Ein Film von Li Ruijun.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Ma und Guiying füh­ren bei­de ein iso­lier­tes und pro­blem­be­la­de­nes Leben: Der schweig­sa­me Bauer Ma ist das letz­te unver­hei­ra­te­te Mitglied sei­ner Familie; Guiying ist behin­dert und unfrucht­bar, über das im länd­li­chen China übli­che Heiratsalter ist sie weit hin­aus. In der zwi­schen ihnen arran­gier­ten Ehe tref­fen sie als zwei Fremde auf­ein­an­der, die Vereinzelung und Demütigungen gewohnt sind. Die Heirat könn­te alles nur noch ver­schlim­mern, doch für Ma und Guiying wird sie zur Chance. Sie ent­de­cken ihre gemein­sa­me Bestimmung. Sie ler­nen, Nähe zuzu­las­sen, sich aus­zu­spre­chen, für­ein­an­der zu sor­gen und sogar zu lächeln – trotz der har­ten Feldarbeit, mit der sie ihren Lebensunterhalt bestrei­ten, und der Herausforderungen, die sie gemein­sam bewäl­ti­gen müs­sen.
Regisseur Li Ruijun, der für die Dreharbeiten in sein Heimatdorf Gaotai in der nord­west­chi­ne­si­schen Provinz Gansu zurück­ge­kehrt ist, the­ma­ti­siert Ausbeutung, Zwangsverstädterung, Armut und Verlust von Traditionen durch Entwurzelung. Doch vor allem geht es ihm dar­um, wie sei­ne arg­lo­sen und ver­letz­li­chen Figuren die Welt sehen. Ihnen gel­ten sei­ne Liebe und sein Vertrauen. Ein zutiefst mensch­li­cher Film von unauf­dring­li­cher Zärtlichkeit.

„Es gibt Filme, die wie die chi­ne­si­sche Bau­ern­tra­gö­die Return to Dust auf den ers­ten Blick unpo­li­tisch wir­ken, aber im Nachhinein in ihrer abgrün­di­gen Düsternis wie ei­ne ästhe­ti­sche Widerstandsgeste erschei­nen.” Andreas Kilb | FAZ

Credits:

Yin Ru Chen Yan
CN 2022, 132 Min., chin. OmU
Regie & Schnitt: Li Ruijun
Kamera: Wang Weihua
mit: Wu Renlin, Hai Qing

Trailer:

nach oben

Ein Film von Bernhard Sallmann. Am 21. + 22.1. 15:45. Am 21.1. mit anschlie­ßen­dem Filmgespräch.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Eine Winterreise nach (J)anz (W)eit (D)raußen oder JWD, wie man in Berlin sagt. Die mär­ki­schen Landschaften hin­ter der Stadtgrenze wur­den am Ende des 19. Jahrhunderts von pro­le­ta­ri­schen Erholungssuchenden über­rannt. Kurz dar­auf fraß der Moloch Großstadt die schein­bar unschul­di­ge Idylle: Gentrifizierung Neunzehn Punkt Null. Seitdem wech­seln Um‑, Ab- und Aufbrüche in nicht vor­her­seh­ba­rer Folge. Wie Exkremente einer ver­gan­ge­nen Zukunft lie­gen die ehe­ma­li­gen Rieselfelder, zer­fal­le­nen Grenzanlagen, auf­ge­las­se­nen Fabriken, ange­fan­ge­nen Verkehrswege, neu­en Siedlungen und begrün­ten Müllberge in der Landschaft ver­streut. Der nie gänz­lich ver­klin­gen­de Straßenlärm und die Verbrennungsmotoren unse­rer Tage tönen heu­te schon wie ein totes Echo von morgen. 

Credits:

DE 2022, 74 Min, ohne Dialog,
Regie & Kamera: Bernhard Sallmann
Schnitt: Christoph Krüger.

