Kategorie: archiv

Für immer 16
Ein Film von Brezel Göring.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Der Film erzählt die Geschichte von Charlotte, Helena und Oskar – die sich nach langer Zeit wiedertreffen und – eingeladen von Charlotte – gemeinsam in den Urlaub fahren. Sie hat nämlich Geld, hat Karriere gemacht als Schauspielerin, während die anderen beiden nach wie vor Undergroundkunst machen (und völlig verarmt sind). Die drei waren früher die Experimentalfilmgruppe „Les enfants terrible”, hatten sich aber heillos zer- stritten. Und jetzt brechen Neid und Eifersucht erneut aus und nehmen sogar an Schärfe zu, als Rudolph in ihr Leben tritt. Alle drei verlieben sich und haben nacheinander eine Affäre mit ihm! Sie beschließen – wie früher – einen Undergroundfilm zu drehen. Demenzia, eine männermordende Serienkillerin, gespielt von Helena, bringt unentwegt Typen um, allesamt gespielt von Rudolph. Beim letzten Dreh kommt Rudolph durch einen Unfall zu Tode. Die drei lassen die Leiche verschwinden und durch diese kriminelle Aktivität erwacht die alte Freundschaft und die Liebe zueinander erneut.

Der Film Für immer 16 beruht auf einem Roman von Françoise Cactus. Sie hat sich vorgestellt wie es wäre alt zu sein und die Kumpels von früher wiederzusehen: also Science-Fiction, bezogen auf die Individualpsychologie. Sie machen da weiter, wo sie
aufgehört haben: 1. sie drehen einen Film und 2. sie zanken sich!
Neben den Rivalitäten und Streitereien stellen sich auch grundsätzliche Fragen: wie altern Subversion, schwarzer Humor, Antimoral, Genderidentitäten, Feminismus, jugendliche Fundamentalopposition? Und wie kann man verhindern, dass Subversion Teil des Mainstreams und der Verwertungskultur wird?
Die drei Hauptpersonen stehen für unterschiedliche Formen des Scheiterns: Charlotte kommerzialisiert sich, Helena verbittert über der Erfolglosigkeit und Oskar gibt resigniert die Kunst auf.
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Credits:
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DE 2026 74 Min., deutsche OmeU
Regie Brezel Göring
Kamera: Stephan Holl
mit: Lilith Stangenberg, Chang Wang, Mücke, Twiggy, Anton Garber
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Trailer:
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Sa., 18. 7.:
Funeral Casino Blues
Ein Film von Roderick Warich.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Jen lebt in Bangkok – zwischen der Rezeption eines Apartmenthauses und den Hotelzimmern fremder Männer. Was sie verkauft, ist Zeit, Nähe, manchmal nur einen Moment. Als ein Treffen eskaliert, greift Wason ein – ein Barkeeper, der mehr verloren hat, als er zeigt. Für eine kurze Weile treiben sie gemeinsam durch die schwülen Nächte.
Dann ist Jen fort. Keine Spur. Kein Abschied.
Pim, ihre Mitbewohnerin, beginnt zu suchen. Wason folgt ihr. Ihre Spur führt durch leere Gassen, fremde Zimmer, offene Schulden und Erinnerungen, die sich entziehen. Bis an die kambodschanische Grenze – oder vielleicht nur zurück dorthin, wo Jen längst verschwunden war.
Als Jen verschwindet – ohne Nachricht, ohne Abschied – folgen ihre Mitbewohnerin Pim und der stille Barkeeper Wason ihrer Spur. Eine leise Suche beginnt, durch Nächte, Erinnerungen – und eine Stadt, die niemanden vermisst.

