Als Regisseurin Sonje Strom den drei Wissenschaftlern aus Hamburg den Nachlass ihres Urgroßvaters Jürgen Mahrt im Elsdorfer Gehege in Schleswig-Holstein öffnet, können die kaum fassen, welcher Schatz ihnen da zugeführt wird: 350 ausgestopfte Vögel, 3000 Schmetterlinge, Raupen, Pilze und Käfer, geordnet in Kästen, unzählige sorgfältig handkolorierte Fotografien von Tieren, Pflanzen und Landschaften. Dazu noch ein Tagebuch, in dem der Landwirt u.a. das Verschwinden bestimmter Tier- oder Pflanzenarten festhielt. Es liefert bis heute Daten zum Artensterben und zeugt von Landschaften und Tieren, die durch den Eingriff des Menschen fast verschwunden sind. Mahrt arrangierte die von ihm ausgestopften Tiere in Feld und Flur, die Fotos verkaufte er für die in den 1920er-Jahren populären Sammelbildalben. Was war das für ein Mensch, der schon damals Beruf und Auskommen für seine Leidenschaft vernachlässigte? Der mit dem Fahrrad vom Norden Deutschlands in die Schweiz fuhr, nur um einem Freund einen seltenen Schmetterling zu zeigen und dabei die Ernte vergaß? Der sich nichts daraus machte, als Exzentriker angesehen zu werden? Der Film ist die Annäherung der Filmemacherin an den unbekannten und in mancher Hinsicht rätselhaften Urgroßvater und sein beeindruckendes Archiv. Und dann es ist es noch ein schöner Zufall, dass die Goldene Taube und die Doppelschnepfe vom Plakat zusammengefunden haben: Die toten Vögel sind oben gewann u.a. 2022 verdient den Hauptpreis bei DOK Leipzig.
Credits:
DE 2022, 85 Min., deutsch, plattdeutsche OmeU Regie: Sönje Storm Kamera: Alexander Gheorghiu Schnitt: Halina Daugird
In a northern German attic: boxes of pinned butterflies, carefully hand-coloured photographs of the local flora and fauna, hundreds of stuffed and dusty birds – Jürgen Friedrich Mahrt (1882–1940) did a great job. His collections echo a present that doesn’t exist anymore. And yet all signs of an ecological crisis can be found buried in them. Dead or alive? There is an uncanny element in Jürgen Friedrich Mahrt’s photos: One can’t always be sure whether the animal captured in the frame is the result of hours of waiting or just a specimen staged to look lifelike. The ripples around the duck on the pond are missing, the bird of prey looks suspiciously calm directly into the lens. Mahrt crossed borders. He sacrificed his duties as a farmer to the urge to document natural environments we hardly find in nature today. Ancient forests, enchanted moors, macro views of fat, colourful caterpillars – almost magical images that make one sad in view of a variety irretrievably lost. His great-granddaughter Sönje Storm has the quiet eccentric’s estate analysed by experts, shows peat cutters, extinct species and a changing countryside. An exceedingly stimulating excursion, congenially accompanied by the scurrilous electronica sounds of Dominik Eulberg and Bertram Denzel. (Carolin Weidner, DOK Leipzig 2022)
Credits:
DE 2022, 85 Min., deutsch, plattdeutsche OmeU Regie: Sönje Storm Kamera: Alexander Gheorghiu Schnitt: Halina Daugird
Typischer als „Asteroid City“ kann ein Wes Anderson-Film kaum sein: Vom bis ins kleinste Detail ausgestatteten Sets, über eine verspielte, verschachtelt erzählte Handlung, bis hin zu einer Besetzung, die auch in den kleinsten, kaum wahrnehmbaren Nebenrollen bekannte Schauspieler versammelt. Worum es geht: Um alles und nichts, das große Ganze, die menschliche Existenz, den Sinn des Leben.
Irgendwo im Südwesten der Vereinigten Staaten versammelt sich im Jahre 1955 eine bunt gemischte Gruppe Menschen. Anlass ist ein Sternforscherkongress im lokalen Wissenschaftszentrum, denn im Hintergrund der kleinen Gemeinde mit genau 87 Einwohnern, ragt der Krater auf, in den einst der Asteroid einschlug, der Asteroid City seinen Namen gab.
Nachwuchs-Sterngucker sind vor Ort, um ins All zu Blicken, junge Forscher, die ihre Entwicklungen vorstellen und bald kommt auch noch ein Alien zu Besuch. Was dazu führt, dass der Ort unter Quarantäne gestellt wird und das lokale Motel zum Anlaufort für die Gestrandeten wird: Den Kriegsfotografen Augie (Jason Schwartzmann), der gerade seine Frau verloren hat und mit seinem grantigen Schwiegervater (Tom Hanks) streitet. Der Filmstar Midge Campbell (Scarlett Johansson), eine Diva irgendwo zwischen Elizabeth Taylor und Marilyn Monroe, dazu die Wissenschaftlerin Dr. Hickenlooper (Tilda Swinton), der General Grif Gribson (Jeffrey Wright) und viele Andere. Sie alle hadern auf die ein oder andere Weise mit dem Leben, trauern geliebten Menschen mach, fragen sich, was das denn alles soll, suchen nach Antworten auf die großen Fragen der Menschheit oder schlicht und ergreifend dem Sinn der Existenz.
Sinn mag auch der Zuschauer in diesem besonders enigmatischen Film eines Regisseurs suchen, der einmal mehr einen Film vorgelegt hat, wie ihn nur er drehen kann. Vom ersten Moment an lässt „Asteroid City“ keinen Zweifel daran, dass es sich um einen Wes Anderson-Film handelt: Frontale Kameraperspektiven, liebevoll bis ins kleinste Detail ausgestattete Sets, seltsame Charaktere und nicht zuletzt: Eine verschachtelte Narration. Andersons voriger Film „The French Dispatch“ funktionierte in gewisser Weise wie die Bebilderung des Magazins The New Yorker, in „Grand Budapest Hotel“ zeigten wechselnde Bildformate die unterschiedlichen Zeitebenen an, ein Stilmittel, das sich auch in „Asteroid City“ wiederfindet. Ist der Hauptfilm in farbigem Scope inszeniert, so sind die Bilder der Rahmenhandlung in schwarz-weiß und dem altmodischen 4:3‑Format gefilmt. Hier sieht man eine TV-Inszenierung des Films, den man gerade sieht, aber auch Szenen mit dem Autor des Stücks selbst (Edward Norton), der bisweilen Besuch von den Schauspielern bekommt, die nach der Bedeutung der Dialoge fragen, die sie in der Haupthandlung sprechen.
Hübsch selbstreferenziell ist das, auch die geradezu absurde Ansammlung bekannter Schauspieler, die teilweise in winzigen Rollen auftreten, deutet darauf hin, dass Anderson hier auch einen Film über sich, seine Arbeitsmethode, seinen Blick auf die Welt gedreht hat. Eine wachsende Filmfamilie hat Anderson im Lauf der Jahre um sich gescharrt, Schauspieler wie Jason Schwartzman oder Willem Dafoe sind zum x‑ten Mal bei ihm dabei, andere, wie Tom Hanks oder Scarlett Johansson, sind Newcomer.
All diese Stars, die sonst meist Hauptrollen spielen, lassen sich mit augenscheinlicher Lust auf ihre oft winzig kleinen Rollen in einem Wes-Anderson-Film ein, fügen sich ein ins große Ganze. Man darf vermuten, dass die Arbeit an einem Anderson-Film ein großes Vergnügen ist, von einer Neugier geprägt, die sich auch auf der Leinwand zeigt. Von großen Fragen mag die Rede sein, von Verlust und Tod die Rede sein, doch Andersons Filme und seine Figuren sind stets von einem unerschütterlichen Optimismus geprägt, auch wenn es keine klaren Antworten gibt. Doch wenn das Leben schon rätselhaft bleibt, dann sollte es zumindest so verspielt und abwechslungsreich sein wie die Welt von „Asteroid City“, in der man gerne 100 Minuten verbringt.
Michael Meyns | programmkino.de
Credits:
US 2023, 104 Min., engl. OmU Regie & Buch: Wes Anderson Kamera: Robert D. Yeoman Schnitt: Barney Pilling mit: Tom Hanks, Jason Schwartzman, Scarlett Johansson, Jeffrey Wright, Tilda Swinton, Bryan Cranston, Ed Norton, Adrien Brody, Liev Schreiber, Hope Davis, Rupert Friend, Maya Hawke, Steve Carell, Margot Robbie, Matt Dillon, Hong Chau, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Rita Wilson
Trailer:
Asteroid City | Offizieller Trailer | Ed (Universal Pictures)
Like Richard Linklater in APOLLO 10 ½ Wes Andersons ASTEROIDCITY explores a mythical Space Age that dreamt of a bright future very different from the present.
Wes Anderson, in the vein similar to David Lynch, makes films for himself and an audience that has already fallen for his aesthetic and his quirky stories and characters.
Just like in his past films, the plot is a Russian nesting doll of interlacing layers: the camera films a recording of a TV program about the genesis of a play and the difficulties and obstacles that need to be overcome by the premiere, but the core of the film is the plot of the play itself. The props are delivered by a freight train during the opening credits, and the camera avoids any lateral movements which could reveal that the entire world is actually just a paper mache facade.
At its core, the film is about a gathering of different people in the year 1955 in a small desert town to commemorate the anniversary of the asteroid impact that gave the city its name. The highlight is a rare astral event and in addition to this, the best of a small group of junior scientists will be selected. For them it‘s an opportunity to be around similarly nerdy peers while their parents can talk to each other about what it‘s like having children that are somewhat strange. All the generations feel lost and alienated from their earthly lives and desperately want there to be something in the stars that will give them meaning. Augie Steenbeck (Jason Schwartzmann), for example, is devastated by the death of his wife and hasn‘t been able to tell his children about it, to the displeasure of his father-in-law Stanley (Tom Hanks). Augie can only open up to his pavilion neighbor, film star Midge Campbel (Scarlett Johansson), who has also lost her orientation due to a painful loss. When an alien (Jeff Goldblum) unexpectedly lands during the ceremony, it leads to a lockdown as instructed by the president as opposed to a meaningful impetus. But luckily, they can turn to the writer or director of this play at that point, and if the creators can‘t help either, they go one step further, to the front of the theater, maybe there will be somebody who can say something helpful there. Or they can just not worry and see what happens next. Sooner or later, the problem will solve itself.
With all of its existentialist considerations, ASTEROIDCITY is actually a sweet and thoroughly optimistic declaration of love to the version of the 1950s where there was still hope for a better future in space and nuclear power and everything, yes everything, could be bought from a vending machine. The film is carried by a spectacular cast that have either already been in other Anderson films (Tilda Swinton as a confused astronomer) or will hopefully pop up again (Steve Carell as the unshakeable hotel manager). Since there‘s nothing to ‘comprehend‘ besides its personal emotional resonance, which Wes Anderson films often evoke, ASTEROIDCITY is a cineastic gift that gives a cozy feeling of happiness in many shades.
Christian Klose | indiekino
Translation: Elinor Lewy
Credits:
US 2023, 104 Min., engl. OmU Regie & Buch: Wes Anderson Kamera: Robert D. Yeoman Schnitt: Barney Pilling mit: Tom Hanks, Jason Schwartzman, Scarlett Johansson, Jeffrey Wright, Tilda Swinton, Bryan Cranston, Ed Norton, Adrien Brody, Liev Schreiber, Hope Davis, Rupert Friend, Maya Hawke, Steve Carell, Margot Robbie, Matt Dillon, Hong Chau, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Rita Wilson
Trailer:
Asteroid City | Offizieller Trailer | Ed (Universal Pictures)
In einem Berliner Wohnhaus verhängt die Polizei wegen eines nicht näher spezifizierten Terrorverdachts eine Ausgangssperre. Unter dem Druck von außen werden die Loyalitäten brüchig, Beziehungen und sicher geglaubte Annahmen kollabieren, Misstrauen und Angst greifen um sich.
Wie viele unterschiedliche Lebensmodelle und Weltbilder wohl in dem äußerlich recht friedlichen Berliner Mietshaus, in dem ich wohne, auf engstem Raum miteinander koexistieren, habe ich mich schon oft gefragt. Während der Corona-Pandemie wurde in diesem kleinen wie im größeren gesellschaftlichen Rahmen das Gefühl größer, dass durchaus nicht selbstverständlich davon auszugehen ist, man könne sich mit den meisten Mitmenschen sicher auf einige Basisannahmen einigen. Mit einer ähnlichen Fragestellung arbeitet Asli Özge in BLACKBOX. In einem Berliner Wohnhaus verhängt die Polizei wegen eines nicht näher spezifizierten Terrorverdachts eine Ausgangssperre. Ein Auto wird abgeschleppt, eine Wohnung durchsucht, die eingesperrten Bewohner treffen im Hof aufeinander, der schon länger ein umkämpftes Gebiet ist. Die neue Hausverwaltung hat Mülltonnen umplatziert, eine Protestinitiative bildet sich, ein Kind hat oder hat nicht vor die Haustür gepinkelt. Ein zentraler Konflikt ist die Besitzfrage, das Haus besteht teils aus Miet‑, teils aus Eigentumswohnungen. Die Loyalitäten der Bewohner werden unter dem äußeren Druck brüchig, Beziehungen und sicher geglaubte Annahmen kollabieren, Misstrauen und Angst greifen um sich. Gefilmt ist das oft aus beengten Perspektiven: Mit Blicken von Wohnungen nach draußen, Spiegelungen in Fensterscheiben und verzerrten Bildern erzählt Özge, wie man sich gegenseitig belauert, wie alle nur einen Teil der Informationen haben und daraus ihre Realitäten konstruieren. Dass dieser Mikrokosmos als Metapher für die Gesamtgesellschaft gemeint ist, ist klar und Asli Özges Diagnosen ist wenig entgegenzusetzen. (…)
During an emergency, the residents of an apartment building in Berlin drop all pretense of human decency.
Due to an unexplained incident outside an apartment building in Berlin, the police block the entrances to the courtyard, and a tense situation ensues. Uncertainty among the residents fuels fears. Suspicion and panic spread; prejudice leads to polarization. The courtyard is a microcosm, with relationships based on power and profit. Perhaps the real danger is not from outside, but from within.
Bei einem Start im Hochsommer geht es gefühlt kaum gegensätzlicher: Bei unter ‑30° wird das staatliche Jungeninternat auf 2000m Höhe im Osten der Türkei, in kurdischem Gebiet, fast von Schneemassen begraben. Hier sind nicht nur die Temperaturen zum Fürchten, sondern auch die strenge, autoritäre Erziehung und die empathielose Umgangskultur. Die Eltern der Kinder hegen jedoch die Hoffnung, dass den Kindern durch diese Ausbildung eine bessere Zukunft bevorsteht. Der 12-jährige Yusuf und der jüngere Memo sind Zimmergenossen. Ihre Freundschaft ist das einzige, was für sie zählt und ihnen hilft, durch den Tag zu kommen. Als Memo eines morgens schwer erkrankt aufwacht, versucht Yusuf trotz der Gleichgültigkeit und des Widerstandes der repressiven Schulleitung, ihm zu helfen, und bringt ihn ins Krankenzimmer. Spät erst erkennen die Lehrer den Ernst der Lage, und schon beginnt eine Kaskade von wechselseitigen Schuldzuweisungen und kafkaesker Ursachenforschung innerhalb des alles bestimmenden Machtgefälles. Als Memo dann endlich in ein Krankenhaus gebracht werden soll, ist die Schule durch heftigen Schneefall von der Außenwelt abgeschnitten. Regisseur Ferit Karahan, der das Drehbuch zusammen mit seiner Frau Gülistan Acet schrieb, hat wie die Kinder in dem Film selbst eine sogenannte “YIBO”-Schule besucht. … Er hat das, was er selbst in den 90er Jahren erlebt hatte, in diesem Film verarbeitet. “Ich wollte die Geschichte eines Tages in einer Internatsschule erzählen, aber damit gleichzeitig ein ganzes System, ein ganzes Land, etwas Universales beschreiben.” „Brother’s Keeper ist alles andere als ein sentimentales Rührstück, eher eine scharfsinnige Groteske über Bürokratie, Mangelwirtschaft, ein System, das Repression, Konformität, Heimlichkeiten und Grausamkeiten fördert.“ Claudia Lenssen | taz
Strict rules prevail at a remote boarding school in the mountains of Anatolia where Turkish teachers educate gifted Kurdish pupils from the surrounding area. Once a week, the boys are allowed to shower and, like everything else here, this process is monitored. One night, twelve-year-old Memo asks his friend Yusuf if he can sleep in his bed. But, afraid of gossip, Yusuf refuses. The next morning, Memo is sick and cannot attend class. The school’s heating has broken down and an icy winter’s day takes its course. Memo’s condition worsens. He is no longer responsive and Yusuf is only allowed to talk when prompted. Gradually, the events of the previous night are revealed. Ferit Karahan’s finely spun drama illuminates a microcosm marked by poverty and fear. Surrounded by snow and frost, the emotional coldness which prevails between teachers and pupils in this authoritarian educational institution become almost physically tangible.
Ein utopischer Ort der Menschlichkeit mitten in Paris
Wie ein elegantes Holzschiff liegt die Adamant am rechten Seine-Ufer im Herzen von Paris vor Anker. In diese einzigartige, 2010 eröffnete Tagesklinik kommen Erwachsene mit psychischen Störungen, die therapeutisch begleitet werden, sich hier vor allem aber kreativ entfalten: Sie schreiben Chansons, veranstalten Filmfestivals, dichten, malen und zeichnen. Das Team der Adamant zeigt tagtäglich, wie es in Zeiten eines Gesundheitssystems in der Krise gelingen kann, zugewandt und offen auf Menschen mit psychischer Erkrankung einzugehen. Aus sensiblen Beobachtungen und Gesprächen mit den Adamant-„Passagier*innen“ entsteht das leichtfüßige Portrait einer Einrichtung, deren Existenz Hoffnung macht.
Der Franzose Nicolas Philibert gehört seit seinem Publikumserfolg SEINUNDHABEN zu den großen Dokumentarfilmemachern Europas. Für AUFDERADAMANT wurde er auf der Berlinale 2023 mit dem Hauptpreis des Festivals, dem Goldenen Bären, ausgezeichnet.
Credits:
Sur l’Adamant FR/JP 2022, 109 Min., frz. OmU Regie, Kamera, Schnitt: Nicolas Philibert, Regie unter Mitwirkung von Linda De Zitter
The Adamant is a unique day-care centre. A floating structure located on the Seine in the heart of Paris, it welcomes adults suffering from mental disorders, offering the kind of care that grounds them in time and space and helps them to recover or keep up their spirits. The team running it tries to resist the deterioration and dehumanisation of psychiatry as best as they can. One of the great documentary filmmakers working today, Nicolas Philibert’s approach has everything to do with getting close to his subject. Whether it is an individual such as the orangutan of Nénette (Forum, 2010), or a group of people as in La maison de la radio (Panorama, 2013), his observation over an extended period of time is motivated by a genuine and contagious interest in all that moves within a community. The question of trust is always central to a documentary filmmaker’s work and Philibert’s stance is perfect in that regard, especially for those who might have reason to mistrust their fellow humans. This gentle, enlightening film invites us to join the welcoming microcosm of the Adamant. In their company we may, as one patient suggests, decide in the morning to make sure that we will have a good day.
Berlinale 2023: Golden Bear
Credits:
Sur l’Adamant FR/JP 2022, 109 Min., frz. OmU Regie, Kamera, Schnitt: Nicolas Philibert, Regie unter Mitwirkung von Linda De Zitter
Trailer:
On the Adamant / Sur l’Adamant (2023) – Trailer (English Subs)
Die UN hat den Abzug aus Mali bis Ende 23 auf Druck der dortigen Militärjunta beschlossen. Danach ist die Bevölkerung dem Terror von Wagner Gruppe und Islamisten ausgeliefert. Le Mali 70 entstand Anfang der 20er Jahre, als der Krieg noch auf den Norden beschränkt war und feiert die Musik des Landes, die reich und überbordend ist. Besonders nach der Unabhängigkeit vom französischen Kolonialregime schufen die Big Bands den Sound der Zukunft für Mali. Die Berliner Musiker von Omniversal Earkestra, eine Combo mit fettem Bläsersatz und von extrem mitreißender Spielfreude entdeckte die Musik, hortete die Platten der 70er und fisselte sich die Arrangements in mühevoller Detailarbeit zusammen. Die Idee, eine Reise nach Mali zu unternehmen und sich mit den inzwischen in die Jahre gekommenen Künstlern live auszutauschen, wurde umgesetzt und schon sind wir in Bamako, atmen die Musik und lauschen der Oral History. Auch über den kubanischen Einfluss, denn beim Balanceakt Malis zwischen Ost- u. West waren kubanische Aufbauhelfer im Land. Die Intuition trifft auf das Notenblatt, die Geschichten auf die Geschichte.
„Nachdem Mali im Jahr 1960 die Unabhängigkeit von Frankreich erlangte, entwickelte sich das Land zu einem wichtigen Zentrum für afrikanische Musik und spielte eine bedeutende Rolle in der Musikszene des Kontinents. Mali hat eine reiche musikalische Tradition, die sich im Laufe der Jahre weiterentwickelt und globalen Einfluss erlangt hat.In den 1960er und 1970er Jahren, in der Zeit nach der Unabhängigkeit, wurde die Musik in Mali zu einem wichtigen Medium, um soziale und politische Botschaften zu vermitteln. Viele Künstler nutzten ihre Musik, um auf soziale Ungerechtigkeiten, politische Themen und die Wahrung der kulturellen Identität aufmerksam zu machen.“ ChatGPT
Credits:
DE 2022, 92 Min., German, French, Bambara, English OmU Regie & Schnitt: Markus CM Schmidt Kamera: Martin Langner
In the 1970s, there was a vibrant big band music scene in Mali that mixed Afro-Cuban jazz with traditional music. The Berlin band Omniversal Earkestra rediscovered the sound and set off on a journey to meet the legends of the time and record an album with them that ends up being more of a culture clash than expected. An intoxicating music film. Ysabel Fantounem Roadmovie durch Mali.
(DOK.fest München 2023, Ysabel Fantou)
Credits:
DE 2022, 92 Min., German, French, Bambara, English OmU Regie & Schnitt: Markus CM Schmidt Kamera: Martin Langner
Seit 30 Jahren dreht Aki Kaurismäki Filme, die das Bild seiner finnischen Heimat im Ausland geprägt haben. Eigentlich hatte er sich schon zur Ruhe gesetzt, mit „Fallen Leaves“ hat Kaurismäki nun doch noch einen Film gedreht, einen seiner schönsten. Eine zarte Liebesgeschichte in Helsinki, ein Film, der in jedem Moment ein Kaurismäki-Film ist, völlig aus der Zeit gefallen und dabei durch und durch eigen.
In der finnischen Hauptstadt Helsinki (bzw. der Kaurismäki-Version von Helsinki) leben Ansa (Alma Pöysti) und Holappa (Jussi Vatanen) bescheidene Leben. Sie arbeitet in einem Supermarkt, räumt die Regale ein und nimmt bisweilen eine Packung abgelaufener Wurst mit nach Hause, weswegen sie bald entlassen wird. Er arbeitet auf dem Bau – zumindest noch – lebt in einem Container und geht gelegentlich mit seinem Freund zur Karaoke, an der er aber nicht teilnimmt, denn: Harte Jungs singen nicht. Noch wissen die beiden Nichts voneinander, leben vor sich hin, in einer zeitlosen Welt, die weder bewusst die Vergangenheit darstellt, noch deutlich die Gegenwart.
Das Radio in Ansas Küche etwa, scheint aus den 60er Jahren zu stammen, aber sie hört darin Nachrichten, die auf den aktuellen Krieg in der Ukraine Bezug nehmen. Fernseher gibt es in dieser Welt dagegen nicht, die Moderne scheint noch keinen Einzug gehalten zu haben. Irgendwann kommt es zu einer ersten Verabredung – man sieht sich Jim Jarmuschs „The Dead don’t die“ im Kino an – doch bevor Ansa und Holappa wie der kleine Tramp und das Mädchen in den Sonnenaufgang gehen können, wollen noch einige Hindernisse überwunden werden.
Ein eigenartiges Gefühl hinterlässt Aki Kaurismäkis „Fallen Leaves“: Ein neuer Film des finnischen Kultregisseurs ist dies, der sich dennoch in jedem Moment, in praktisch jedem Dialog, jeder Geste, jedem Schauplatz bekannt anfühlt. Als hätte es Kaurismäki zum diesmal vielleicht endgültigen Ende seiner Karriere darauf angelegt, ein Pastiche seiner bisherigen Arbeiten zu drehen, eine Art Best Of-Kaurismäki.
Die Welt, die er dabei zeigt, scheint sich seit den 80er Jahren, als Kaurismäki begann, Filme zu drehen, kaum geändert zu haben. Damals war das karge Set-Design wohl nur wenig von der finnischen Realität entfernt, im Laufe der Jahre hat sich dagegen Finnland selbst weit mehr entwickelt als die Filme des im Ausland wohl berühmtesten Finnen.
Kein Regisseur und auch sonst kein Künstler dürfte das Bild von Finnland stärker geprägt haben als Kaurismäki. Das Bild eines wortkargen, melancholischen Volkes, dass das Leben lakonisch an sich vorbeiziehen lässt ist dabei im Lauf der Jahre entstanden, ist die Welt, in der Kaurismäkis Filme spielen, unverwechselbar geworden. In gewisser Weise ist „Fallen Leaves“ also pure Nostalgie, erlaubt es dem Zuschauer einmal mehr in die bekannte, auch die heile, Kaurismäki-Welt einzutauchen, in der die Dinge sich im Lauf der Jahrzehnte nicht verändert haben. Doch die Kaurismäki-Nostalgie funktioniert anders als etwa der Versuch allzu vieler Serien und Filme der letzten Jahre, sich auf eine Reise in die 80er oder 90er Jahre zu begeben und eine nur vermeintlich einfachere Zeit wiederaufleben zu lassen.
Kaurismäkis-Filme haben bei allem Realismus, bei aller Sympathie für die Arbeiterklasse („Fallen Leaves“ soll als Weiterführung der um 1990 entstandenen Proletarischen Trilogie verstanden werden), immer auch etwas Irreales, etwas Märchenhaftes. Das Finnland, das Kaurismäki zeigt, hat so vermutlich nie existiert, es war schon Mitte der 80er Jahre eine Illusion und ist es 40 Jahre später noch viel mehr. Allein an der Lust, sich von Kaurismäki, seinen einzigartigen Figuren und seinem speziellen Blick auf die Welt verzaubern zu lassen hat sich nichts geändert.
Michael Meyns | programmkino.de
Credits:
Kuolleet lehdet FI 2023, 81 Min., finn. OmU Regie: Aki Kaurismäki Kamera: Timo Salminen Schnitt: Samu Heikkilä mit: Alma Pöysti, Jussi Vatanen
Trailer:
Fallen Leaves (2023) | Trailer | Aki Kaurismäki Alma Pöysti | Jussi Vatanen
FALLENLEAVES tells the story of two lonely people (Alma Pöysti and Jussi Vatanen) who meet each other by chance in the Helsinki night and try to find the first, only, and ultimate love of their lives. Their path towards this honourable goal is clouded by the man’s alcoholism, lost phone numbers, not knowing each other’s names or addresses, and life’s general tendency to place obstacles in the way of those seeking their happiness.
This gentle tragicomedy, previously thought to be lost, is the fourth part of Aki Kaurismäki’s working-class trilogy (Shadows in Paradise, Ariel, and The Match Factory Girl).
Credits:
Kuolleet lehdet FI 2023, 81 Min., finn. OmU Regie: Aki Kaurismäki Kamera: Timo Salminen Schnitt: Samu Heikkilä mit: Alma Pöysti, Jussi Vatanen
Trailer:
Fallen Leaves (2023) | Trailer | Aki Kaurismäki Alma Pöysti | Jussi Vatanen
Ein Sommerfilm, der in einem Sommer aus einer anderen Zeit spielt. Niemand stellt ständig von zu heiß auf zu kalt, von extrem trocken auf Cats’n’Dogs, es ist einfach der Zustand der Gelöstheit, der Entdeckungen, des sich treiben lassen. Dazu haben die ProtagonistInnen allerdings zu wenig Zeit. Margaux ist vierzehn und macht in den Sommerferien eher unbegeistert ein Praktikum in einem Kinderheim am Genfer See, der ruhig im Licht der Tage glänzt und uferlos scheint. Sie freundet sich mit einem der Kinder an, Juliette heißt sie, die erst ins Wasser springt und dann schwimmen lernen möchte, ein ungestümer Flohzirkus voller Energie und Entdeckungsfreude. Die beiden lernen Joël kennen, der lange in Indonesien war und jetzt wieder als Fischer arbeitet. Für einen Sommer kreuzen sich die Wege der Suchenden in Jenna Hasses poetischem Debütfilm. „Der Sommer flirrt am Ufer des Genfer Sees, wo das Trio, jeder auf seine eigene Weise, nach einem Platz und einer Perspektive sucht. Die 1989 in Lissabon geborene Hasse siedelt ihren Film dort an, wo sie selbst groß wurde. Inspirieren ließ sie sich von Roman Charles-Ferdinand Ramuz‘ ebenfalls am Genfer See spielendem Roman L’amour du monde, dessen Titel sie entlehnt hat. Margaux gibt Juliette einen zwischenmenschlichen Halt, den sie selbst sucht. Das Verhältnis zum Papa ist angeknackst, und die Teenagerin sehnt sich mit jeder Faser an einen anderen Ort. Als ihre Freundinnen sich via Handy aus dem Italienurlaub melden, fotografiert Margaux eine Naturdokumentation im TV und schreibt: „Liebe Grüße aus dem Paradies“. In dem Hotelzimmer, in dem sie mit dem Vater lebt, hängt die Malerei eines Dschungels an der Wand. „Ich möchte mit dir nach Indonesien gehen“, sagt sie Joël, der für sie in vieldeutiger Hinsicht zu einem Fixpunkt wird.“ Jens Balkenborg | epd Film
Credits:
CH 2023, 76 Min., frz. OmU Regie: Jenna Hasse Kamera: Valentina Provini Schnitt: Noémie Fy mit: Clarisse Moussa, Esin Demircan, Marc Oosterhoff, Adèle Vandroth, Pierre Mifsud, Mélanie Doutey, Filipe Vargas, Théo Rossi, Hadrien Motta, Elias Alves, Maël Ney
Trailer:
L’AMOUR DUMONDE – Sehnsucht nach der Welt // Kinostart: 24. August
“What do you like over there?” – “That it’s 100,000 km from here.”
Fourteen-year-old Margaux drifts dreamily between her father’s new flat and the children’s group home where she is spending her summer as an intern. To the discontent of the adults, she strikes an unusual but tender bond with seven year old half-orphan Juliette. When the two meet local fisherman Joël during one of their secret strolls, Margaux experiences the enigmatic feeling of an intense longing for discovering the world. Modestly reserved, however attentive, she experiences the first traces of attraction. Among the reflections of Lake Geneva, the three unlikely companions will learn more about fishing, Indonesian legends and herons, and about how friendship can unfold in unexpected ways.
Credits:
CH 2023, 76 Min., frz. OmU Regie: Jenna Hasse Kamera: Valentina Provini Schnitt: Noémie Fy mit: Clarisse Moussa, Esin Demircan, Marc Oosterhoff, Adèle Vandroth, Pierre Mifsud, Mélanie Doutey, Filipe Vargas, Théo Rossi, Hadrien Motta, Elias Alves, Maël Ney
Trailer:
L’AMOUR DUMONDE – Sehnsucht nach der Welt // Kinostart: 24. August
Nachdem wir vor nicht allzu langer Zeit seinen essayistischen Film, Moleküle der Erinnerung, gezeigt haben, indem seine Heimat im Corona Lockdown eine wunderbar passende Kulisse zu einer Aufarbeitung des Verhältnisses zu seinem Vater bildete, nun der neue Film von Andrea Segre. Welcome Venice behandelt die Auseinandersetzung zweier Brüder über den Erhalt einer Fischertradition und den grundlegenden Veränderungen ihrer Heimat: Die Brüder Pietro und Alvise gehören zu einer alten Fischerfamilie aus Giudecca, einer der Inseln, aus denen die Stadt Venedig besteht. Ihr Leben kollidiert vor dem Hintergrund des unaufhaltsamen Wandels, der die Realität und die Identität Venedigs und seiner Bewohner verändert: Der zunehmende Einfluss des globalen Tourismus verändert die Beziehungen zwischen der Stadt und ihren Bewohnern. Obwohl es anstrengend und einsam ist, möchte Pietro weiterhin „moeche“, die typischen Krebse der Lagune, fischen; Alvise hingegen sieht in seinem Elternhaus die Möglichkeit, neu anzufangen und sich den neuen Bedingungen anzupassen, wohl wissend nicht nur alte Traditionen, sondern auch sein Verhältnis zu seinem Bruder in Frage zu stellen. „Zehn Jahre nach meinem Film Io sono Li kehre ich mit Welcome Venice zu einem Film zurück, in dem die Stadt Venedig, die Orte und ihre Bewohner eine grundlegende Rolle spielen. Ein Film, der in die Gassen und Gewässer eines Venedigs eintaucht, das Angst hat, zu verschwinden und nicht weiß, wohin die Zukunft führt, aber dennoch die Kraft findet, zu existieren und zu sich selbst und zur Welt zu sprechen. Ein Venedig, das Gefahr läuft, von seiner eigenen Schönheit und seinem Ruhm verschlungen zu werden, eine Stadt, die die uns alle betreffenden globalen Veränderungen symbolisiert, eine Stadt, die Leben, Bürger und Räume braucht. In einer schwierigen Zeit wie dieser freue ich mich, dass mein Film einen Dialog zwischen dem Kino und der Stadt Venedig, zwischen dem Kino und der Welt da draußen anregen kann.“ Andrea Segre
Credits:
IT 2021, 100 Min., Regie: Andrea Segre Kamera: Matteo Calore Schnitt: Chiara Russo mit: Paolo Pierobon, Andrea Pennacchi, Ottavia Piccolo, Roberto Citran, Sara Lazzaro
Pietro and Alvise come from a long line of fishing families from Giudecca, Venice’s most ‚working-class‘ island. But they don’t see eye to eye on the seemingly unstoppable transformation of the lives of the Venetians and the city’s very identity. Indeed, the far-reaching impact of global tourism has changed the relationship between Venice and its residents, and the pandemic has only thrown this critical situation into relief. Pietro would just like to keep fishing the typical crabs found in the Lagoon, lonely as that lifestyle is, while Alvise believes their home on the Giudecca itself is the ticket to joining the elite managing the city’s real estate assets, hence running Venice. This clash of views will involve the entire family, in an ensemble film about how our world is changing.
Credits:
IT 2021, 100 Min., Regie: Andrea Segre Kamera: Matteo Calore Schnitt: Chiara Russo mit: Paolo Pierobon, Andrea Pennacchi, Ottavia Piccolo, Roberto Citran, Sara Lazzaro
In ihrer jüngsten Regiearbeit verarbeitet Valeria Bruni Tedeschi die eigene Zeit an der berühmten Pariser Schauspielschule Théâtre des Amandiers. FOREVERYOUNG folgt einer Gruppe Schauspielstudentinnen über ein knappes Jahr, vom Vorsprechen bis zur Premiere der ersten Studieninszenierung. Dabei ist die Kamera immer so nah bei ihnen, dass fast der Eindruck eines Dokumentarfilms entsteht. Innerhalb des Figurenensembles, dem der Film durch Partys, Liebschaften und Workshops folgt, erhält die Beziehung zwischen Stella (Nadia Tereszkiewicz) und Etienne (Sofiane Bennacer) die Hauptaufmerksamkeit: Sie, die Tochter aus rei- chem Hause (und offensichtliches alter ego der Regisseurin), ist dem schauspielerisch intensiven und privat selbstdestruktiven Junkie-Bad-Boy mit Mutterkomplex verfallen, egal, wie oft er sie warnt, sie schlecht behandelt und sie bestiehlt. Ähnlich wie in Joanna Hoggs Upper-Class-Gesellschaft in THESOUVERNIR ist in Les Amandiers kein Platz für emotional gesunde Beziehungen und die Verarbeitung von Stress. Stattdessen wird in den späten 1980ern, an die sich Bruni Tedeschi erinnert, konstant geraucht, die Schulleiter nutzen ihre absolute Macht, um die Lieblinge des Kollegen im Probenraum fertig zu machen oder sich den eige- nen Lieblingen anzunähern, und die Studentinnen lassen sich in ihren hedonistischen Experimenten von der ständig präsenten Bedrohung durch AIDS kaum aufhalten. Die Premiere naht, „The Show must go on!“, und geweint werden kann hinter der Bühne. Das brachiale Regime scheint zu funktionieren, hat es doch der Regisseurin und vielen ihrer Kommiliton*innen zu einer Karriere verholfen. FOREVERYOUNG erinnert aber auch an die, die auf dem Weg verloren gingen, und an die kindliche Naivität, die die ablegen mussten, die ihr Leben mit Spielen verbringen. Christian Klose | indiekino
Wenn es gut läuft, wie hier, ähneln die Filme von Valeria Bruno Tedeschi den Figuren, die sie vorzugsweise als Darstellerin spielt, z.B. in dem Film Oublie moi. Ist das noch Hysterie oder schon Borderline? Dabei will sie auch nur Anerkennung und scheint doch in ihrer Jugend stecken geblieben zu sein. Völlig überdreht, ein wenig neben der Spur, hartnäckig, grenzenlos, übergriffig, ist sie in ihrer Penetranz nicht gerade eine Symphatieträgerin, und trotzdem oder gerade deswegen eine Emphatie zu entwickeln, bedeutet eine lohnende Aufgabe für uns Zuschauer*innen.
Credits:
Les Amandiers FR 2022, 126 Min, frz. OmU Regie: Valeria Bruni Tedeschi Kamera: Julien Poupard Schnitt: Anne Weil mit: Louis Garrel, Sofiane Bennacer, Nadia Tereszkiewicz, Micha Lescot, Clara Bretheau
Trailer:
Kinotrailer „Forever Young” – Kinostart 17. August 2023
It’s the end of the 80s in Paris, a young troupe of comedians have just been admitted to Les Amandiers, the prestigious theater school headed by Patrice Chéreau. They set out in life and in their early career. Along the way, they will learn, act, love, fear, live to the fullest and also experience their first tragedies.
Credits:
Les Amandiers FR 2022, 126 Min, frz. OmU Regie: Valeria Bruni Tedeschi Kamera: Julien Poupard Schnitt: Anne Weil mit: Louis Garrel, Sofiane Bennacer, Nadia Tereszkiewicz, Micha Lescot, Clara Bretheau
Trailer:
Kinotrailer „Forever Young” – Kinostart 17. August 2023
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