Trailer:

nach oben

Ein Film von Volker Sattel & Francesa Bertin.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

TARA – das ist ein klei­ner Fluss am Rande der süd­ita­lie­ni­schen Hafenstadt Taranto. Der gleich­na­mi­ge Dokumentarfilm von Volker Sattel und Francesca Bertin hält sich zunächst an des­sen Ufern auf, zeigt idyl­li­sche Badeszenen mit Jung und Alt, den Wind im Gras, einen Marienaltar im Schilf und unter Wasser auf­ge­nom­me­ne Pflanzen. Die Einheimischen spre­chen dem Wasser hei­len­de, magi­sche Kräfte zu, auch eine Legende mit einem Esel rankt sich um den „Fluss des Glücks“.
Allmählich wei­tet sich das Panorama um die benach­bar­ten Fabrikschlote, kon­ta­mi­nier­te Wasserproben, den Bau des gigan­ti­schen ört­li­chen Stahlwerks in den 60er Jahren, eine Deponie mit gif­ti­gen Altlasten und die anti­ke Geschichte der Gegend, vor allem aber um Menschen, die in der maro­den Industriestadt nicht auf­ge­ben und dem Unrecht und Niedergang ihre Ideen und Initiativen ent­ge­gen­set­zen. Mit visu­ell star­ken Bildern, ruhig und eher bei­läu­fig wird so vom ​Scheitern der Versprechungen des Fortschritts und Resistenz glei­cher­ma­ßen erzählt. (Birgit Kohler)
(21. – 24.1., am 24.1. mit Filmgespräch)

Credits:

DE/IT 2022, 86 Min., ital. OmU,
Regie: Volker Sattel & Francesa Bertin
Kamera: Volker Sattel, Thilo Schmidt
Schnitt: Bettina Blickwede

Trailer:

nach oben

Ein Film von Alejandro Loayza Grisi. 

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Im tro­cke­nen boli­via­ni­schen Hochland der Anden lebt ein älte­res Quechua-Ehepaar. Mitten in einer Dürre erkrankt Virginio und ver­bringt sei­ne letz­ten Tage im Wissen um sei­nen bevor­ste­hen­den Tod damit, sei­ne Krankheit vor Sisa zu ver­ber­gen. Alles ver­än­dert sich durch die Ankunft des Enkels Clever, der mit Neuigkeiten zu Besuch kommt. Die drei stel­len sich auf unter­schied­li­che Weise der Dürre, den Veränderungen und dem Sinn des Lebens.

Sie leben fern von dem, was man Erungenschaften der so genann­ten Zivilisation bezeich­net. Ihr Leben ist ein­fach und eng ver­bun­den mit der Natur. Diese ist auf dem Altiplano him­mels­nah und von betö­ren­der Schönheit, gleich­zei­tig auch karg. Jedes Stückchen Erde zählt und wird gepflegt. So gering ihr öko­lo­gi­scher Fussabdruck sein mag: Auch die Indigenen auf dem Altiplano sind betrof­fen von der glo­ba­len Verantwortungsarmut. Die Trockenheiten neh­men zu, die natür­li­chen Zyklen sind in Gefahr. Zusammen mit sei­ner her­vor­ra­gen­den argen­ti­ni­schen Kamerafrau Barbara Alvarez zau­bert der Bolivianer Alejandro Loayza Grisi eine Erzählung auf die Leinwand, die vom Verlust eines Lebensraums han­delt und von einem Leben, das auch so schon ent­beh­rungs­reich ist. Eigentlich bleibt da kein Raum mehr für Abstriche. «Wir waren berührt von die­sem schö­nen Stück eth­no­gra­fi­schen Kinos, das auf einer ein­fa­chen, aber uni­ver­sel­len und sehr auf­rich­ti­gen Geschichte basiert», hat die Jury von Toulouse notiert, als sie Utama aus­zeich­ne­te. Der Film lie­fert eine eben­so schlich­te wie dring­li­che Botschaft: Es gibt nur eine Erde, und es gibt sie nur ein­mal. Wann begrei­fen das ihre Bewohnerinnen und Bewohner in den Zentren? Walter Ruggle

Credits:

BO 2022, 87 Min., Quechua, Spanisch OmU
Regie: Alejandro Loayza Grisi
Kamera: Barbara Alvarez
Schnitt: Fernando Epstein
mit: José Calcina, Luisa Quispe, Santos Choque

Trailer:

nach oben

Ein Film von Daniel Geller und Dayna Goldfine. 