„Wenn man im ersten Akt eine Pistole zeigt, muss sie im dritten Akt abgefeuert werden – eine dramaturgische Regel von Anton Tschechow, es geht dabei um Erzählökonomie, um das Vermeiden loser Enden, um den Aufbau von Spannung. Roderick Warich zeigt in seinem Film „Funeral Casino Blues“ schon ziemlich am Anfang die Pistole: Wason (Wason Dokkathum) hat sie im Hosenbund stecken, er lüftet sein Hemd, um Jen (Jutamat Lamoon) vor einem aufdringlichen Verehrer (sprich: Freier) zu befreien. Die Pistole wird immer wieder auftauchen. Sie wird auch abgefeuert. Aber dies im Off, nach Schwarzblenden, und auch nicht unbedingt im dritten Akt, weil so etwas wie eine klare Aktaufteilung, überhaupt eine strukturierte, standardisierte Erzählweise liegt Warich fern.
Und das macht seinen Film so unbedingt interessant, so unbedingt sehenswert. Man muss sich nur darauf einlassen, dann kann man versinken in hypnotischen Bildern, in denen die Kamera sich durch den Raum bewegt, durchs nächtliche Bangkok, dann kann man sich verlieren in den Figuren, deren Innerstem wir uns allenfalls annähern, dann kann man eintauchen in eine Geschichte, die von der Liebesgeschichte in die Noir-Gangsterstory wechselt, die zum Geisterfilm wird, ohne Horror zu sein.„
Kinozeit | Harald Mühlbeyer
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Credits:
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DE 2025 , 153 Min. · Thailändische Originalfassung mit deutschen Untertiteln
Regie: Roderick Warich
Kamera: Roland Stuprich
Schnitt: Hannes Bruun
mit: Jutamat Lamoon · Wason Dokkathum · Jutarat Burinok · Piyapong Saebui · Rinda Hamer · Chayanee Choomnoommanee
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Trailer:
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Do., 16. 7.:
The Lights, They Fall
Ein Film von Saša Vajda.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Es scheint, als seien Abschied und Tod zu manchen Zeiten im Kino besonders präsent – im November gab es den Dokumentarfilm Palliativstation, vor kurzem den sensiblen und ruhigen Sechwochenamt, und gerade noch den formal aufregenden Everytime. Alles grundverschiedene Filme mit vergleichbarem Thema, dem Verlust. Auch The Lights, They Fall geht sehr eigen mit dem Protagonisten um. Ilay ist noch viel zu jung, um seine Mutter zu verlieren, aber sie wird palliativ betreut, und ihr Ende ist abzusehen. Ein Vater ist nicht zu sehen, und so ist die Pflegerin Ana die einzige, mit der er sich austauschen kann. Ansonsten driftet er, wortkarg und introvertiert, durch sommerliche Nächte im Norden Berlins, arbeitet oder trifft sich mit verständnisvollen Freunden. Als er sieht, dass sein Arbeitsleiter seinen Hund schlecht behandelt, stiehlt Ilay spontan das Tier, ohne Plan, was er damit anfangen soll.
In stillen, intensiven Bildern zeigt Saša Vajdas erster Langspielfilm den Alltag von Ilay und Ana. Das Band zwischen ihnen ist zerbrechlich, und manchmal verwebt sich Alltägliches mit Traumhaftem, da sich in die realistische Oberfläche immer wieder kleine Irritationen einschleichen.
„Es ist bei Weitem nicht „alles gut“ – weder bei Ilay, noch bei Ana. Und doch verströmt The Lights, They Fall etwas ungemein Tröstliches. Das Rätselhafte, das der Film in seine sehr lebensnahe Welt einwebt, macht die Dinge nicht verwirrender, sondern klarer. Und das ist wirklich erstaunlich.“ Andreas Köhnemann | kino-zeit
„Vor allem, wie belastend die Situation für Angehörige sein kann – psychisch und emotional. Im Film ist der Sohn erst 16. Er wollte nicht wahrhaben, dass seine Mutter sterben wird. Das begegnet uns in der Pflege oft: Angehörige, die den Abschied nicht akzeptieren können.“ sagt Shanthi Philipp auf die Frage, nach dem, was man aus dem Film mitnehmen sollte. Die Darstellerin der Shanti ist, wie auch die der Ana, Flor Prieto Catemaxca, Palliativpflegerin.
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Credits:
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DE 2026 , 87 Min., deutsche OmeU,
Regie: Saša Vajda
Kamera: Tom Otte
Schnitt: Denys Darahan, Saša Vajda
mit: Mohammed Yassin Ben Majdouba, Flor Prieto Catemaxca, Mahira Hakberdieva, Safet Bajraj, Shanthi Philipp, Solomon Guye, Mahir Özel
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Trailer:
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Mi., 15. 7.:
Everytime
Ein Film von Sandra Wollner.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Langsam steigt die goldrote Sonne groß und rund über den Dächern Berlins empor. In ein paar Stunden soll Jessie mit ihrer Familie die Urlaubsreise nach Teneriffa antreten. Doch dann geschieht ein Unglück, ein unendlicher Verlust, und die Zeit scheint stillzustehen. Viel später geht das Leben der anderen einfach weiter: für Jessies Mutter Ella, ihre Schwester Mellie und ihren Freund Lux. Trotz des Abstands ist für sie jedoch alles immer noch anders. Ella beschließt spontan, zum Tag des tragischen Geschehens zurückzukehren. Die Reise, die nie stattfand, treten die drei jetzt an.
Als Meisterin der behutsamen Zeitmanipulation hat sich die Regisseurin schon bei The Trouble with Being Born bewiesen; hier setzt sie auf temporäre Verschiebungen und die Magie der Erinnerung. Die Landschaft der kanarischen Vulkaninsel wird bei allem realistisch dargestellten äußeren Geschehen fast zu einem mythischen Ort, an dem die Irrationalität das Handeln übernimmt. So ist es kein Wunder, dass die zu einem gelben Riesenpixel mutierte Sonne schließlich endlos über dem Meereshorizont steht und nicht mehr untergehen will.
„Everytime fängt einen Zwischenzustand ein, eine Parallelwelt, in der sich die Trauernden bewegen. Sie sieht der Welt der Nicht-Trauernden verdächtig ähnlich, aber Zeit und Raum und Logik funktionieren hier anders. Mit ihrem Handy schickt Melli weiterhin SMS an ihre große Schwester, und die Kamera gleitet immer wieder durch die würfelige Landschaft des Computerspiels, das die Mädchen immer gespielt haben. Ist Jessie hier zu finden? Oder in den grellen Schwarzweiß-Kontrasten der kanarischen Insel, auf der die Familie Urlaub machen wollte, bevor Jessie starb, und auf die Ella nun Lux mitnimmt?
Sandra Wollner gibt keine Antworten, aber ihr Film nimmt faszinierende, irrlichternde Wege, die sich immer weiter vom Realismus des Beginns entfernen. In Cannes wurde Everytime in diesem Jahr mit dem Preis für den besten Film in der Sektion „Un certain regard“ 2026 ausgezeichnet.“
Hendrike Bake | indiekino

Am 22. & 23.8. zeigen wir auch einen früheren Film von Sandra Wollner: Das unmögliche Bild
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Credits:
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DE/AT 2026 , 123 Min., deutsche OmeU,
Regie: Sandra Wollner
Kamera: Gregory Oke
mit: Birgit Minichmayr, Lotte Shirin Keiling, Tristán López, Carla Hüttermann, Naomi Elia Richard

Audiodeskriptionen, Untertitel und Hörverstärkung mit der Greta App
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Trailer:
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Mi., 8. 7.:
Filme von Jean Eustache
Jean Eustache, ausgebildeter Elektriker und Autodidakt, war als Arbeiter-Kind eine Ausnahmefigur der ansonsten bourgeoisen Nouvelle Vague. Fast autobiografisch spiegelt sich sein Leben auch in seinen Filmen wieder. Mit präziser Aufmerksamkeit für Sprache, Gesten und soziale Wirklichkeiten bewegt sich Eustaches Kino in einem Raum dokumentarischer Fiktion. Dank der Re:Visted-Reihe des Grand film-Verleihs können wir ein paar seiner Klassiker anbieten:

LA MAMAN ET LA PUTAIN von 1973, in dem Jean-Pierre Léaud als Flaneur Alexandre zwischen zwei Frauen, endlosen Gesprächen in Pariser Cafés auf der Suche nach sich selbst ist. So., 6.9. 13:00 [Tickets]

Im autobiografisch gefärbten MES PETITES AMOUREUSES von 1974
wird der 13-jährige Daniel aus seinem behüteten Landleben gerissen und in die Enge der Stadt und die Härte der Erwachsenenwelt gestoßen.
So., 29.8. 16:00 [Tickets]

LA ROSIÈRE DE PESSAC (1968) & LA ROSIÈRE DE PESSAC 79 (1979)
Zwei Dokumentarfilme über die Wahl und das Fest der Rosenkönigin in Pessac bei Bordeaux, die jährlich im April und Juni stattfinden. Die Zusammenstellung bezieht keine ausdrückliche Position zu den Ereignissen; deren schlichte Dokumentation, 1968 und elf Jahre danach, macht Veränderungen deutlich. So., 5.9. 14:15, Mi., 9.9. 17:45 [Tickets]

UNE SALE HISTOIRE (1977) besteht aus zwei Filmen: Zunächst entstand ein 16-mm-Film, gedreht im Stil des Cinéma vérité, in der ein Mann von seinen voyeuristischen Erlebnissen in der Toilette eines Pariser Cafés erzählt, wo er ein Loch in der Wand zur Damentoilette entdeckt hat. Seinen Text ließ Eustache später, auf 35mm gedreht, von einem professionellen Schauspieler sprechen. Die Filme werden allerdings in umgekehrter Reihenfolge vorgeführt, also die Fiktion vor der Dokumentation – wobei sich natürlich auch die Frage stellt, was an der von Picq erzählten Geschichte echt ist und was nicht. Auf diese Weise gelang Eustache eine einzigartige Reflexion über das Verhältnis von Dokumentarischem und Fiktivem. (+ Les photos d’Alix)
31.8. 18:15, Mo., 7.9. 17:45 [Tickets]

NUMÉRO ZÉRO (1971)– das bezeichnet eine Art Nullpunkt, und tatsächlich hat Eustache hier filmisch noch einmal von vorn angefangen: Er lässt seine Großmutter Odette Robert aus ihrem Leben erzählen, unterbrochen nur von kurzen Fragen oder Anmerkungen Eustaches, um den Redefluss in Gang zu halten.
So., 30.8. 16:00 [Tickets]

DU CÔTÉ DE ROBINSON (1964) Zwei jungen Männern, die an einem Sonntagnachmittag in Montmartre auf Frauensuche gehen. Der Film konzentriert sich dabei auf Alltagsvorgänge, die normalerweise im Kino jener Zeit nicht gezeigt wurden. &
LE PÈRE NOËL A LES YEUX BLEUS (1966) Um das Geld für einen Mantel zu beschaffen, verdingt sich ein junger Mann als Kaufhaus-Weihnachtsmann. Wiederum mischt Eustache Alltagsbeobachtungen und Fiktion, und zeichnet so das melancholische Portrait einer Provinzstadt.
Di., 8.9. 17:45 [Tickets]
Mo., 22. 6.:
Ninja Motherf*cking Destruction
Ein Film von Lotta Schwerk.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Eine filmische Langzeitstudie, die über 8 Jahre das Coming of Age von Leonie begleitet: Leonie und Marlene sind 18 Jahre alt, beste Freundinnen und sicher, dass nichts sie trennen kann. Doch Leonie verliebt sich in Naomi, gibt sich ganz ihrer großen Liebe hin und entfernt sich immer weiter von Marlene. Mit der Zeit stellt sich heraus, dass Naomi an Depressionen leidet, die Leonie zunehmend überfordern. Erst als die Beziehung endgültig zerbricht, merkt Leonie, wie sehr sie sich isoliert hat. Sie verlässt Berlin und beginnt eine Ausbildung zur Gärtnerin in Brandenburg, die ihr dabei hilft, die Welt um sich herum wieder zu sortieren. Mit neu gefundener Stärke traut sie sich, nach Jahren der Entfremdung auf ihre Jugendfreundin Marlene zuzugehen.
„Als ich 2017 begann, diesen Film zu drehen, sehnte ich mich nach einem Raum im Kino, in dem ein junger weiblicher oder queerer Körper ohne den männlichen Blick aufwachsen kann in der vulnerablen Zeit zwischen 18 und 25. „Ninja Motherf*cking Destruction“ ist ein Film über Intimität, über Sexualität und über Körper, die sich über 8 Jahre hinweg verändern. Und über das liebevolle, schmerzhafte, ambivalente Beziehungsnetz zwischen (queeren) Frauen.“
Lotta Schwerk
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Credits:
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DE 2025 79 Min., deutsche OmeU,
Regie: Lotta Schwerk
Kamera: Fion Mutert
mit: Emma Suthe, Marie Tragousti, Merle von Mach, Yildiz Tiryakioglu
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Trailer:
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Fr., 19. 6.:
Transit Times
Ein Film von Ana-Felicia Scutelnicu.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Moldawien, 1997. Sechs Jahre nach dem Zusammenbruch der UdSSR ist die anfängliche Euphorie verflogen und hat ein Land zurückgelassen, das in einer tiefen und anhaltenden Krise versinkt. Inmitten dieser harten Realität kämpft eine Familie ums Überleben. Zina, eine Bühnenbildnerin an einem einst lebendigen Kindertheater, hat seit Monaten keinen Lohn erhalten, versucht jedoch weiterhin, ihre Familie zusammenzuhalten und Essen auf den Tisch zu bringen. Ihr Ehemann Victor, ein von der Geschichte zurückgelassener Künstler, versinkt in Melancholie und ist unfähig, sich an die neue Wirklichkeit anzupassen. Ihre Tochter Eva, eine begabte Klavierschülerin, lässt die Kindheit hinter sich, während sie ihren Platz in einer Welt sucht, die um sie herum zu zerfallen scheint. Während Freunde und Nachbarn das sinkende Schiff still und leise verlassen, um im Ausland ein besseres Leben zu suchen, treibt die Verzweiflung Zina dazu, das Familienhaus zu vermieten. Diese Entscheidung zerreißt die Familie und reißt sie in eine gefährliche Reise hinein, gefangen zwischen Überleben, flüchtiger Hoffnung und dem zerbrechlichen Traum von einem Leben, das vielleicht niemals das ihre sein wird.
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Credits:
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Înstrăinare
DE/RO/MD 2026, 133 Min., rumänische OmU
Regie: Ana-Felicia Scutelnicu
Kamera: Javier Palicio
Montage: Ecaterina Iaschevici, supported by Dana Bunescu
mit: Marina Palii, Arina Mura, Ion Munteanu, Paulina Zavtonii, Ion Liulica, Marina Weis
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Trailer:
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Do., 18. 6.:
Dreams – Gefährliches Verlangen
Ein Film von Michel Franco.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Wie bereits bei seinem Drama Memory (2023) arbeitet der Autorenfilmer Michel Franco bei seinem dritten Film erneut mit der US-Schauspielerin Jessica Chastain zusammen. Auch dieses Mal agieren beide, ergänzt durch den Ballettstar Isaac Hernández, vor und hinter der Kamera mit der dem Sujet angemessenen Sensibilität. Der Film ist eine Abrechnung mit der amerikanischen Migrationspolitik und den dahinter stehenden gesellschaftlichen Denkmustern, die er hochspannend und parabelhaft auf eine erotische Affäre verdichtet.
In den USA ist es Tradition, im Falle großen Reichtums einen kleinen Teil des Vermögens in gemeinnützige Arbeit umzuwandeln und dies auch öffentlich zu zelebrieren. High-Society-Erbin Jennifer verwaltet die Stiftung ihrer Familie und fördert dabei bevorzugt Kunstprojekte im Nachbarland Mexiko. Auch ihr Liebesleben hat sie dorthin ausgelagert, in Form des hochtalentierten einheimischen Balletttänzers Fernando. In der Hoffnung, dass sie ihm bei seiner Karriere unterstützt, wagt der junge Mann eines Tages den extrem gefährlichen und illegalen Weg in den Norden. Als er plötzlich in Jennifers luxuriösem Apartment in San Francisco auftaucht, droht ihre sorgfältig kontrollierte Welt auseinander zu fallen, und bald stoßen beide an ganz anders gezogene Grenzen.
„Michel Franco, Drehbuchautor, Regisseur und Produzent aus Mexiko, statuiert in seinem aktuellen Film ein Exempel. Er setzt Klassen- und Geschlechterverhältnisse mit Herkunft, Macht und Charakter in Relation, und zwar so, dass sich die Agenten des Konflikts gleichermaßen allegorisch lesen lassen: Mann und Frau als Stellvertreter ihrer jeweiligen Heimatländer USA und Mexiko, Nachbarn, deren Verhältnis von Ausbeutung geprägt ist. Die Idee mag auf den ersten Blick plakativ wirken, sie sieht aber vor allem dank hervorragender schauspielerischer Ausführung keineswegs so aus.“
Alexandra Seitz | tip
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Credits:
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MX 2025, 100 Min., engl., span. OmU,
Regie: Michel Franco
Kamera: Yves Cape
Montage: Michel Franco, Oscar Figueroa Jara
mit Jessica Chastain, Isaac Hernández, Rupert Friend, Marshall Bell, Eligio Meléndez, Mercedes Hernández
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Trailer:
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Do., 18. 6.:
Little Boy
Ein Film von James Benning.

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„… a truly depressing film“ James Benning

Es ist erschreckend, wenn Bomben Namen bekommen. Ungeheuerlich aber war die Benennung des Geschosses, die über Hiroshima explodierte und hunderttausende Leben forderte: Little Boy – kleiner Junge. James Benning war damals, 1945, ein kleiner Junge. Sein Film unterminiert die kindliche-unschuldige Welt mit Militarismus, Politik, Rassismus, indem er niedliche Miniaturmodelle, etwa von Zügen oder Bauwerken, fein säuberlich anpinseln lässt, und wer sich auskennt, kann auch die winzigen Firmennamensschilder zuordnen. Jedes Teil bekommt dabei seine eigene, passende oder konterkarierende Tonspur zugewiesen. Meist sind es Lieder, so von Tracy Chapman, Sinéad O’Connor, Cat Power und Nat King Cole, aber auch Reden und Ansprachen, die im Zusammenspiel mit dem Bild Emotionen freisetzen können.
Es ist ein beinahe wütender Film, und leider aktueller denn je. Und für Eltern von Schulkindern hat er eine Empfehlung: Pete Seegers „What Did You Learn in School Today?“ – nicht nur für die USA relevant.
„Das Gesamtbild ist das einer Gesellschaft, die zu Zyklen des inneren Niedergangs verdammt ist und im Namen eines „friedensstiftenden“ Interventionismus in den internationalen Terror verwickelt ist. … Little Boy [ist] ein amerikanisches Epos im Kleinen.“ filminc
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Credits:
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US 2025, 74 Min., englische OmU
Regie: James Benning
mit Johnan Jahromi, Alessandro Streccioni, Yusef Ferguson, Yuan Gao, Nelson De Los Santos, Calum Walter, Nathan Meier, James Benning
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Trailer:
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Berlinale 2025 – Q&A about LITTLE BOY

Kein Trailer, aber das QnA zur Forumspremiere.
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Mi., 17. 6.:
Bitteres Fest
Ein Film von Pedro Almodóvar.

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Im Jahre 2004 arbeitet die Filmregisseurin Ella (Bárbara Lennie) an einem Drehbuch, das nicht recht voran geht, so sehr ihr höchst attraktiver Lover Bonifacio (Patrick Criado) – hauptberuflich Feuerwehrmann, nebenberuflich Stripper – ihr auch den Rücken freihält. Einst hatte Ella einige künstlerisch anspruchsvolle Filme gedreht, die inzwischen Kultstatus genießen, was, wie Ella einmal selbst gesteht, bedeutet, dass kaum jemand sie gesehen hat, die wenigen Zuschauer sie aber zutiefst verehren. Eine schwere Migräneattacke lässt Ella innehalten, zusammen mit ihrer besten Freundin Patricia (Vicky Luengo) reist sie nach Lanzarote, lässt sich von den kargen Landschaften der Insel inspirieren, noch mehr jedoch vom Leben ihrer Freunde: Alles ist Material im Leben eines Schriftstellers, ebenso wie im Leben einer Filmregisseurin.

2026 leidet der Filmregisseur Raúl Rossetti (Leonardo Sbaraglia) an einer Schreibblockade, aus der ihn auch die Unterstützung seines höchst attraktiven Lovers Santi (Quim Gutiérrez) nicht befreien kann. Raúls langjährige Assistentin Monica (Aitana Sánchez-Gijon) hat gerade gekündigt, berichtet ihm von ihren privaten Problemen – die Raúl nur zu gern in sein Werk einfließen lässt, schließlich ist alles Material.

Eine ganze Weile lässt Pedro Almodóvar in seinem neuen Film „Bitteres Fest“ die beiden Erzählebenen nebeneinanderstehen, ohne ihre Verbindung zu konkretisieren. Doch bald wird klar, dass die Ebene mit Ella nicht real ist, sondern eine Visualisierung des Drehbuchs, das Raúl gerade schreibt. So kommt es, dass manche Szenen in kleinen Variationen doppelt zu sehen sind, so lässt sich erklären, dass nicht alles Sinn macht, schließlich sieht man da nur die erste, noch unfertige Drehbuchversion.

Hübsch ist das konstruiert, ein wenig selbstverliebt auch, erinnert nicht zufällig an „Leid und Herrlichkeit“, das am deutlichsten autobiographische Werk in der langen Karriere Pedro Almodóvars, in dem Antonio Banderas als Alter Ego des Regisseurs auftrat. Hier übernimmt der argentinische Schauspieler Leonardo Sbaraglia diesen Part, der seinem Regisseur sehr ähnelt, wenngleich 20 Jahre jünger, ein bisschen Eitelkeit darf sein.

Wie so oft spielt Almodóvar auch hier mit selbstreferenziellen Bezügen, baut eine Meta-Narration auf, mit der er die Frage umkreist, wie frei ein Autor in der Wahl seiner Themen sein darf, wie sehr er Leben und auch Leiden seiner Mitmenschen und vor allem seiner engen Freunde ausschlachten und für seine eigenen erzählerischen Zwecke verwenden darf. Almodóvars Antwort fällt eindeutig aus: Es gibt keine Grenzen, die Kunst steht über allem, auch wenn dies bisweilen Konflikte hervorrufen kann.

Letztlich dient diese Fragestellung in „Bitteres Fest“ jedoch in erster Linie dazu, Almodòvar einmal mehr die Möglichkeit zu geben, sich einmal mehr in die typische Almodóvar-Welt zu begeben, in der schöne Menschen in perfekt designten Appartements leben, deren markante Farbgebung mit den ebenso markanten, einfarbig leuchtenden Pullovern oder Mänteln korrespondieren.

Auch wenn man nicht behaupten kann, dass sich Pedro Almodóvar in seinem nun schon 25. Film neu erfindet: Wenn man ihn, seine Filme und die Welt, in der sie spielen, schätzt, dann ist es eine wahre Freude, sich einmal mehr auf sanft melodramatische Weise unterhalten zu lassen.Michael Meyns
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Credits:
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Amarga Navidad
ES 2026, 111 Min., spanische OmU
Regie: Pedro Almodóvar
Kamera: Pau Esteve Birba
Schnitt: Teresa Font
mit Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón und Victoria Luengo.
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Trailer:
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So., 14. 6.: