Kategorie: archiv

Alle reden übers Wetter
Ein Film von Annika Pinske.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Stadt / Land, Ost / West, Mann / Frau – für Clara für gibt es viele Identitätsfragen. Die wichtigste jedoch heißt: was ist der Preis, den die Philosophiedoktorandin für den Bildungsaufstieg bezahlen muss? Als sie zum 60sten Geburtstag ihrer Mutter in ihre mecklenburgische Heimat zurückkehrt, reagieren die Verwandten und alten Bekannten ganz verschieden auf sie. Kein entspannter Umgang erscheint möglich.
Clara wird bewusst, wie weit sie sich auf der Suche nach einem selbstbestimmten, erfolgreichen Leben von ihren Wurzeln entfernt hat, und wie sich sich hat verändern müssen, um in ihrem jetztigen Leben in Berlin mitzuhalten. Aber auch dort, im akademischen Umfeld, wo auf Feiern Champagner statt Bier gereicht wird, ist sie nicht zuhause.

„Der Film handelt von Heimat und Herkunft und fragt, was man für ein selbstbestimmtes Leben zurücklassen muss, besonders als Frau. Es geht auch um Mütter und Töchter und ihre Beziehungen, um Frauen in männerdominierten Berufen und den Kampf um Anerkennung.
Der Film beobachtet die Geschlechterhierarchien in den ganz einfachen alltäglichen Interaktionen der Figuren und zeigt, wie stark wir in der Gesellschaft auf bestimmte Rollen festgelegt sind und wie schwierig es ist, diesen zugewiesenen Platz zu verlassen, auszubrechen und etwas Neues zu finden. Diese Sehnsucht hat mit Trennung und Grenzen zu tun, und es gibt ebenso viel Schmerz wie Verheißung. Ich liebe diese Widersprüche im Leben. Sie sind eine Art kreativer Motor für mich.“ Annika Pinske
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Credits:
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DE 2022, 89 Min., deutsche OmeU
Regie & Buch: Annika Pinske
Kamera: Ben Bernhard
Schnitt: Laura Lauzemis
mit Anne Schäfer, Anne-Kathrin Gummich, Judith Hofmann, Marcel Kohler, Max Riemelt, Emma Frieda Brüggler, Thomas Bading, Christine Schorn, Sandra Hüller, Alireza Bayram
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Trailer:
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Alle reden übers Wetter (offizieller Trailer)
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A film by Annika Pinske. In German with English subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Clara is 39 and is taking a PhD in philosophy. She lives in a Kreuzberg flat share while her teenage daughter lives with her ex. Clara is having a secret relationship with one of her students. Her thesis supervisor, the strong and independent Margot, provides her with professional encouragement. When Clara visits her home in provincial Mecklenburg-Vorpommern for her mother’s birthday, she finds herself struggling with the pride and expectations but also with the rejection of her family and former companions. She begins to realise just how far she has moved away from her roots in her search for a self-determined life. But perhaps she had to move away. Because one’s perception of home can change.
Annika Pinske’s quiet drama is a study in familiarity and distance, liberty and compulsion, the countryside and the city. Sensitive, nuanced performances from an outstanding cast with an assured command of the local dialects allow the audience to experience the atmospheres of both Berlin’s university milieu and the rural family get-together.
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Credits:
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DE 2022, 89 Min.
Regie & Buch: Annika Pinske
Kamera: Ben Bernhard
Schnitt: Laura Lauzemis
mit Anne Schäfer, Anne-Kathrin Gummich, Judith Hofmann, Marcel Kohler, Max Riemelt, Emma Frieda Brüggler, Thomas Bading, Christine Schorn, Sandra Hüller, Alireza Bayram
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Trailer:
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Alle reden übers Wetter (offizieller Trailer)
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Di., 19. 7.:
Mit 20 wirst du sterbenMit 20 wirst Du sterben
Ein Film von Amjad Abu Alala.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

„Damit der Mensch leben kann, muss der Tod gleichzeitig präsent und abwesend sein. Das Gefühl von Sterblichkeit treibt voran und erfüllt mit Sinn, begrenzte Zeit will schließlich genutzt werden. Doch zu nah darf das Ende nicht erscheinen, weil es vom Gefühl für Wirkung und Konsequenz des Handelns befreit.“ Dieser Text von Lucas Barwenczik führt in den Film ein. Es gibt schon einige Filme, in denen das Wissen über den Todeszeitpunkt die Folie ist, aber dies ist der erste aus sudanischer Sicht und der erste des Regisseurs, dabei erst der achte Spielfilm aus dem Land insgesamt.
Ein Junge wurde geboren und soll vom Imam gesegnet werden, doch bei seinem Zahlentanz bricht der Derwisch mit dem Wort „20“ auf den Lippen tot zusammen. Für die Gemeinde steht fest: Mit 20 wird der kleine Muzamil sterben. Was wird aus einem Kind, das ohne Zukunft aufwächst? Der Vater verlässt umgehend das Land, die Mutter wird immer frommer, der Junge zweifelt nicht an der Prophezeiung, muss aber viel Häme ertragen und wird oft geschnitten. Als Heranwachsender lernt er jedoch Sulaiman kennen, einen alten Rebellen, der von religiösen Vorhersagen wenig hält.
Mit 20 wirst du sterben ist faszinierend in seinen Bildkompositionen, den warmen Farben, den Aufnahmen, in denen das Innere in Muzamils Haus mit den traumhaften Sequenzen der kegelförmigen Heiligtümer kontrastiert. Der in Venedig preisgekrönte Film ist geprägt von der sorgfältigen und wohlwollenden Beobachtung des Lebens im Dorf zwischen blauem und weißem Nil.
„Er [der Film] zeigt, wie sehr ein starker Glaube das Leben der Menschen beeinflussen und wie er politisch genutzt werden kann. Die sudanesische Regierung von Omar el-Beshir benutzte den Islam, um das Volk zum Schweigen zu bringen. Wenn jemand den Satz «Gott sagt» ausspricht, werden alle still. Mein Film ist eine Einladung, sich davon frei zu machen.“ Amjad Abu Alala
Filmgespräch mit dem Produzenten am 28.8. 20Uhr
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Credits:
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SD 2019, 105 Min., OmU
Regie: Amjad Abu Alala
Schnitt: Heba Othman
Kamera: Sébastien Goepfert
mit: Mustafa Shehata, Islam Mubarak, Mahmoud Elsaraj, Bunna Khalid
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Trailer:
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A film by Amjad Abu Alala. In Arabic with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Muzamil was only a newborn when a prophecy foretold his death at 20. His father is unable to live with this curse and abandons his family. Long resigned to his fate, the young man starts to question his preordained death when he meets Suleiman, a cameraman who has returned to the village of his birth. The Sudanese director won the Lion of the Future at the 2019 Mostra di Venezia.
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Credits:
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SD 2019, 105 Min., OmU
Regie: Amjad Abu Alala
Schnitt: Heba Othman
Kamera: Sébastien Goepfert
mit: Mustafa Shehata, Islam Mubarak, Mahmoud Elsaraj, Bunna Khalid
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Trailer:
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Mi., 13. 7.:
Der perfekte Chef
Ein Film von Fernando León de Aranoa.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Einst war er Santa, ein großmäuliger Arbeitsloser unter vielen – Javier Bardem gibt ihn in Fernando León de Aranoas Debut Montags in der Sonne, das mit viel Sinn für Humor und Solidarität unter den gesellschaftlich Benachteiligten zum großen Überraschungserfolg avancierte. 20 Jahre später ist er bei de Aranoa nicht mehr der Underdog, sondern ganz oben angelangt. Bardem spielt Julio, den patriarchalen Chef einer Waagenfabrik, mit eben soviel Verve wie vor zwei Jahrzehnten Santa.
Julio Blanco hat die Fabrik von seinem Vater geerbt und will sie einerseits zeitgemäß fortführen. Alle Mitarbeiter übernehmen Verantwortung, heißt es bei ihm. Alle sind auf Augenhöhe und eine große glückliche Familie und noch mehr Humbug, der jeglichen Zusammenhalt und Mitbestimmungswunsch der Untergebenen unterbinden soll. Auf der anderen Seite mischt er sich, ganz Firmen-Papa, ungefragt in die privaten Angelegenheiten seiner Angestellten ein und überschreitet auch sonst manche moralische Grenze. Als ein Angestellter sich mit seiner – natürlich unausweichlichen – Entlassung nicht abfindet, und ein Protestcamp vor dem Firmentor aufschlägt, scheint das dem Firmenoberhaupt aus der Balance zu bringen. Er wartet gerade sehnsüchtig auf den unangemeldeten Besuch der Jury, die den begehrten Preis der Regierung für exzellente Unternehmensführung vergibt. Die Auszeichnung soll der Höhepunkt seines Schaffens werden, und da ist der irrer Querulant vor der Tür, der auch noch volles Medieninteresse erlangt, äußerst unwillkommen.
„Der alte Klassenkampf löst sich auf in einen Nebel aus Metaphern über das Boot, in dem man sitze. Diesen Strukturwandel so raffiniert in die komödiantische Struktur einzuflechten und quasi unterzuschmuggeln, ist das eigentliche Verdienst des Films.“ Peter Gutting | kino-zeit.de
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Credits:
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El buen patrón
ES 2021, 120 Min., span. OmU
Drehbuch und Regie: Fernando León de Aranoa
Schnitt: Vanessa Marimbert
mit: Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha
Kamera: Pau Esteve Birba
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Trailer:
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Der perfekte Chef Trailer OmU
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A film by Fernando León de Aranoa. In Spanish with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

„The Good Boss” takes place in and around the Blancos Básculas factory, where all things must be in balance at all times. After all, they manufacture scales of all shapes and sizes. There, the seemingly benevolent boss, Bardem’s Blanco, is preparing his workforce for an upcoming inspection by a group visiting local businesses to select one for a prestigious prize. Tensions begin to mount, however, when recently fired employee Jose shows up with his two children and begins making demands for the reinstatement of his employment. When Blanco’s management team refuses, the employee begins a one man crusade to discredit Blanco and prevent him from winning the much-coveted award.
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Credits:
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El buen patrón
ES 2021, 120 Min., span. OmU
Drehbuch und Regie: Fernando León de Aranoa
Schnitt: Vanessa Marimbert
mit: Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha
Kamera: Pau Esteve Birba
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Trailer:
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Der perfekte Chef Trailer OmU
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Di., 12. 7.:
Die Magnetischen
Ein Film von Vincent Maël Cardona.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Frankreich Anfang der 1980er Jahre: auch auf dem Acker herrscht reges Treiben, auch hier ist DIY angekommen. In einer verschlafenen Kleinstadt betreibt die Clique um den charismatischen Jerôme und seinen introvertierten Bruder Philippe auf einem Dachboden einen Piratensender. Als Marianne mit ihrer kleinen Tochter aus Paris in den Ort zurückzieht, ist es um die Brüder geschehen und beide verlieben sich Hals über Kopf in sie. Jerôme kann Marianne schnell für sich gewinnen, während Philippe sich weiter um die Technik kümmern darf. Dank seiner Gradlinigkeit wird er beim Versuch, dem Wehrdienst zu entgehen, eingezogen und muß seine vertraute Umgebung und Marianne gegen West Berlin eintauschen, dass erstaunlich hell ist. Dort verändert die Begegnung mit dem schillernden Radiomoderator Dany sein Leben, sich werden Freunde und er entdeckt nach einer Begegnung mit John Peel (ja, hier wird sich extra weit aus dem Fenster gelehnt) seine eigene Kreativität als DJ und Soundwimmeler. Doch zurück aus der Mauerstadt hat sich alles verändert.

Vincent Maël Cardona gelingt es mit durch die Bank sehr überzeugenden Schauspielern, allen voran mit Thimotée Robart und Joseph Olivennes als ungleichen Brüdern, die Atmosphäre der 1980er Jahre im Look, im Sound und in den Details perfekt widerzuspiegeln. Darüber hinaus erzählt er eine universelle Geschichte vom Erwachsenwerden, ausgelöst durch den unwiderstehlichen Sog der Liebe. In einer grandiosen Szene wirbelt Philippe in einem Berliner Radiostudio wie ein Derwisch durch die Räume, als er in einer Live-Performance eine aberwitzige Klangcollage aus schwingenden Mikrofonen, gescratchten Schallplatten und virtuos eingefügten Kassettentape-Ausschnitten zusammenzaubert – eine einzigartige Liebeserklärung an Marianne und gleichzeitig ein wilder Rausch der Selbstoffenbahrung.
(Christoph Becker, Artechock)

Die Magnetischen
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Credits:
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Les Magnétiques
FR / DE 2021, 98 Min., frz. OmU
Regie: Vincent Maël Cardona
Kamera: Brice Pancot
Schnitt: Flora Volpelière
mit: Thimotée Robert, Marie Colomb, Joseph Olivennes, Meinhard Neumann
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Trailer:
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Les Magnétiques Trailer OmU
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A film by Vincent Maël Cardona. In French with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Brittany, 1980s.

A bunch of friends yearning for excitement broadcast a free radio station from their hometown in the countryside. Jerome leads it with unique charisma while Philippe, the technical genius, lives in the shadow of Jerome, his big brother. When called for the military service, Philippe has no choice but to leave for West Berlin. He’s determined to keep on broadcasting, but realizes that he just lived the last glorious moments of a world on the verge of extinction.

