert Rebhandl | Tip-Magazin
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Credits:
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FR/MR/LU/TW/CI 2024, 111 Min., Mandarin, Französisch, Englisch, Portugiesisch OmU
Regie: Abderrahmane Sissako
Kamera: Aymerick Pilarski
Schnitt: Nadia Ben Rachid
mit Nina Mélo, Chang Han, Wu Ke-Xi, Michael Chang
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Trailer:
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A film by Abderrahmane Sissako. In Mandarin, French, English, Portugese with German subtitles

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Aya is a woman in her early thirties. After astonishing everyone by saying “No” on her wedding day, she leaves the Ivory Coast for a new life in China. Living in an area where the African diaspora meets the Chinese culture, she finds a job in a tea boutique owned by Cai, a 45-year-old Chinese man. In the privacy of the shop’s backroom, Cai initiates Aya into the Chinese tea ceremony. As he teaches her this ancient art, their relationship slowly grows into one of tender love. But for their burgeoning passion to be supported by trust, both of them must let go of their burdens and face up to their pasts.
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Credits:
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FR/MR/LU/TW/CI 2024, 111 Min., Mandarin, Französisch, Englisch, Portugiesisch OmU
Regie: Abderrahmane Sissako
Kamera: Aymerick Pilarski
Schnitt: Nadia Ben Rachid
mit Nina Mélo, Chang Han, Wu Ke-Xi, Michael Chang
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Trailer:
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Sa., 3. 5.:
Moria Six
Ein Film von Jennifer Mallmann.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Nachdem ein Feuer das Camp Moria im September 2020 komplett vernichtet hatte, wurde es gespenstisch still. Nicht nur vor Ort, sondern auch im öffentlichen Diskurs. Weder die menschenrechtswidrigen Bedingungen in den weiteren Lagern an den Außengrenzen Europas noch die zahllosen Pushbacks im Mittelmeer schienen die Allgemeinheit näher zu beschäftigen. Auch die Verhaftung der sechs Jugendlichen, die man der Brandstiftung bezichtigte, blieb ohne weithin hörbares Echo – obwohl schon ein zweiter Blick auf die Umstände der Ermittlungen und den folgenden Strafprozess das Vorgehen der griechischen Justiz als fragwürdig offenbarte. Ganz zu schweigen von der zugrunde liegenden Flüchtlingspolitik der Europäischen Union.
Jennifer Mallmann wagt mit ihrem Film diesen zweiten Blick. Im Zentrum steht ihr Briefwechsel mit Hassan, einem der verurteilten Jugendlichen, der ihr aus dem Gefängnis von seinem Alltag, seinen Wünschen und Ängsten berichtet. Ruhige, exakt kadrierte Bilder dokumentieren „Normalität“ an den Rändern der Festung Europa. Sie zeigen, wie strategische Abschottung und die damit einhergehende strukturelle Ausgrenzung funktionieren. Wer wissen will, wie sich unsere Staatengemeinschaft ihre Zukunft vorstellt, muss nur die neu errichteten, futuristischen Hochsicherheitslager betrachten. Dort werden die Ankommenden behandelt wie Menschen, die schwere Verbrechen begangen haben.
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Credits:
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DE 2024, 82 Min., OmU,
Regie: Jennifer Mallmann
Kamera: Sina Diehl
Schnitt: Maxie Borchert
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Trailer:
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A film by ennifer Mallmann. In Greek, Farsi, German, English with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

There was an eery silence after a fire had destroyed the Moria camp completely in September 2020. Not just locally, but in public discourse. The world did not seem particularly concerned with the inhumane conditions in other camps on Europe’s external borders or the countless pushbacks in the Mediterranean. Nor did the arrest of six adolescents who were accused of arson resonate in any audible way – though even a second glance at the circumstances of the investigation and the criminal proceedings revealed the actions of the Greek judiciary to be questionable. Not to mention the underlying refugee policy of the European Union.
Jennifer Mallmann dares to take this second glance with her film. At its centre is her correspondence with Hassan, one of the convicted youths, who tells her of his everyday life, his desires and fears from prison. Calm, precisely framed images document “normality” on the fringes of Fortress Europe. They show how strategical isolation and the ensuing structural exclusion work. If you want to know how our community of nations imagines its future you only need to look at the newly-built futuristic high-security camps, where new arrivals are treated like people who have committed serious crimes. Luc-Carolin Ziemann
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Credits:
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DE 2024, 82 Min., OmU,
Regie: Jennifer Mallmann
Kamera: Sina Diehl
Schnitt: Maxie Borchert
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Trailer:
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Fr., 25. 4.:

Vertrag widerrufen