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Neulich beim Aqua-Fitness gab es zur Unterstützung des Takthaltens eine beson­ders scheuß­li­che Disko-Techno-Version, ges­tern auf der Strandpromenade an der Ostsee eine ver­hal­te­ne mit Solo-Trompete: HALLELUJA ist über­all. Kaum eine Hochzeit, Beerdigung, Casting-Show, Straßenmusikerin kommt mehr ohne eine – text­lich ger­ne ent­schärf­te – Version aus, und Musikerinnen, die was auf sich hal­ten, rei­chern ihre Auftritte damit an, eben­so myria­den TV-Sendungen, Serien, Shows und Filme. Was ist mit die­sem Song, der offen­sicht­lich die meis­ten Menschen rund um den Globus zu rüh­ren ver­mag? Der Film erzählt die Geschichte des Liedes, das Leonard Cohen beim Schreiben über Jahre auf meta­phy­si­scher Suche Strophe auf Strophe, die genaue Anzahl bleibt im Dunkeln, ver­län­ger­te. Die Annäherung an den Poeten und Sänger über ein ein­zi­ges Lied, viel­leicht sein, so legt der Film nahe, wich­tigs­tes, ist hier sehr schlüs­sig, aber nicht das ein­zig Interessante. Von Menschen, die dem Musiker nahe stan­den und mit der Entstehung oder dem Song all­ge­mein zu tun hat­ten, hören wir von der unglaub­li­chen Veröffentlichungsgeschichte, wie der Song trotz­dem in die Welt kam und von wem. Dazu gibt es eini­ge klu­ge Kommentare und Überlegungen zum Musikgeschäft all­ge­mein und dar­über hin­aus. Meine Lieblings-Interpretation von HALLELUJA ist übri­gens nach wie vor die von John Cale von 1991, trotz eini­ger hüb­scher unter den Aufnahmen, die im Netz zu fin­den sind.

„Kann man das Genie eines so viel­sei­ti­gen Dichters, über des­sen Leben es knapp 20 Filme gibt, auf einen Song kon­zen­trie­ren? Die erstaun­li­che Antwort gibt die­ser Film, der es schafft, die wich­tigs­ten bio­gra­fi­schen Wendepunkte zu erwäh­nen und doch im Kern nur die Geschichte von »Hallelujah« zu erzäh­len. Dabei ist es erstaun­lich, …, wie wech­sel­voll Cohens Beziehung zu sei­nem eige­nen Lied war und wie er sich am Ende damit ret­te­te.“ epd-film

Credits:

USA 2021 116 MIn., engl. OmU
Regie & Buch: Daniel Geller, Dayna Goldfine
Kamera: Dan Geller
Schnitt: Dayna Goldfine, Bill Weber, Dan Geller

Trailer:

nach oben

Ein Film von Idan Haguel.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Ben ist ein libe­ra­ler, schwu­ler Mann. Er hat einen gut bezahl­ten Job und wohnt mit sei­nem Partner Raz in einem lie­be­voll ein­ge­rich­te­ten Apartment in Tel Aviv. Zum Glück fehlt dem jun­gen Paar nur noch ein Kind, aber sie arbei­ten dran. Um ihre noch etwas abschüs­si­ge Wohngegend zu ver­schö­nern, pflanzt Ben einen Baum auf der ande­ren Straßenseite. Doch sei­ne gut gemein­te Tat löst eine Kette von immer unan­ge­neh­me­ren Ereignissen aus, denn ein Geflüchteter aus Eritrea sieht den Baum aus einer ganz ande­ren Perspektive. Bens Bild von sich selbst, sei­ner Beziehung, ja der gan­zen Gesellschaft gerät dabei zeit­wei­se aus den Fugen.
Mit fei­nem Humor erzählt Regisseur Idan Haguel eine Parabel über das Leben in gro­ßen Städten und dem mensch­li­chen Bedürfnis nach Selbstverwirklichung inner­halb des selbst geschaf­fe­nen Kastenwesens bei gleich­zei­ti­ger Ausbruchsstimmung aus eben die­sem. Doch solan­ge die unhin­ter­frag­ten Privilegien und Annehmlichkeiten halb­wegs aus­rei­chen, wird der Status Quo akzep­tiert. Trotz hohem Problembewusstsein für die sozia­len Verwerfungen, aber dar­über kann man ja bei einem Essen mit Freunden und einem guten Wein reden.
Für sei­ne ele­gant erzähl­te Sozialkritik wur­de „Concerned Citizen“ bereits auf der Berlinale gefeiert.

Credits:

IL 2022, 82 Min., hebäi­sche OmU
Regie, Buch: Idan Haguel
Kamera: Guy Sahaf
Schnitt: Shauly Melamed
mit: Shlomi Bertonov, Ariel Wolf

Trailer:

nach oben

Ein Film von Kirill Serebrennikov.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Es war wahr­schein­lich eines der ver­rück­tes­ten Abenteuer mei­nes Lebens.“ KS
Mehrere Jahre stand der rus­si­sche Theater‑, Opern‑, und Filmregisseur Kirill Serebrennikov unter Hausarrest, vage Vorwürfe der Untreue schränk­ten sei­ne Freiheit ein, die Gefahr einer Verurteilung und der Lagerhaft hin­gen in der Luft. Dieses zu wis­sen hilft viel­leicht, sei­nen neu­en Film zu sehen, die Verfilmung des Romans von Alexey Salnikov – eine irri­tie­ren­de, deli­rie­ren­de Reise in die rus­si­sche Nacht:
Petrov ist Automechaniker und lebt mit Frau und Kind in Jekaterinenburg, knapp öst­lich des Ural. Kurz vor Weihnachten wird die gan­ze Stadt von einer bösen Grippe geplagt, so auch sei­ne Familie.
So weit, so nor­mal – könn­te man den­ken, ist es aber nicht, oder bes­ser, wird es nicht sein. Ob es das Medikament sei­nes Freundes ist, das ihn und uns in die­se Achterbahn aus Paranoia und Phantastischem setzt und Runde um Runde dre­hen lässt? Oder sind es Bilder aus Petrovs Vergangenheit, oder Zukunftsängste, alles ver­mischt mit Fieberträumen? Die Reise geht immer wei­ter, steht sel­ten still, und wird nur von den lan­gen Kamerafahrten gehal­ten.
„Wir kom­men von sei­ner Frau, einer Bibliothekarin mit über­na­tür­li­chen Kräften, zu Igor und lan­den in dem krea­ti­ven und selbst­mör­de­ri­schen Wahnsinn eines Schriftstellers (der unglaub­li­che Ivan Dorn), der davon über­zeugt ist, post­hu­men Ruhm zu erlan­gen. Alles wird in einer gro­ßen Kuppel her­ge­stellt, die aus Chimären besteht, mit einem Weihnachtsfest als Ankerpunkt. Erinnerungen an die Kindheit ver­mi­schen sich, gefilmt aus der Perspektive der sub­jek­ti­ven Kamera, und bie­ten zutiefst ergrei­fen­de und zärt­li­che Eindrücke. Eine Vielzahl von Rückblenden in die Vergangenheit, um das Geschehen zu ent­wir­ren und die auf der Strecke geblie­be­nen Figuren wie­der auf­zu­neh­men. «Petrov’s Flu» kann einen ganz schön ein­wi­ckeln, wenn man sich auf eine fie­ber­haf­te Erzählung ein­lässt.“ Sven Papaux | cineman

Credits:

RU 2021, 145 Min., russ. OmU,
Regie & Buch: Kirill Serebrennikov
nach dem gleich­na­mi­gen Roman von Alexey Salnikov
Kamera: Vladislav Opelyants
Schnitt: Yuriy Karikh
mit: Semyon Serzin, Chulpan Khamatovar

Trailer:

nach oben

Ein Film von Davy Chou.
Am 22.4. um 14:00 mit anschlie­ßen­dem Gespräch mit der Ko-Autorin Laure Badufle.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Eigentlich woll­te Freddie gar nicht nach Seoul, aber als der Flug von Paris nach Japan aus­fällt, nimmt sie kur­zer­hand den nächs­ten mit ähn­li­cher Richtung, und kommt so zum ers­ten Mal seit ihrer Geburt nach Korea. Als Baby wur­de sie von einem fran­zö­si­schen Ehepaar adop­tiert, und ist so als Französin der korea­ni­schen Sprache nicht mäch­tig. Äußerlich jedoch wird sie (sie habe ein »alt­ko­rea­ni­sches Gesicht« heißt es) der Gegend zuge­ord­net, was all­ge­mein stets zu Verwirrung, und sie an ihre Grenzen führt.
Eigentlich will Freddie auch ihre bio­lo­gi­schen Eltern nicht suchen, aber da es nun mal die Möglichkeit bei einer staat­li­chen Stelle in Seoul gibt, ver­sucht sie es doch. Die Mutter ver­wei­gert stets den Kontakt, wäh­rend der Vater sie so sehr sofort in die Familie auf­neh­men will, dass sie ihn schließ­lich zurück­stößt. Der Film bleibt über acht Jahre nah bei sei­ner Protagonistin, die bei jedem neu­em Aufenthalt in der Stadt neue Identitäten zwi­schen Schroffheit und Verletzlichkeit erprobt, sich oft ver­liert und manch­mal wie­der­fin­det.
Der fran­zö­sisch-kam­bo­dscha­ni­sche Regisseur Davy Chou beweist in sei­nem Nachfolgefilm zu „Diamond Island“ gro­ße Sensibilität im Umgang mit Themen wie Heimat, Identität und dem Aufeinanderprallen ver­schie­de­ner Kulturen.
„Der Film ist bis­wei­len so unkon­ven­tio­nell und rup­pig wie sei­ne Protagonistin, ist wie sie auf der Suche. Er hat aber auch ihre ver­füh­re­ri­schen Qualitäten mit einem Hauch von Melancholie, die ihn zu einer fes­seln­den, wenn auch unvor­her­seh­ba­ren Reise machen.“ Wendy Ide | Screen Daily

Credits:

BE/DE/FR/QT 2022, 119 Min., frz, kore­an., engl. OmU,
Regie: Davy Chou
Kamera: Thomas Favel
Schnitt: Dounia Sichov
mit: Ji-Min Park, Oh Kwang-rok, Guka Han, Yoann Zimmer

Trailer:

nach oben

Ein Film von Lukas Dhont.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Remi und Leo sind von klein auf bes­te Freunde. Sie besu­chen die glei­che Schulklasse, ver­brin­gen Tag und manch­mal auch Nacht mit­ein­an­der, und jetzt, im Alter von 13 Jahren, pla­nen sie eine gemein­sa­me Zukunft: Leo wird Manager des begab­ten Oboe-Spielers Remi, und sie rei­sen dann von Konzert zu Konzert durch die Welt.
Wegen der offen­sicht­li­chen engen und lie­be­vol­len Beziehung der bei­den stel­len eines Tages Mitschülerinnen auf dem Schulhof die unschul­dig-pro­vo­ka­ti­ve Frage: „Seid ihr ein Paar?“ Leo ist ver­wirrt und ver­un­si­chert. Von einem Augenblick auf den ande­ren fühlt er sich von Remis Nähe bedrängt und möch­te sich abset­zen. Er war­tet beim Schulweg nicht mehr auf den Freund und beginnt mit dem Training eines männ­lich kon­no­tier­ten Sports, dem Eishockey. Remi ver­steht die Welt nicht mehr. Für ihn hat sich nichts geän­dert, und er weiß nicht, war­um Leo ihn so offen­siv igno­riert.
Gruppenzwang und sei­ne für ande­re oft ver­let­zen­den Folgen, die Frage nach Loyalität und dem eige­nen Empfinden macht Lukas Dhont (der mit GIRL bereits einen ein­fühl­sa­men Film übers Erwachsenwerden vor­stell­te) hier zum Thema, das natür­lich nicht nur Kinder und Jugendliche angeht.
„So herz­zer­rei­ßend die­se Geschichte ist, insze­niert sie Dhont bedacht und zurück­ge­nom­men. Eine Tragödie zieht den Boden unter den Füßen weg, doch das Leben geht wei­ter, irgend­wie. Und mit der Zeit lernt man, den Verlust anzu­neh­men, mit der Leerstelle zu leben, so die tröst­li­che Geste. »Close« ist in all sei­ner Sensibilität ein radi­ka­les Werk. Und zeigt im Porträt die­ser inten­si­ven Jungsfreundschaft auch, wie stark sich Geschlechterrollen in den jün­ge­ren Generationen ver­än­dert haben. Ein Film wäre in die­ser Fluidität noch vor zehn Jahren kaum denk­bar gewe­sen.“
Thomas Abeltshauser | epd-Film

Credits:

BE/FR/NL 2022, 105 Min., frz. OmU
Regie: Lukas Dhont
Kamera: Frank van den Eeden
Schnitt: Alain Dessauvage
mit: Eden Dambrine
Gustav De Waele
Emilie Dequenne
Léa Drucker

Trailer:

nach oben

Ein Film von Mia Hansen-Løve.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Einer der schöns­ten und tröst­lichs­ten Filme des Jahres – mit viel Empathie und ohne zu urtei­len blickt er auf das Leben sei­ner Protagonistin zu einer Zeit, in der sich eini­ge Dinge ändern.
Sandra ist Dolmetscherin, allein­er­zie­hen­de Mutter einer acht­jäh­ri­gen Tochter, aber zunächst vor­wie­gend selbst Tochter. Ihr Vater Gregory, in sei­ner akti­ven Zeit geach­te­ter Philosophieprofessor, lei­det an einer sel­te­nen, fort­schrei­ten­den neu­ro­de­ge­nera­ti­ven Störung. Er ver­gisst Ort und Zeit und Gesichter; der Mann, der er einst war, ist nicht mehr da. Jetzt, wo er nicht mehr allei­ne zurecht­kommt, müs­sen Sandra, ihre von ihm geschie­de­ne Mutter und die aktu­el­le Freundin nicht nur ein Heim suchen, son­dern ihn auch vom Umzug über­zeu­gen und sei­ne Wohnung auf­lö­sen – nach­voll­zieh­bar trau­ri­ge, schreck­li­che Aktivitäten. Eine Odyssee durch Krankenhäuser und Pflegestationen beginnt, ein Ort erscheint schlim­mer als der ande­re. Parallel dazu schafft Sandra es, sich in ihre ers­te Beziehung seit dem Tod ihres Mannes zu manö­vrie­ren. Clément ist ein frü­he­rer Freund der Familie, aller­dings ver­hei­ra­tet mit Kind. Aus der anfäng­li­chen Affäre wird mit der Zeit eine Romanze, und ein Hin- und Her von Trennung – „ich kann das nicht“ – und Rückkehr – „Ich kann nicht ohne dich“ – nimmt sei­nen Lauf.
„… Hansen-Løves Filme sind Ensemblewerke vor allem des­halb, weil Figuren nicht auto­nom, son­dern Knoten in einem Beziehungsgeflecht sind, das der Film nicht krea­tiv spinnt, son­dern in das er sich ein­fach hin­ein­legt. Die Verbindungen schei­nen immer schon da, noch bevor das durch sie Verbundene exis­tiert. Hansen-Løve braucht kei­ne ‚Establishing Shots‘ für ihre Szenen, weil sie gar nicht anders kann, als das Leben, das sie beguckt, als bereits eta­blier­tes zu den­ken, das wei­ter­läuft, immer wei­ter­läuft. Keine Figur, in der das Drama ablau­fen­der Lebenszeit nicht schon ein­ge­rech­net wäre, des­halb berüh­ren sie mich mehr als sol­che, die für ein ganz bestimm­tes Drama erst erfun­den wur­den. …“ Till Kadritzke, critic.de

Credits:

Un beau matin
FR/DE 2022, 112 Min., frz OmU
Regie: Mia Hansen-Løve
Kamera: Denis Lenoir
Schnitt: Marion Monnier
mit: Léa Seydoux, Pascal Greggory, Melvil Poupaud, Nicole Garcia, Kester Lovelace

Trailer:

nach oben