Die Magnetischen
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Credits:
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Les Magnétiques
FR / DE 2021, 98 Min., frz. OmU
Regie: Vincent Maël Cardona
Kamera: Brice Pancot
Schnitt: Flora Volpelière
mit: Thimotée Robert, Marie Colomb, Joseph Olivennes, Meinhard Neumann
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Trailer:
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Magnetic Beats / Les Magnétiques (2021) – Trailer (English subs)
Im Kino mit deutschen Untertiteln
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Di., 12. 7.:
To the Ends of the Earth
Ein Film von Kiyoshi Kurosawa.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Die japanische Starmoderatorin Yoko moderiert ein in ihrer Heimat beliebtes Reisemagazin. In der neusten Folge sollen die ursprünglichen und exotischen Seiten Usbekistan entdeckt werden. Aber nichts läuft wirklich wie geplant. Das Filmteam reist durchs Land, filmt im wunderbaren Samarkand und an anderen beliebten Spots, besucht einen Markt, versucht das lokale Essen und fühlt sich trotzdem nie so richtig wohl. Bei einem ihrer Streifzügen entdeckt Yoko eine Ziege, die in einer für sie viel zu kleinem Stallung steht. Um etwas Action ins Format zu bringe, soll die Ziege befreit werden – kein guter Plan, wie sich zeigt. Aber mit der Zeit, und nach weiteren Unternehmungen auf dem unbekanntem Terrain kommt Yoko langsam auch zu sich, so dass kurz vor Ende der Japanische Originaltitel Sinn macht: Das Ende einer Reise, der Beginn einer Welt.
Kiyoshi Kurosawa gehört zu den wichtigsten Filmschaffenden Asiens. Diesmal verlässt er seine mitunter harte Vision der modernen Welt, um uns eine friedlichere und optimistischere Reise anzubieten.
„Hinter dem gewaltigen Titel To the Ends Of the Earth verbirgt sich ein kleiner großer Film von überraschender Romantik. Doch die wenigen Klänge, die er anschlägt, hallen weit über die zwei Stunden Laufzeit hinaus. Es ist ein Reisefilm über ein Fernsehteam, das eine Reisereportage dreht. So sehen wir wenig von Japan, aber viel von Usbekistan. Sehen aber heißt noch lange nicht verstehen.
Denn wie Sofia Coppola in ihrer Japan-Komödie Lost in Translation porträtiert Kurosawa zugleich die Reisenden in ihrer Unfähigkeit, sich auf das Fremde einzulassen. Aber auf seine behutsame Art zeichnet er dabei ein größeres Bild als Coppola. Die Pest, die er fast unmerklich seziert, ist das pseudo-dokumentarische Reportagefernsehen an der Schwelle zur Dokusoap. Jene Art von Journalismus, die in die Welt hinauszieht, um Klischees bestätigt zu finden und dazu ein paar Kuriositäten einzusammeln.“
Daniel Kothenschulte | FR
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Credits:
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Tabi no Owari Sekai no Hajimari (旅のおわり世界のはじまり)
UZ 2019, 120 Min. japanisch, usbekische OmU
Regie: Kiyoshi Kurosawa
Kamera: Akiko Ashizawa
Schnitt: Koichi Takahashi
mit: Atsuko Maeda, Shota Sometani, Tokio Emoto, Adiz Rajabov, Ryo Kase
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Trailer:
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A film by Kiyoshi Kurosawa. In Japanese and Uzbek with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Yoko (played by the former leading member of the idol girl group AKB48, Atsuko Maeda) is the reporter for a television travel program who visits Uzbekistan with her television crew to make an episode for the program. She dreams of becoming a singer. The film contrasts Yoko’s upbeat on-camera persona with her internal conflicts when she is on her own.

The film consists of a series of episodes in which Yoko wades into a lake to describe looking for a possibly mythical Uzbeki fish; proclaims the delicious crunchiness of under-cooked rice in a bowl of plov, a local dish; repeatedly takes nausea-inducing turns on a fun-park pendulum ride until her camera crew can get enough B‑camera footage of her face; and tries to liberate a goat in captivity named Okoo only to learn that if she does, it will be eaten by wild dogs.

She and the crew visit Samarkand and Tashkent; in the latter, she sings the classic Édith Piaf anthem, Hymne à l’amour (with Japanese lyrics], in a fantasy sequence set at the Navoi Theatre which (as noted below) had been built after the war by Japanese POWs. During a visit to the bazaar, she wanders off with a hand-held camera and starts videotaping in a restricted area. She runs away from the police, who eventually apprehend her but treat her kindly, especially when she learns that her firefighter boyfriend may have been involved in a massive oil refinery fire in Tokyo Bay, where he was stationed. (The boyfriend is never actually seen or heard; all the audience learns about him comes from texts he exchanges with Yoko.)

In a finale set in the mountains, her crew once again in pursuit of a likely mythical beast, she again sings Hymne à l’amour as she imagines that she has caught sight of Okoo running free in the distance.
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Credits:
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Tabi no Owari Sekai no Hajimari (旅のおわり世界のはじまり)
UZ 2019, 120 Min. japanisch, usbekische OmU
Regie: Kiyoshi Kurosawa
Kamera: Akiko Ashizawa
Schnitt: Koichi Takahashi
mit: Atsuko Maeda, Shota Sometani, Tokio Emoto, Adiz Rajabov, Ryo Kase
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Trailer:
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Di., 5. 7.:
Alcarràs
Ein Film von Carla Simón.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Seit 80 Jahren baut die Familie Solé in Alcarràs Pfirsiche an. In diesem Sommer versammelt sie sich zum letzten Mal zur gemeinsamen Ernte. Das Land hatte ihnen einst der Großgrundbesitzer Pinyol überlassen, als Dank für seine Rettung im Spanischen Bürgerkrieg. Doch der junge Pinyol will vom Handschlag seines Großvaters nichts mehr wissen. Er will das Land zurück, um eine Photovoltaik-Anlage darauf zu errichten. Vielstimmig und mit überbordender Energie erzählt Alcarràs von der letzten Ernte der Solés – so handfest, dass man sich bald selbst inmitten der Familie wähnt. Der Großvater Rogelio gibt die Hoffnung nicht auf, den jungen Pinyol zum Einlenken zu bewegen. Vater Quimet stürzt sich in die Erntearbeit, als gäbe es kein Morgen. Dolores hält Haus und Familie mit Optimismus und Geduld zusammen, doch auch sie muss langsam ihre Grenzen erkennen. Die fast erwachsenen Kinder Roger und Mariona, Quimets Schwestern Glòria und Nati und Schwager Cisco – alle helfen mit, während die kleineren ihren eigenen Sommer erleben und ständig neues entdecken. Doch inmitten der Erntearbeit, nur zwischen Sonnenunter- und Sonnenaufgang unterbrochen, mehren sich die Stimmen, die Angebote Pinyols, für ihn zu arbeiten, zu überdenken. Die Selbstständigkeit würde aufgegeben, aber die Arbeit geregelter. Quimet, quasi das Familienoberhaupt, will davon nichts wissen.
„Alcarràs ist ein kleines Dorf im tiefsten Katalonien, wo meine Familie Pfirsiche anbaut. Als mein Großvater vor einigen Jahren starb, übernahmen meine Onkel und Tanten das Land. Die Abwesenheit meines Großvaters brachte mich dazu, die Familientradition und ihre Verbundenheit mit dem Land, die Bäume, die sie anbauten, auf eine neue Art wert zu schätzen. Ich spürte, dass das alles eines Tages verschwinden könnte. So entstand die Idee zu Alcarràs.
Wir haben mit großartigen nicht-professionellen Schauspielerinnen und Schauspielern aus der Gegend von Alcarràs gearbeitet, die eine wirkliche Verbindung zum Land und zum Boden haben und die den besonderen Dialekt dieser katalanischen Region sprechen.“
Carla Simón

Goldener Bär – Berlinale 2022
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Credits:
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ES/IT 2022, 120 Min., katalanische Originalfassung mit deutschen und englischen Untertitlen
Regie: Carla Simón
Buch: Arnau Vilaró, Carla Simón
Kamera: Daniela Cajías
Schnitt: Ana Pfaff
mit Jordi Pujol Dolcet, Anna Otin, Xènia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou, Josep Abad, Montse Oró, Carles Cabós, Berta Pipó
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Trailer:
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OmU-Trailer ALCARRÀS – DIE LETZTE ERNTE – ab 11. August im Kino
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A film by Carla Simón. In Catalan with German and English subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

For as long as they can remember, the Solé family has spent every summer picking the peaches in their orchard in Alcarràs, a small village in Spain’s Catalonia region. But this year’s crop may well be their last, as they face eviction. The new plans for the land, which include cutting down the peach trees and installing solar panels, cause a rift in this large, tight-knit family. For the first time, they face an uncertain future and risk losing more than their orchard.
After her beautiful debut Summer 1993, Carla Simón draws again on her experience of rural life in the Catalan countryside, where human activity is part of a cycle governed by seasons in a capricious climate. Family dynamics may be muddied by economic concerns, but there are also differences in how each individual relates to time. The younger ones enjoy a seemingly everlasting present while father bullishly ignores the imminent future, and grandfather is relying on a long-forgotten promise to prove ownership of their house … This variety is well-served by the natural performances of the ensemble cast and ensures that politically relevant themes are presented to us in a subtle manner. The family is only able to find common ground in tradition, which leaves us with a genuine discomfort about what lies ahead.

Goldener Bär – Berlinale 2022
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Credits:
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ES/IT 2022, 120 Min., katalanische Originalfassung mit deutschen und englischen Untertitlen
Regie: Carla Simón
Buch: Arnau Vilaró, Carla Simón
Kamera: Daniela Cajías
Schnitt: Ana Pfaff
mit Jordi Pujol Dolcet, Anna Otin, Xènia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou, Josep Abad, Montse Oró, Carles Cabós, Berta Pipó
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Trailer:
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OmU-Trailer ALCARRÀS – DIE LETZTE ERNTE – ab 11. August im Kino
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Mo., 4. 7.:
The Souvenir – Part II
Ein Film von Joanna Hogg.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Es ist nur wenig her, dass Julies undurchschaubarer, dandyhafter Geliebter Anthony sich mit einer Überdosis Heroin das Leben nahm, und der Schock sitzt noch tief. Nachdem sie lange Zeit in ihrem Filmstudium nicht sehr engagiert war, überlegt sie nun, ihre Beziehung zum Thema ihrer Abschlussarbeit zu machen. Es wird ein schmerzhafter Prozess. Der Dreh und die Zusammenarbeit mit den Kommiliton*innen laufen suboptimal. Fragen und Kritik kommen nicht nur von der Crew, Julie selbst muss sich ihrer Rolle stellen, sowohl innerhalb der Geschichte als auch als Regisseurin.
„Souvenir I“ handelt vom Auf und Ab einer toxischen Beziehung, Teil II ist aber weit mehr als die Fortsetzung. Wie fragmentierte Erinnerungstücke an die Zeit nach Anthonys Tod setzt sich der Film zusammen, Trauerarbeit und künstlerische Entwicklung gehen Hand in Hand. Julie wird sich selbst bewusster, und der Veränderungen, die sie in ihrem Leben vornehmen muss.
Wie weit das autobiografisch ist, sei dahingestellt, aber um Authentizität geht es Joanna Hogg ohnehin nicht, sondern um die künstlerische Darstellung der eigenen Sicht.
„THE SOUVENIR … ist wohl auch deshalb so großartig, weil eine Filmemacherin hier nichts mehr verarbeitet, sondern die Erinnerung an Erleben und Verarbeitung selbst in einen Film verarbeitet. Und dabei ganz beiläufig nachzeichnet, wie sie selbst zu der Filmemacherin geworden ist, die diesen Film machen konnte und wollte.
Ein Film à la Annie Ernaux: die eigene Geschichte nicht einfach gestehen, sondern zum Anlass nehmen, sich die Welt anzusehen.“ Till Kadritzke | critic.de
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Credits:
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GB 2021, 107 Min., engl. OmU
Regie: Joanna Hogg
Kamera: David Raedeker
Schnitt: Helle le Fevre
Mit Honor Swinton Byrne, Tilda Swinton, James Spencer Ashworth, Alice McMillan, Oli Bauer, Ariane Labed, Richard Ayoade
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Trailer:
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The Souvenir Part II – Offizieller Trailer
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A film by Joanna Hogg. In English with German subtitles-

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

In the second part of her self-exploratory diptych, Joanna Hogg fully realizes the Proustian implications of filming her memories. In the beginning, it seems as if the film just took off where the first one stopped, but instead of moving on with the emotional rollercoaster ride, the mourning echo of Anthony’s absence now takes over and relates all actions to the question asked at the very beginning of the first film: how to film life? How to film what really happened?
As Julia tries to cope with her life and make her graduation film about her relationship with Anthony, we rediscover cinema as a means to heal our wounds, not necessarily because everything works out, but because films and the exhausting ways of making them enable us to find new perspectives on existence. Rarely have the doubts of growing up merged so beautifully with finding one’s voice as an artist, such as in the sequences reminiscent of Hogg’s own first shorts when Julia gets lost in a Cocteau labyrinth of surreal memories and phantasies.
This expressionist outburst stands in stark contrast to the casual and tender observations across the rest of the film, but also presents us with the discovery of a language that crosses the bridge between experience and film. (Patrick Holzapfel)
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Credits:
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GB 2021, 107 Min., engl. OmU
Regie: Joanna Hogg
Kamera: David Raedeker
Schnitt :Helle le Fevre
Mit Honor Swinton Byrne, Tilda Swinton, James Spencer Ashworth, Alice McMillan, Oli Bauer, Ariane Labed, Richard Ayoade

The Souvenir Part II – Offizieller Trailer
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Sa., 2. 7.:
Das Pfauenparadies
Ein Film von Laura Bispuri.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

„Rund um den Geburtstag von Großmutter Nena und Paco, den Pfau erzählt Laura Bispuri eine wunderbar leichthändige Familiendramödie, die mit Erwartungen spielt und diese dann charmant einlöst.
Bei Regisseurin Laura Bispuri ist es nicht der Elefant, der im Raum steht und den doch keiner sehen möchte, sondern ein Pfau, der stolz balzend ein Rad schlägt. Er ist das Bild im Bild, das offene Geheimnis, eigentlich aber das etwas andere Haustier von Enkelin Alma. Der Vogel stolziert durch die Räume, während die Gäste auf dem Geburtstag von Großmutter Nena eintrudeln, sich situieren, erste Gespräche beginnen und das Essen vorbereitet wird. Schwiegertochter Adelina versucht, mit ihrem Geschenk, einem selbst gestrickten Pullover, zu glänzen. Sohn Vito pumpt Schwester Caterina um Geld für seine anstehende Hochzeit an, während diese zu verheimlichen sucht, dass sie sich von ihrem Mann Manfredi getrennt hat. Der insistiert trotzdem, beim Essen dabei zu sein, während seine neue Freundin Joana unten im Auto wartet. Alles könnte in Banalitäten oder Klamauk enden, hätte Bispuri nicht ein grandioses Gespür für Besetzung, Timing und Stil. Und es gibt Paco, den schönen Pfau, der sich inmitten des familiären Durcheinanders in eine Taube auf einem von Nenas Gemälde verliebt.“
Susanne Kim | Indiekino

Diese bewegte, manchmal chaotische Familienaufstellung ist ein Ensemblestück mit 11 Personen und einem Pfau, als wunderbares Durcheinander choreografiert. Die einem möchte sich unbedingt mitteilen, andere lügen oder schweigen, und andere weichen lieber aus. Der arme Pfau jedoch kann garnichts dafür, dass er im Mittelpunkt steht und schließlich als Katalysator für unerwartete Klarstellungen dient. Obwohl, ein wenig dumm verhält er sich schon.
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Credits:
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Il paradiso del pavone
DE/IT 2021, 89 Min., ital. OmU
Regie: Laura Bispuri
Kamera: Vladan Radovic
Schnitt: Carlotta Cristiani, Jacopo Quadri
mit: Dominique Sanda, Maddalena Crippa, Carlo Cerciello, Alba Rohrwacher, Fabrizio Ferracane, Maya Sansa
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Trailer:
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A film by Laura Bispuri. In Italian with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

One winter’s day, Nena gathers her family together to celebrate her birthday. Everyone is there: her husband Umberto, her son Vito and her daughter Caterina with her cousin Isabella, her daughter-in-law Adelina and her ex-son-in-law Manfredi with his new girlfriend Joana, her granddaughter Alma, her maid Lucia with daughter Grazia. And then there is Paco, Alma’s peacock. While everyone waits for a lunch that will never be served, Paco becomes infatuated with a little dove in a painting. The tragedy inherent in the impossibility of this love distresses the whole family. All of the guests are impelled to think about their true feelings, about what remains and what is gone forever.
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Credits:
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Il paradiso del pavone
DE/IT 2021, 89 Min., ital. OmU
Regie: Laura Bispuri
Kamera: Vladan Radovic
Schnitt: Carlotta Cristiani, Jacopo Quadri
mit: Dominique Sanda, Maddalena Crippa, Carlo Cerciello, Alba Rohrwacher, Fabrizio Ferracane, Maya Sansa
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Trailer:
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Sa., 25. 6.:
Rifkin’s Festival
Ein Film von Woody Allen.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Woody Allen begleitet mich seit eigentlich schon immer. Jedenfalls seit den 70er Jahren, Spielfilme gegen Fernsehserien, zu der Zeit Take the money and run gegen Derrick. Ein Fernseher für zwei Fraktionen, im Einfamilienhaus. Freitagabend bevor Freitag/Samstagabend zu Disco wurden. Das SS Mitglied Herbert Reinecker gegen Allen David Koenigsberg, Paranoia in der Straßenbahn gegen die erste Szene von Annie Hall. Jahrzehnte später macht Woody Allen mit 84 nach Stardust Memories einen weiteren Film im Film, entspannt in San Sebastian, während des Festivals. Wallace Shawn, der mit My dinner with Andrew und Vanya on 42 street von Louis Malle auch im Film dem Theater treu blieb, für das er hauptsächlich arbeitet (auch als Autor), spielt hier die typischste aller Woody Allen Verkörperungen. Intellektuell, banal, verkorkst, hellsichtig, verwickelt, allein im Kosmos für solche wie ihn und deshalb immer in Gesellschaft.

Wallace Shawn lebt also ein Filmfestival lang den Nachmittag eines Fauns aus. Sich seiner eigenen Grenzen nicht bewußt aber diese beharrlich verfolgend. Ein Vergnügen.

Rifkin’s Festival wurde bereits 2019 gedreht, kommt nun aber auch endlich in hiesige Kinos. Wie so oft bei Allen ist dies ein vielschichtiger, warmherziger Film. Noch dazu einer, der das europäische Kino ehrt und zelebriert. In der Hauptrolle agiert Wallace Shawn. Er ist praktisch Woody Allen’s Alter Ego. Als Romanautor gescheitert, als New Yorker Filmdozent nur Anhängsel seiner Frau Sue, begleitet Mort Rifkin sie zu den Filmfestspielen in San Sebastián. Dort macht Sue die PR für den neuen Film des Regisseurs Philippe, den Mort so gar nicht ausstehen kann. Er hegt auch den Verdacht, dass Sue eine Affäre hat. Als er dann die ortsansässige Ärztin Jo kennen lernt, findet er immer wieder neue Gründe, wieso er sie aufsuchen muss. Mort sinniert über seine Beziehungen – und das in Tagträumen, die großen europäischen Filmklassikern nachempfunden sind.

(Peter Osteried, Cineman)
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Credits:
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ES/US/IT 2020, 92 Min., engl. OmU,
Regie: Woody Allen
Kamera: Vittorio Storaro
Schnitt: Alisa Lepselter
mit: Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon, Sergi López, Wallace Shawn, Christoph Waltz
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Trailer:
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RIFKIN’S FESTIVAL | Offizieller Trailer | Deutsch
im Kino mit deutschen Untertiteln
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A film by Woody Allen. In English with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Mort Rifkin, a snobby elderly film critic from New York^{[disambiguation needed]}, is telling his therapist about the recent developments in his life. In the recount, he’s accompanying his much younger wife Sue to a film festival in San Sebastián. She works as a press agent for Philippe, a French director whose banal and derivative anti-war film is being universally celebrated as a masterpiece, to Mort’s chagrin. Mort quickly becomes jealous of Sue and Philippe’s relationship, which increasingly moves into open flirtation. Mort’s inner thoughts and fears causes him to have nightmares inspired by well-known black and white cinematic classics like Citizen Kane, Breathless, Jules and Jim, Persona, The Exterminating Angel, and 8½.

While at the festival, Mort reminisces about his life and the pretentious novel that he’s been writing for decades, trying to achieve a literary relevance that eludes him. He reflects upon his younger years when he used to teach cinema at the university and felt happy and stimulated. Meanwhile, he’s helpless to keep Sue and Philippe from spending time with each other. Eventually, he seeks medical advice about some chest pains and meets Joanna „Jo” Rojas, a Spanish doctor who spent some time in New York and is now unhappily married with an unfaithful, temperamental artist. Joanna leaves a lasting impression on Mort and he repeatedly tries to engage her attention by faking health issues. Eventually, the two go on a sight-seeing drive through the surrounding country, both having a good time in the process.

On their way back to town, a flat tire forces Joanna and Mort to hitchhike back to Joanna’s home, where she discovers her husband cheating on her with one of his models. The two have a bitter fight, then Joanna takes Mort back to his hotel. Here, Sue confronts Mort about their deteriorating relationship, eventually announcing she’s leaving him to start a new life with Philippe. The next morning, Mort calls Joanna, hoping to see her again before he has to return to New York, but she politely declines, despite harboring some affection for Mort and doubts about her own marriage’s toxicity.

Finally, Mort imagines himself playing chess with Death in a parody of Ingmar Bergman’s 1957 film The Seventh Seal. Death tells him that human life is ultimately meaningless, but doesn’t need to be empty. In a parting word of advice, Death tells Mort that he will see him again in the future, but Mort might win some extra time by making sure to exercise and to avoid processed foods. As the festival reaches its closing day, Mort reflects upon his changed circumstances, pondering to go back to be a teacher, this time with a less rigid attitude towards art. Back in New York, he asks his therapist what he should do now.
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Credits:
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ES/US/IT 2020, 92 Min., engl. OmU,
Regie: Woody Allen
Kamera: Vittorio Storaro
Schnitt: Alisa Lepselter
mit: Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon, Sergi López, Wallace Shawn, Christoph Waltz
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Trailer:
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RIFKIN’S FESTIVAL | Offizieller Trailer | Deutsch
im Kino mit deutschen Untertiteln
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Fr., 24. 6.:
Eine Sekunde
Ein Film von Zhang Yimou.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Eine Sekunde Film, dafür ist der Häftling aus dem Straflager geflohen. Seine ihn entfremdete Tochter soll so lange in dem Werk, das durch die Provinz tourt, zu sehen sein. Genauer gesagt, in der Wochenschau, und ausgerechnet diese Filmrolle stiehlt das Waisenmädchen Wu. Sie will das Material einer anderen, für sie wichtigen Bestimmung zuführen. Ohne diese Propaganda-Rolle wiederum will der stolze Projektionist des Kinos der zweiten Einheit die Vorstellung nicht beginnen. Es beginnt eine wechselseitige Jagd auf das Diebesgut, mit Verlusten auf aller Seiten. Doch aller Auseinandersetzungen zum Trotz bahnt sich auch eine neue Freundschaft an.

Bevor Zhang Yimous seine „bodenständige und einfache Geschichte“ vor Publikum zeigen konnte, hatte der Film schon eine bewegte Geschichte hinter sich. Bei der Berlinale für den Goldenen Bären nominiert, wurde er kurz vor seiner Premiere aus „technischen Gründen“ zurückgezogen. Gleiches passierte dann 21 Monate und zwei Überarbeitungen später nochmal beim „Golden Rooster and Hundred Flowers Film Festival“. Kurze Zeit später aber wurde der heiß erwartete Streifen in China mit großem Erfolg gestartet.

Hatte Zhang zuvor einige opulente Werke geschaffen, und zuletzt mit „Hero“ auch das Wuxia-Genre bedient, können wir hier zwar auch wunderbare Bilder der Sandwüste bewundern, aber Bilder aus der Kulturrevolution sind insgesamt fürs Schwelgen wohl weniger geeignet.

Eine Sekunde ist eher eine Hommage an den 35mm-Film, an seine Haptik, Sinnlichkeit, die stoffliche Verletzlichkeit des Materials, und dabei an seine Möglichkeiten, sowie an das Kino dieser Zeit. Es wird hier „Heroische Söhne und Töchter“ gezeigt, alternativ wäre nur „Der Kampf zwischen Nord und Süd“ möglich gewesen, denn es gibt nur wenige Filme fürs Landvolk. Das tut der Begeisterung jedoch keinen Abbruch, und der Andrang sorgt immerhin für die ein- oder andere Massenszene.
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Credits:
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Yi miao zhong 秒钟
CN 2019, 103 Min., mandarin OmU
Regie: Zhang Yimou
Basierend auf dem Roman „The Criminal Lu Yanshi” von Yan Geling.
Schnitt: Yuan Du
Kamera: Zhao Xiaoding
mit: Zhang Yi, Liu Haocun, Fan We
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Trailer:
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A film by Zhang Yimou. In Mandarin with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

A prisoner is sent to a labor camp during China’s Cultural Revolution. Using his wit, solely to watch a newsreel containing a glimpse of his daughter, he escapes and heads for the cinema in a local town where he hopes to find the film. But on the way he comes across a young vagabond who runs away with the reel. Curiously, this enigmatic object, which both covet, will become the seed of an unexpected friendship.
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Credits:
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Yi miao zhong
CN 2019, 103 Min., mandarin OmU
Regie: Zhang Yimou
Basierend auf dem Roman „The Criminal Lu Yanshi” von Yan Geling.
Schnitt: Yuan Du
Kamera: Zhao Xiaoding
mit: Zhang Yi, Liu Haocun, Fan We
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Trailer:
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Fr., 24. 6.: