ein Film von Jasmila Žbanić.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Als Lehrerin hat die bos­ni­sche Muslimin Aida (Jasna Ðuriči) vor Beginn des Jugoslawienkriegs gear­bei­tet, leb­te mit Mann und zwei Söhnen in Srebrenica, gemein­sam mit Serben und ande­ren Ethnien, wie es im Vielvölkerstaat Jugoslawien Jahrzehntelang üblich war. Doch der Krieg hat aus Nachbarn Feinde gemacht, die Stadt steht unter Beschuss der bos­nisch-ser­bi­schen Truppen unter ihrem Anführer Ratko Mladić (Boris Isaković), Gerüchte von Vergewaltigungen und Morden an der Zivilbevölkerung machen die Runde. Aida selbst ist nicht in Gefahr, sie arbei­tet für die Blauhelme der UNPROFOR-Truppen als Übersetzerin, doch ihr Mann Nihad (Izudin Bajrović) und die bei­den Söhne Hamidja (Boris Ler) und Ejo (Dino Bajrović) sind außer­halb der UN-Anlage, wo sich tau­sen­de Menschen unter der sen­gen­den Sonne ver­sam­melt haben und Einlass begehren.

Im Inneren ahnt der nie­der­län­di­sche Kommandant Karremans (Johan Heldenbergh), dass die Absprache, die er mit Mladić getrof­fen hat, nur Augenwischerei war: Der Zivilbevölkerung frei­es Geleit zu geben und nur Soldaten in Gewahrsam zu neh­men war die Vereinbarung, doch der Aufmarsch an schwer bewaff­ne­ten ser­bi­schen Soldaten lässt kei­nen Zweifel dar­an, was pas­sie­ren wird. Mit zuneh­men­der Verzweiflung ver­sucht Aida Karremans davon zu über­zeu­gen, zumin­dest ihre Familie zu ret­ten, doch dem Kommandanten sind die Hände gebun­den. Und so neh­men die Ereignisse ihren Lauf, an deren Ende über 8000 Tote ste­hen, ermor­det im schlimms­ten Massaker der euro­päi­schen Nachkriegsgeschichte.

Gleich mit ihrem Debütfilm „Grbavica“ hat­te die bos­ni­sche Regisseurin Jasmila Žbanić 2006 den Goldenen Bären gewon­nen, ein Film, in dem sie sich mit den psy­cho­lo­gi­schen Folgen des Jugoslawienkrieges beschäf­tigt hat­te. Das sie mit „Quo Vadis, Aida?“ in die Zeit des Krieges zurück­kehrt und sich mit einem der am aus­führ­lichs­ten doku­men­tier­ten Ereignisse des Krieges beschäf­tigt mag daher über­ra­schen. Neue Einblicke in das Massaker kann es nicht geben, die Frage von Tätern und Opfern ist klar beant­wor­tet, das Versagen der inter­na­tio­na­len Gemeinschaft aus­führ­lich doku­men­tiert.
Zwischentöne gibt es dann auch bei Žbanić kaum: Wenn Aida auf der ser­bi­schen Seite einen ehe­ma­li­gen Schüler ent­deckt, scheint für kur­ze Momente die Frage auf­zu­kom­men, wie aus einst freund­li­chen Bekannten Gegner auf Leben und Tod wer­den kön­nen, doch schnell wird die­se Ambivalenz bei­sei­te gewischt. Etwas ein­fach macht es sich Žbanić oft, wenn sie die ser­bi­schen Truppen als waf­fen­star­ren­de, glatz­köp­fi­ge Muskelprotze schil­dert, die schon aus der Ferne wie blut­rüns­ti­ge Mörder aus­se­hen, denen in Gestalt der kaum voll­jäh­rig wir­ken­den hol­län­di­schen Blauhelmtruppen, oft ohne Gewehr, dafür in kur­zen Hosen klei­ne Jungs gegen­über­ste­hen, die eher wie Pfadfinder wirken.

Einerseits bestä­tigt Žbanić dadurch die Klischees des Jugoslawienkrieges, ande­rer­seits kann es gera­de im Fall des Massakers von Srebrenica kei­ne Frage über Schuld und Unschuld geben. Die Komplexität der Ursachen des Krieges, die Verbrechen, die von allen Seiten began­gen wur­den, spie­len in „Quo Vadis, Aida?“ jedoch kei­ne Rolle, Jasmila Žbanić geht es nur dar­um, ein Ereignis in fast doku­men­ta­ri­scher Manier dar­zu­stel­len. Ein Ziel, das ihr frag­los auch ein­drucks­voll gelingt.

Michael Meyns

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Credits:

BA/AU/PL/DE/RO/FR/NO/TK/NL 2020, 104 Min.
Regie & Buch: Jasmila Žbanić
Kamera: Christine A. Maier
Schnitt: Jarosław Kamiński
Darsteller: Jasna Đuričić, Izudin Bajrović, Boris Ler, Dino Bajrović, Boris Isaković. Johan Heldenbergh, Raymond Thiry

Trailer:

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a film by Jasmila Žbanić. 

[Credits] [Termine] [Trailer]

Aida is working as a trans­la­tor for the UN at their camp in Srebrenica, when nego­tia­ti­ons go awry and events quick­ly heat up. As the tro­ops of the Bosnian Serbs led by Ratko Mladić mobi­li­ze, thou­sands of scared Bosnians flock to the gates of the camp to find shel­ter the­re. But the UN are not aut­ho­ri­zed to give any sub­stan­ti­al help, and Aida beco­mes torn bet­ween her pro­fes­sio­nal and pri­va­te duties.
The mas­sa­cres com­mit­ted by the Serbian army in Srebrenica in July, 1995 remain an open wound and a taboo to this day, denied by many, dis­cus­sed and taught by very few peo­p­le in the for­mer Yugoslavia. The Bosnian War its­elf has a firm grip on the work of wri­ter-direc­tor Jasmila Žbanić ever sin­ce her ear­ly days as a film­ma­ker. Here she turns histo­ry into a fran­tic (and very real) thril­ler that finds its nar­ra­ti­ve core in Aida’s despe­ra­te strugg­le to save her hus­band and sons. Three hel­p­less men, one fight­ing woman: QUO VADIS, AIDA? offers an unmist­aka­b­ly femi­nist take on the sto­ry of the Srebrenica geno­ci­de. But in the end it is Serbian actress Jasna Djuricic who­se pre­sence, ener­gy, and sheer dedi­ca­ti­on make this film take flight: A simi­lar­ly fier­ce and spellb­in­ding heroi­ne will be hard to find any­whe­re else in Europe’s con­tem­po­ra­ry art house cine­ma. (Stefan Grissemann)

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Credits:

BA/AU/PL/DE/RO/FR/NO/TK/NL 2020, 104 Min.
Regie & Buch: Jasmila Žbanić
Kamera: Christine A. Maier
Schnitt: Jarosław Kamiński
mit: Jasna Đuričić, Izudin Bajrović, Boris Ler, Dino Bajrović, Boris Isaković. Johan Heldenbergh, Raymond Thiry

Trailer:

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ein Film von Gesa Hollerbach. Ab 3.7. im fsk.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Das Landleben wird immer gefrag­ter, dabei wer­den die Schwierigkeiten, mit denen Gemeinden dort zu kämp­fen haben, immer grö­ßer. Exemplarisch zeigt der Film drei Dörfer und drei Versuche, sie Leben zu las­sen: eine Bürgermeisterin ver­klagt das Land Sachsen, weil die ört­li­che Schule geschlos­sen wer­den soll, eine Bäuerin setzt sich gegen die Agrarkonzentration zur Wehr, und ein Dorf möch­te sei­nen Sternenhimmel vor Lichtverschmutzung ret­ten.
»Mein Film will nicht die alt­be­kann­ten Klischees vom länd­li­chen Niedergang bedie­nen. Es geht um Persönlichkeiten, die sich mit Leidenschaft und Humor in einer Umgebung behaup­ten, die ihnen viel Einsatz abver­langt und manch­mal ver­zwei­feln lässt. Ihrem Blick in die Welt will der Film fol­gen und dabei ein gesell-schaft­li­ches Phänomen, das uns über­all in Europa betrifft, aus einer neu­en, unge­wöhn­li­chen Perspektive erfahr­bar machen.« Gesa Hollerbach

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Credits:

DE 2019, 93 Min.,
Buch und Regie: Gesa Hollerbach,
Schnitt: Carina Mergens,
Kamera: Jennifer Günther

Trailer:

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A film by Gesa Hollerbach. Starts July 1st at the fsk.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Life in the coun­try has many facets and faces. Nature, peace, tra­di­ti­on. But rea­li­ty today is often dif­fe­rent, becau­se struc­tu­ral chan­ge is des­troy­ing Europe’s vil­la­ges. Schools are forced to clo­se, com­mu­ni­ties are under­fi­nan­ced, land spe­cu­la­ti­on makes the far­mers’ work har­der and gla­rin­gly illu­mi­na­ted cities make the stars har­der to see than a few years ago even in the hin­ter­land. Locked-up cine­mas, dila­pi­da­ted hou­ses, deser­ted train sta­ti­ons. Gesa Hollerbach’s unagi­ta­ted docu­men­ta­ry por­trays four peo­p­le and their lives. They come from very dif­fe­rent back­grounds: a mayo­ress, an astro­no­mer, a restau­ra­teur, and a fema­le far­mer acti­ve in the European Parliament. In Saxony, in the Allgäu, in Austria. Ultimately, though, they are united in a joint, relent­less strugg­le for their respec­ti­ve homes. The film wants to show that chan­ge can be ima­gi­ned and imple­men­ted, that resis­tance bears its first fruits and that the tire­less efforts of tho­se cou­ra­ge­ous guar­di­ans of the coun­try­si­de are not in vain. Today we see young fami­lies in the streets again and cou­ples who deli­bera­te­ly choo­se to move to the coun­try. The chan­ge has alre­a­dy begun.

Julia Weigl

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Credits:

DE 2019, 93 Min.,
Buch und Regie: Gesa Hollerbach,
Schnitt: Carina Mergens,
Kamera: Jennifer Günther

Trailer:

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Ein Film von Maria Speth.

[indie­ki­no club] [Credits]  [Trailer]

Der Film por­trä­tiert das Schicksal meh­re­rer Jugendlicher, die sehr früh – oft schon im Alter von 11, 12 oder 13 Jahren – ent­schie­den haben, von zu Hause weg­zu­ge­hen und für eine bestimm­te Zeit oder dau­er­haft auf der Straßezu leben: Sunny, Toni, Krümel, JJ, Stöpsel, Soja und Za.

Menschen also, von denen jeder ein­zel­ne mitt­ler­wei­le auch schon neun Leben gelebt haben könn­te. Versehen mit see­li­schen und kör­per­li­chen Beschädigungen. Doch trotz die­ser Zerstörungen gibt es bei ihnen eine enor­me Kraft, Talente und Fähigkeiten zu ent­de­cken. Dieser Reichtum an per­sön­li­chen Möglichkeiten steht im Mittelpunkt des Films.

Die Lebensumstände der Jugendlichen auf der Straße wer­den des­halb auch nicht doku­men­tiert, son­dern sie wer­den von ihnen in frei­er Wahl erzählt oder auch nicht. So kom­men sehr per­sön­li­che, mit­reis­sen­de und berüh­ren­de Zeugnisse zustande.

Um den Fokus auf ihre Persönlichkeiten zu legen, erzäh­len sie vor neu­tra­lem Hintergrund im Studio von ihren Leben.
Einige haben ihre Musikinstrumente mit­ge­bracht und spie­len spon­tan, ande­re zei­gen Fotos oder ande­re künst­le­ri­sche Arbeiten. So ent­ste­hen fil­mi­sche Porträts wie in einer Ausstellung, einem Kunstraum.

Vorurteile und Klischeevorstellungen über „Penner“ und „Punks“ lösen sich auf. Die Jugendlichen wer­den in ihrer bewun­derns­wer­ten Einmaligkeit erkennbar.

Und sie wer­den zu Stars – zu Recht.

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Credits:

Deutschland 2010
Regie: Maria Speth
Drehbuch: Maria Speth
Kamera: Reinhold Vorschneider
Schnitt: Maria Speth

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Trailer:

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Ein Film von Sabine Herpich.

[Video on demand] [Credits] [Tickets & Termine] [Verleihseite] [Trailer]

In der Kunstwerkstatt Mosaik in Berlin arbei­ten Künstler*innen mit Behinderung an ihren Werken. Sabine Herpich beob­ach­tet sie bei der Arbeit und rich­tet den Blick auf die Institution selbst, auf die Abläufe, das Personal, die Räumlichkeiten. Ihr gelingt es, nicht die Behinderung der Menschen ins Zentrum zu stel­len, son­dern die künst­le­ri­sche Arbeit. Um die­se her­um for­miert sich die Institution und wird so pri­mär als Institution für die Kunst und nicht als Institution für Menschen mit Behinderung sicht­bar. Die Idee von Kunst wird ganz­heit­lich, beinhal­tet die Menschen, die sie machen, wie auch die Orte, an denen sie erzeugt wird, meint das Sehen der Werke, das Sprechen über sie, meint aber auch: Kunst als Arbeit, mit Arbeitszeiten und Gehalt. Die Filmemacherin selbst ist nicht unsicht­bar. Sie fragt die Künstler*innen nach ihren Gedanken, Ideen, Vorgehensweisen. In der Begegnung der Künstler*innen vor der Kamera mit dem Blick der Filmemacherin ent­steht eine erhöh­te Aufmerksamkeit und Sensibilität – für die Gestimmtheiten der Werke, ihrer Schöpfer*innen und Betrachter*innen, wie auch für die behut­sa­me, nicht schüch­ter­ne, genaue, sich nicht ver­schlie­ßen­de Form die­ses Films über Kunst. (Alejandro Bachmann, Berlinale Forum)

DOKKA dokKa-Preis der Stadt Karlsruhe
Duisburger Filmwoche: 3sat-Preis sowie eine loben­de Erwähnung der Arte-Jury
Nominiert für den Preis der deut­schen Filmkritik 2020

Verleih geför­dert durch:

Credits:

DE 2020, 106 Min.

Mit: Adolf Beutler, Suzy van Zehlendorf, Gabriele Beer, Till Kalischer, Nina Pfannenstiel u. a.
Regie, Kamera, Montage: Sabine Herpich
O‑Ton Schnitt, Mischung: Marilyn Janssen
Color Grading: Florian Lampersberger
Titel- und Plakatgestaltung: Ulrike Damm
Produktion: Sabine Herpich, Tobias Büchner

Freigegeben ohne Altersbeschränkunge (FSK Prüfkarte: pdf)

Trailer:

Kunst kommt aus dem Schnabel wie er gewach­sen ist from Büchner Filmproduktion on Vimeo.A film by Sabine Herpich. In German with English subtitles.

[Credits] [Termine] [Verleihseite] [Trailer]

At the Mosaik art stu­dio in Berlin, artists with disa­bi­li­ties are absor­bed in their work. Sabine Herpich obser­ves the artists in the cour­se of crea­ti­on and directs her gaze at the insti­tu­ti­on its­elf: its pro­ces­ses, staff and spaces. The film suc­ceeds in main­tai­ning its focus on the art its­elf rather than the han­di­caps of its crea­tors. It is around the­se works that the insti­tu­ti­on takes form, thus coming into view first and fore­most as an insti­tu­ti­on for art, not one for peo­p­le with disa­bi­li­ties. The idea of art beco­mes holi­stic, encom­pas­sing the peo­p­le who make it as well as the places whe­re it is crea­ted; it means loo­king at the works, and tal­king about them, but also art as work, com­ple­te with working hours and wage. The film­ma­ker hers­elf is not invi­si­ble. She asks the artists about their thoughts, ide­as, methods. As the artists befo­re the came­ra meet the gaze of the film­ma­ker, a heigh­ten­ed sen­se of atten­ti­on and sen­si­ti­vi­ty is pro­du­ced – for the moods of the works, their crea­tors and obser­vers, as well as for this film about art its­elf, with its gent­le, yet not timid, pre­cise yet non-rest­ric­ti­ve form.

DOKKA dokKa-Preis der Stadt Karlsruhe
Duisburger Filmwoche: 3sat-Preis sowie eine loben­de Erwähnung der Arte-Jury
Nominiert für den Preis der deut­schen Filmkritik 2020

Verleih geför­dert durch:

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Credits:

DE 2020, 106 Min.

Mit: Adolf Beutler, Suzy van Zehlendorf, Gabriele Beer, Till Kalischer, Nina Pfannenstiel u. a.
Regie, Kamera, Montage: Sabine Herpich
O‑Ton Schnitt, Mischung: Marilyn Janssen
Color Grading: Florian Lampersberger
Titel- und Plakatgestaltung: Ulrike Damm
Produktion: Sabine Herpich, Tobias Büchner

Freigegeben ohne Altersbeschränkunge (FSK Prüfkarte: pdf)

Termine:

ab 12. August 2021

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Trailer (vor­läu­fig):

Kunst kommt aus dem Schnabel wie er gewach­sen ist from Büchner Filmproduktion on Vimeo.

ein Film von Dominik Graf.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Berlin, 1931: Ein Ort zwi­schen Untermiete und Unterwelt, wo Bordelle Ateliers sind, Nazis auf den Straßen pöbeln und man in Babelsberg vom „psy­cho­lo­gi­schen Film“ träumt. Das Leben bro­delt, die Gesellschaft gärt, kor­ro­diert. Solange er noch Arbeit hat, ver­fasst der pro­mo­vier­te Germanist Jakob Fabian tags­über Werbetexte, nachts zieht er mit Stephan Labude durch die schrä­gen Etablissements der Stadt. Während sein Freund – er wird spä­ter beken­nen, „in den Fächern Leben und Beruf“ ver­sagt zu haben – ein Draufgänger in Sachen Kommunismus und Sex ist, bleibt Fabian nüch­tern und distan­ziert. Er war­tet auf den „Sieg der Anständigkeit“, ohne recht dar­an zu glau­ben. Nur die Liebe zu Cornelia lässt ihn an sei­nem iro­ni­schen Fatalismus zwei­feln. Sie wird zum Lichtblick in sei­nem zer­rin­nen­den Leben.
Erich Kästners tief­trau­ri­gen auto­bio­gra­fi­schen „Fabian“ – einen der bedeu­tends­ten Romane der Weimarer Republik – aus sei­nem Schattendasein zu holen, ist bei allen Parallelen zum ver­ma­le­dei­ten Heute eine Herausforderung. Dominik Graf meis­tert sie kon­ge­ni­al: spitz­fin­dig poin­tiert sein Stil, kalt­schnäu­zig flott, und doch von schweig­sa­mer Melancholie. Ein Film wie eine Diskokugel, die sich lang­sam dreht. Über den Zusammenhang von Geschlechtsverkehr und lee­rem Kühlschrank – und den Zerfall des Traums vom Glück.

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Credits:

DE 2021, 176 Min.,
Regie: Dominik Graf
Kamera: Hanno Lentz
Schnitt: Claudia Wolscht
mit Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn

Trailer:

FABIAN | TRAILER | jetzt fürs Heimkino

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A film byn Dominik Graf. . 

[Credits] [Termine] [Trailer]

Berlin, 1931. A milieu bet­ween sub­lets and the under­world, whe­re brot­hels are artists’ stu­di­os, Nazis are yel­ling abu­se in the streets and Babelsberg is dre­a­ming of pro­du­cing “psy­cho­lo­gi­cal cine­ma”. Life is sur­ging, socie­ty is fer­men­ting and cor­ro­ding. As long as he still has a job, Jakob Fabian, who has a doc­to­ra­te in German stu­dies, wri­tes adver­ti­sing copy during the day and fre­quents the city’s more out­lan­dish estab­lish­ments with Stephan Labude at night. While his fri­end – who later con­fes­ses to having fai­led “in the sub­jects of life and pro­fes­si­on” – is a go-get­ter when it comes to com­mu­nism and sex, Fabian remains sober and distant. Without real­ly belie­ving in it, he is wai­ting for the “vic­to­ry of decen­cy”. His love for Cornelia is the only thing that makes him ques­ti­on his iro­nic fata­lism. She beco­mes a ray of hope in his crumbling exis­tence.
Despite all the par­al­lels with today’s mali­gned world, brin­ging Erich Kästner’s deep­ly sad, auto­bio­gra­phi­cal “Fabian” – one of the most important novels of the Weimar Republic – out of the shadows is a chall­enge. Dominik Graf mas­ters it bril­li­ant­ly. His style is fine­ly poin­ted, cold-bloo­dedly brisk and yet quiet­ly melan­cho­lic. A film like a slow­ly tur­ning dis­co ball, about the con­nec­tions bet­ween sexu­al inter­cour­se and an emp­ty fri­dge – and the dis­in­te­gra­ti­on of the dream of happiness.

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Credits:

DE 2021, 176 Min.,
Regie: Dominik Graf
Kamera: Hanno Lentz
Schnitt: Claudia Wolscht
mit Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn

Trailer:

FABIAN | TRAILER | jetzt fürs Heimkino

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ein Film von Sandra Wollner. Ab 1.7. geplant.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Ein Haus mit Pool, inmit­ten eines akku­rat geschnit­te­nen grü­nen Rasens, Wald drum­her­um, ein Mann, ein Mädchen: trotz des etwas unwirk­li­chen Eindrucks des Settings, der Tonspur und der Beziehung zwi­schen den bei­den dau­ert es eine klei­ne Weile, bis sich die­se Künstlichkeit mit einem aha-Effekt erklärt. Die Kleine, Ellie, – sie nennt den Mann Papa – ist weni­ger leben­dig, als sie schei­nen soll. Erinnerung soll sie ler­nen, und vie­les ande­re, dazu ist sie da. Schwer erklär­bar, aber sie ent­zieht sich dem und wird als „er“ den nächs­ten Ersatz-und Trost-Job anneh­men. Sich mit Verlusten abzu­fin­den, ist die Sache der rea­len Menschen nicht mehr. Man kann ja jetzt anders. So ist es die Geschichte einer Maschine und der Geister, die wir alle in uns tra­gen.
“ … maxi­mal pro­duk­ti­ve Verstörung, ein audio­vi­su­el­les Ereignis, streng, flir­rend, in alle Richtungen offen. Nicht die Technik, ver­kör­pert durch Ellie, ist per­vers, son­dern der Mensch, der sich nach Reinactments, nach einem Leben in der Fiktion, sehnt. Auf Ellies Pullover steht: Nature is the future.“ Jens Balkenborg | epd-Film
Im ENCOUNTERS Wettbewerb der Berlinale 2020 wur­de THE TROUBLE WITH BEING BORN mit dem SPEZIALPREIS DER JURY ausgezeichnet.

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Credits:

AU/DE 2020, 94 Min.,
Regie: Sandra Wollner
Kamera: Timm Kröger
Schnitt: Hannes Bruun
mit Lena Watson, Dominik Warta, Ingrid Burkhard, Jana McKinnon

Trailer:

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A film by Sandra Wollner. Scheduled for July 1st.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Somewhere in Central Europe, per­haps in the vici­ni­ty of Vienna, in the near future. Ten-year-old Elli is an android, as we soon learn. She takes shape through pro­gramming and this turns her into a fan­ta­sy figu­re. Firstly for a man she calls “Daddy” with whom she lies by the pool and for whom she dres­ses up in the house at the edge of the forest. Elli is the ves­sel for his memo­ries, which mean not­hing to her, but ever­y­thing to him. One day he runs after a stran­ge echo and gets lost in the dark­ness while Elli, who fol­lows him, is picked up by stran­gers. A new iden­ti­ty awaits her, a new ghost­ly exis­tence – as a blank screen onto which others can pro­ject their loss of the para­di­se that is child­hood. Austria’s new voice for the nexus bet­ween desi­re and the abyss, fear and mys­tery, fee­ling and emp­tin­ess is Sandra Wollner. As in Das unmög­li­che Bild, in her pro­vo­ca­ti­ve second fea­ture film she deve­lo­ps the plot from a com­plex basic con­stel­la­ti­on (not the other way around) and recon­s­tructs fami­lies that never exis­ted. And so the machi­ne beco­mes a mir­ror of human emo­ti­on, and the film a cap­ti­vat­ing lad­der into vir­tu­al and psy­cho­lo­gi­cal realities.

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Credits:

AU/DE 2020, 94 Min.,
Regie: Sandra Wollner
Kamera: Timm Kröger
Schnitt: Hannes Bruun
mit Lena Watson, Dominik Warta, Ingrid Burkhard, Jana McKinnon

Trailer:

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ein Film von Radu Jude.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

In wel­cher Stadt war ich im Kino am häu­figs­ten? Paris natür­lich, es fol­gen ähn­li­che Ikonen der städ­ti­schen Topographie. Und Bukarest, dem Gegenteil des urba­nen Sehnsuchtsortes. Was sich hier seit den 00ern vor mei­nen eige­nen Augen auf der Leinwand abspiel­te, war eine der auf­re­gends­ten neu­en Wellen vol­ler Verve, Wut und Wahnsinn. Kommst du mit in den Alltag VII oder VIII. Aber nein, hier lie­ber nicht! Keine Romantik, kein Feel Good Lost Faktor, nur wegelo­ses Gewirr der Unorte.

Radu Jude war mit sei­nem ers­ten Spielfilm THE HAPPIEST GIRL IN THE WORLD auf der Berlinale (Forum 2009), mit EVERYBODY IN THE FAMILY eben­da (Forum 2012), mit AFERIM! gewann er 2015 den sil­ber­nen Bären. Dann 2020 mit UPPERCASE PRINT und als Co-Regisseur von THE EXIT OF THE TRAINS dop­pelt im Forum ver­tre­ten. 2021 wähl­te die Jury aus RegisseurInnen, die in den ver­gan­ge­nen Jahren den Goldbären gewan­nen, BAD LUCK BANGING OR LOONY PORN zum Gewinner des gol­de­nen Bären 2021.

Das Thema der faschis­ti­schen Vergangenheit Rumäniens hat Radu Jude mit MIR IST ES EGAL, OB WIR ALS BARBAREN IN DIE GESCHICHTE EINGEHEN auf den Punkt gebracht, BAD LUCK… taucht eben­so schnell und stil­si­cher in den Alltag einer Lehrerin ab, die durch den Upload eines pri­va­ten Sexfilms unter Verdacht der Teilnahme an und Verbreitung von PORNOGRAPHIE steht. Gedreht letz­ten Sommer kommt durch die Maskologie, die heu­er kaum noch jemand mis­sen möch­te, ganz natür­lich sur­re­al daher. Die wun­der­vol­len Möglichkeiten der Manipulation der Realität durch die digi­ta­le Parallelwelt und die ent­spre­chend gna­den­lo­sen Bauchlandungen dank der immer noch exis­ten­ten alten Welt mit ihren phy­si­schen Grenzen wer­den in Drehbüchern immer noch zu sel­ten aus­ge­lo­tet. Hier ein ver­gnüg­li­ches Beispiel für eine gelun­ge­ne Abwärtsspirale im Wirrwarr der Realitäten, egal ob die Mall, der Wohnblock, das Internet. Ein Sommerfilm.

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Credits:

Babardeală cu bucluc sau por­no balamuc
Rumänien / Luxemburg / Kroatien / Tschechische Republik 2021, 108 Min., rumä­ni­sche OmU
Regie, Buch: Radu Jude
Kamera: Marius Panduru
Schnitt: Cătălin Cristuțiu
mit Katia Pascariu, Claudia Ieremia, Olimpia Mălai, Nicodim Ungureanu, Alexandru Potocean

Trailer:

Im Kino mit deut­schen Untertiteln.

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A film by Radu Jude. In Romanian with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

A video goes viral. It shows a man and a woman having sex while wea­ring masks. The woman is, nevert­hel­ess, iden­ti­fied. Too bad she is a tea­cher and sup­po­sed to be a role model. And this, moreo­ver, in a (post-socia­list but ulti­m­ate­ly any) socie­ty that is about to get lost in a social net­work dis­cour­se of would-be heal­ing sque­aky-clean atti­tu­des, pseu­do-poli­ti­cal kno­wing-it-all, sanc­ti­mo­nious chau­vi­nism and gro­tes­que con­spi­ra­cy theo­ries. Everyone has an opi­ni­on. The deba­te turns into a tri­bu­nal – about con­sen­su­al sex, por­no­gra­phy and more.
Always up for inno­va­ti­ve cine­ma­tic expe­ri­ments, Radu Jude has craf­ted from this con­stel­la­ti­on an intel­li­gent, sati­ri­cal tri­ptych: with its non­cha­lant­ly pre­cise came­ra­work and manic humour found in the stress of ever­y­day life on Bucharest’s streets, the first part shows us what con­tem­po­ra­ry cine­ma at the docu­men­ta­ry-fic­tion inter­face can look like. The second part is an off­beat series of laco­nic, sta­tic images inten­ded as an ency­clo­paed­ia of the sym­bols of our time. The film’s grand – albeit open-ended – fina­le is a dis­cus­sion held at the school in which jud­ge­ment is pas­sed on our heroine’s right to exist.

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Credits:

Babardeală cu bucluc sau por­no balamuc
Rumänien / Luxemburg / Kroatien / Tschechische Republik 2021, 108 Min., rumä­ni­sche OmU
Regie, Buch: Radu Jude
Kamera: Marius Panduru
Schnitt: Cătălin Cristuțiu
mit Katia Pascariu, Claudia Ieremia, Olimpia Mălai, Nicodim Ungureanu, Alexandru Potocean

Trailer:

Im Kino mit deut­schen Untertiteln.

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Ein Film von Kelly Reichardt

[Credits] [Indiekino Club] [Trailer]

Josh, Dena und Harmon pla­nen ein Fanal gegen die Gleichgültigkeit einer über­tech­ni­sier­ten Welt. Ruhig und kon­zen­triert zeich­net Kelly Reichardt die Bewegungen der drei auf, ihre kon­spi­ra­ti­ven Treffen, die Organisation des Materials, die Fahrt zum spä­te­ren Tatort. Night Moves ent­fal­tet sich als küh­ler, prä­zi­ser Zeitlupenthriller. Später müs­sen sich die drei mit der Frage des gegen­sei­ti­gen Vertrauens aus­ein­an­der­set­zen. Sind sie tat­säch­lich eine Gruppe und ver­fol­gen ein gemein­sa­mes Ziel? 
 Reichardts Figuren sind auch hier auf der Reise und ste­hen dabei sich selbst über­las­sen am Rand. Wie schon Bill Oldham in Old Joy, der vom Verschwinden einer Freundschaft erzähl­te, oder Michelle Williams in Wendy & Lucy, der vom Aufenthalt in der Fremde han­del­te, und von Armut. In Meek’s Cutoff  beweg­te sich eine Siedlergruppe durchs Niemandsland des Westens, das zum Grab wird. Night Moves bie­tet sei­nen Protagonisten zwar das Umfeld von Gleichgesinnten, mit denen sie leben, aber sie bege­hen eine radi­ka­le Tat, die sie von den ande­ren unter­schei­det und in die Isolation treibt. Kelly Reichardt ver­mag es dabei ganz selbst­ver­ständ­lich Genrekino mit Gesellschaftsanalyse auf­zu­la­den. 

„In gewis­ser Weise berührt die­se Struktur, die auch Night Moves beschreibt, auch die Geschichte des Radikalismus. Ich bin in den 1970er Jahren auf­ge­wach­sen, habe die Geschehnisse um Patty Hearst und Angela Davis mit­er­lebt, die Nachwirkungen der Weather-Underground-Bewegung, oder auch in jün­ge­rer Zeit die Aktionen der Earth Liberation Front. Es stellt sich ja zumeist erst mal ein gewis­ser Enthusiasmus ein, wenn die wie­der eine gan­ze Flotte von Hummer-Geländewagen in die Luft spren­gen, danach aber denkt man sich, ver­dammt, jetzt sit­zen die­se jun­gen Menschen im Gefängnis, bis sie vier­zig sind, und über­all ste­hen Millionen von Hummer-Autos rum, war es das wirk­lich wert? Ich glau­be, dass alle die­se radi­ka­len Bewegungen irgend­wann immer selbst­be­züg­li­cher wer­den, sich immer mehr ihre eige­ne Wirklichkeit schaf­fen, dann kommt irgend­wann Egoismus auf, Paranoia, Isolation, das scheint fast eine zwangs­läu­fi­ge Entwicklung zu sein.“ (Kelly Reichardt)

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Credits:

USA 2013 ,  112 Min.
engl. OmU 

Regie:  Kelly Reichardt

Buch: Kelly Reichardt,  Jon Raymond
Kamera: Christopher Blauvelt
Schnitt: Kelly Reichardt 

mit: Jesse Eisenberg, Dakota Fanning,  Peter Sarsgaard

Trailer:

 

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Ein Film von Alexandre Koberidze.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Eine zufäl­li­ge Begegnung vor den Toren einer Schule im geor­gi­schen Kutaissi. Lisa und Giorgi stol­pern inein­an­der, ein Buch fällt zu Boden. Sichtlich ver­wirrt ver­ab­re­den sie ein Date, ohne ein­an­der ihre Namen genannt zu haben. Es ist Liebe auf den ers­ten Blick, und wie ver­zau­bert fan­gen die Dinge an zu leben: Die Überwachungskamera wird zum bösen Auge, das Abflussrohr zum Orakel, Augen zu – und Gong! Über den Liebenden liegt ein Fluch, der sie dazu ver­dammt, am nächs­ten Tag mit einem ande­ren Aussehen zu erwa­chen. Doch gera­de die­se wun­der­sa­me Erschwernis ihrer Wiederbegegnung wird zur Eintrittskarte in eine Welt, in der nur noch der Zauber des Alltags herrscht – in schlich­ter Schönheit, mit zärt­li­cher Komik und einer Fußballbegeisterung, die Junge wie Alte und sogar den phleg­ma­ti­schen Straßenköter Vardy befällt.
Es ist die Poesie der Ziellosigkeit, die es Alexandre Koberidze, wie schon in Lass den Sommer nie wie­der kom­men, ermög­licht, im Kino all das sicht­bar und erzähl­bar zu machen, was wir in der Wirklichkeit unse­res Alltags nur sel­ten wahrnehmen.

„Neben der Liebe ist die Fußball-WM das gro­ße Thema: Bolzende Kinder, über die hin­weg Gianna Nannini ihren legen­dä­ren WM-Hit schmet­tert, fuß­ball­schau­en­de Straßenhunde und his­to­ri­sche Public-Viewing-Lokalitäten Kutaissis erge­ben einen Strauß absurd komi­scher Ausflüge. Aber die WM steht auch als Brücke zur Realität. Während der Erzähler die Geschichte in eine wage Zeit unheim­li­cher Brutalität ver­setzt, die sich aber im ruhi­gen Treiben der Stadt nicht zeigt, wird mit der Verlautbarung der Gegnerteams im Endspiel klar, es ist das Jahr 2014. Das Jahr des Politischen Novembers in Georgien und des Ukraine-Konflikts in der geo­gra­fi­schen Nachbarschaft. Koberidze lässt es hin­ter Georgiens Bergen don­nern. Die Aktualität dar­in ist bedrü­ckend. Aber die mär­chen­haf­te Erzählung des Films hat dem etwas Tröstliches ent­ge­gen­zu­set­zen: So grau­sam und will­kür­lich unse­re Welt ist, es gibt auch das Gute dar­in und die Resilienz der Menschen ist uner­mess­lich.” Clarissa Lempp | indiekino

Credits:

Ras vkhe­davt, rode­sac cas vuku­rebt?
DE/GE 2021, 150 Minuten, geor­gisch mit dt. Untertiteln,
Regie: Alexandre Koberidze
Kamera: Faraz Fesharaki
Schnitt: Alexandre Koberidze
mit: Ani Karseladze, Giorgi Bochorishvili, Oliko Barbakadze, Giorgi Ambroladze, Vakhtang Panchulidze, Sofio Tchanishvili, Irina Chelidze, David Koberidze, Sofio Sharashidze

Trailer:

Was sehen wir, wenn wir zum Himmel schau­en? (offi­zi­el­ler Trailer)

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A film by Alexandre Koberidze.

[Credits] [Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

A chan­ce encoun­ter at the gates of a school in Kutaisi in Georgia. Lisa and Giorgi bump into each other and a book falls to the ground. Clearly dazed, they arran­ge a date wit­hout even having told each other their names. It is love at first sight and, as if enchan­ted, things begin to come to life: the sur­veil­lan­ce came­ra beco­mes an evil eye, the drain­pipe an ora­cle, they clo­se their eyes and – ding! The lovers are cur­sed, con­dem­ned to wake up the next day loo­king com­ple­te­ly dif­fe­rent. But it is pre­cis­e­ly this super­na­tu­ral obs­ta­cle to them mee­ting again which beco­mes their ticket to a world ruled enti­re­ly by the magic of the ever­y­day – in all its simp­le beau­ty, ten­der come­dy and an enthu­si­asm for foot­ball that infects young and old ali­ke, even the phleg­ma­tic street dog Vardy.
As in Let the Summer Never Come Again, it is the poet­ry of aim­less­ness that enables Alexandre Koberidze to make visi­ble and nar­rata­ble in cine­ma ever­y­thing that we rare­ly per­cei­ve in the rea­li­ty of our ever­y­day lives. Get your ligh­ters out becau­se, as Gianna Nannini is allo­wed to sing so fer­vent­ly in this gem of a film, the nights are inde­ed magical.

Credits:

Ras vkhe­davt, rode­sac cas vuku­rebt?
DE/GE 2021, 150 Minuten, geor­gisch mit dt. Untertiteln,
Regie: Alexandre Koberidze
Kamera: Faraz Fesharaki
Schnitt: Alexandre Koberidze
mit: Ani Karseladze, Giorgi Bochorishvili, Oliko Barbakadze, Giorgi Ambroladze, Vakhtang Panchulidze, Sofio Tchanishvili, Irina Chelidze, David Koberidze, Sofio Sharashidze

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Was sehen wir, wenn wir zum Himmel schau­en? (offi­zi­el­ler Trailer)

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