A film by Andreas Voigt.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Along the river Oder: Virulent ques­ti­ons about home­land and com­mu­ni­ty, ever­y­day life and poli­tics, asked with con­fi­dent casu­al­ness, pro­vi­de an account of the present.

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Credits:

DE 2020, 100 Min.,
Buch & Regie: Andreas Voigt
Kamera: Marcus Lenz, Maurice Wilkerling
Schnitt: Ina Tangermann

Trailer:

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a film by Jasmila Žbanić. 

[Credits] [Termine] [Trailer]

Aida is working as a trans­la­tor for the UN at their camp in Srebrenica, when nego­tia­ti­ons go awry and events quick­ly heat up. As the tro­ops of the Bosnian Serbs led by Ratko Mladić mobi­li­ze, thou­sands of scared Bosnians flock to the gates of the camp to find shel­ter the­re. But the UN are not aut­ho­ri­zed to give any sub­stan­ti­al help, and Aida beco­mes torn bet­ween her pro­fes­sio­nal and pri­va­te duties.
The mas­sa­cres com­mit­ted by the Serbian army in Srebrenica in July, 1995 remain an open wound and a taboo to this day, denied by many, dis­cus­sed and taught by very few peo­p­le in the for­mer Yugoslavia. The Bosnian War its­elf has a firm grip on the work of wri­ter-direc­tor Jasmila Žbanić ever sin­ce her ear­ly days as a film­ma­ker. Here she turns histo­ry into a fran­tic (and very real) thril­ler that finds its nar­ra­ti­ve core in Aida’s despe­ra­te strugg­le to save her hus­band and sons. Three hel­p­less men, one fight­ing woman: QUO VADIS, AIDA? offers an unmist­aka­b­ly femi­nist take on the sto­ry of the Srebrenica geno­ci­de. But in the end it is Serbian actress Jasna Djuricic who­se pre­sence, ener­gy, and sheer dedi­ca­ti­on make this film take flight: A simi­lar­ly fier­ce and spellb­in­ding heroi­ne will be hard to find any­whe­re else in Europe’s con­tem­po­ra­ry art house cine­ma. (Stefan Grissemann)

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Credits:

BA/AU/PL/DE/RO/FR/NO/TK/NL 2020, 104 Min.
Regie & Buch: Jasmila Žbanić
Kamera: Christine A. Maier
Schnitt: Jarosław Kamiński
mit: Jasna Đuričić, Izudin Bajrović, Boris Ler, Dino Bajrović, Boris Isaković. Johan Heldenbergh, Raymond Thiry

Trailer:

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A film by Gesa Hollerbach. Starts July 1st at the fsk.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Life in the coun­try has many facets and faces. Nature, peace, tra­di­ti­on. But rea­li­ty today is often dif­fe­rent, becau­se struc­tu­ral chan­ge is des­troy­ing Europe’s vil­la­ges. Schools are forced to clo­se, com­mu­ni­ties are under­fi­nan­ced, land spe­cu­la­ti­on makes the far­mers’ work har­der and gla­rin­gly illu­mi­na­ted cities make the stars har­der to see than a few years ago even in the hin­ter­land. Locked-up cine­mas, dila­pi­da­ted hou­ses, deser­ted train sta­ti­ons. Gesa Hollerbach’s unagi­ta­ted docu­men­ta­ry por­trays four peo­p­le and their lives. They come from very dif­fe­rent back­grounds: a mayo­ress, an astro­no­mer, a restau­ra­teur, and a fema­le far­mer acti­ve in the European Parliament. In Saxony, in the Allgäu, in Austria. Ultimately, though, they are united in a joint, relent­less strugg­le for their respec­ti­ve homes. The film wants to show that chan­ge can be ima­gi­ned and imple­men­ted, that resis­tance bears its first fruits and that the tire­less efforts of tho­se cou­ra­ge­ous guar­di­ans of the coun­try­si­de are not in vain. Today we see young fami­lies in the streets again and cou­ples who deli­bera­te­ly choo­se to move to the coun­try. The chan­ge has alre­a­dy begun.

Julia Weigl

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Credits:

DE 2019, 93 Min.,
Buch und Regie: Gesa Hollerbach,
Schnitt: Carina Mergens,
Kamera: Jennifer Günther

Trailer:

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Sorry, this ent­ry is only available in Deutsch.

Ein Film von Maria Speth.

[indie­ki­no club] [Credits]  [Trailer]

Der Film por­trä­tiert das Schicksal meh­re­rer Jugendlicher, die sehr früh – oft schon im Alter von 11, 12 oder 13 Jahren – ent­schie­den haben, von zu Hause weg­zu­ge­hen und für eine bestimm­te Zeit oder dau­er­haft auf der Straßezu leben: Sunny, Toni, Krümel, JJ, Stöpsel, Soja und Za.

Menschen also, von denen jeder ein­zel­ne mitt­ler­wei­le auch schon neun Leben gelebt haben könn­te. Versehen mit see­li­schen und kör­per­li­chen Beschädigungen. Doch trotz die­ser Zerstörungen gibt es bei ihnen eine enor­me Kraft, Talente und Fähigkeiten zu ent­de­cken. Dieser Reichtum an per­sön­li­chen Möglichkeiten steht im Mittelpunkt des Films.

Die Lebensumstände der Jugendlichen auf der Straße wer­den des­halb auch nicht doku­men­tiert, son­dern sie wer­den von ihnen in frei­er Wahl erzählt oder auch nicht. So kom­men sehr per­sön­li­che, mit­reis­sen­de und berüh­ren­de Zeugnisse zustande.

Um den Fokus auf ihre Persönlichkeiten zu legen, erzäh­len sie vor neu­tra­lem Hintergrund im Studio von ihren Leben.
Einige haben ihre Musikinstrumente mit­ge­bracht und spie­len spon­tan, ande­re zei­gen Fotos oder ande­re künst­le­ri­sche Arbeiten. So ent­ste­hen fil­mi­sche Porträts wie in einer Ausstellung, einem Kunstraum.

Vorurteile und Klischeevorstellungen über „Penner“ und „Punks“ lösen sich auf. Die Jugendlichen wer­den in ihrer bewun­derns­wer­ten Einmaligkeit erkennbar.

Und sie wer­den zu Stars – zu Recht.

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Credits:

Deutschland 2010
Regie: Maria Speth
Drehbuch: Maria Speth
Kamera: Reinhold Vorschneider
Schnitt: Maria Speth

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Trailer:

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A film by Sabine Herpich. In German with English subtitles.

[Credits] [Termine] [Verleihseite] [Trailer]

At the Mosaik art stu­dio in Berlin, artists with disa­bi­li­ties are absor­bed in their work. Sabine Herpich obser­ves the artists in the cour­se of crea­ti­on and directs her gaze at the insti­tu­ti­on its­elf: its pro­ces­ses, staff and spaces. The film suc­ceeds in main­tai­ning its focus on the art its­elf rather than the han­di­caps of its crea­tors. It is around the­se works that the insti­tu­ti­on takes form, thus coming into view first and fore­most as an insti­tu­ti­on for art, not one for peo­p­le with disa­bi­li­ties. The idea of art beco­mes holi­stic, encom­pas­sing the peo­p­le who make it as well as the places whe­re it is crea­ted; it means loo­king at the works, and tal­king about them, but also art as work, com­ple­te with working hours and wage. The film­ma­ker hers­elf is not invi­si­ble. She asks the artists about their thoughts, ide­as, methods. As the artists befo­re the came­ra meet the gaze of the film­ma­ker, a heigh­ten­ed sen­se of atten­ti­on and sen­si­ti­vi­ty is pro­du­ced – for the moods of the works, their crea­tors and obser­vers, as well as for this film about art its­elf, with its gent­le, yet not timid, pre­cise yet non-rest­ric­ti­ve form.

DOKKA dokKa-Preis der Stadt Karlsruhe
Duisburger Filmwoche: 3sat-Preis sowie eine loben­de Erwähnung der Arte-Jury
Nominiert für den Preis der deut­schen Filmkritik 2020

Verleih geför­dert durch:

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Credits:

DE 2020, 106 Min.

Mit: Adolf Beutler, Suzy van Zehlendorf, Gabriele Beer, Till Kalischer, Nina Pfannenstiel u. a.
Regie, Kamera, Montage: Sabine Herpich
O‑Ton Schnitt, Mischung: Marilyn Janssen
Color Grading: Florian Lampersberger
Titel- und Plakatgestaltung: Ulrike Damm
Produktion: Sabine Herpich, Tobias Büchner

Freigegeben ohne Altersbeschränkunge (FSK Prüfkarte: pdf)

Termine:

ab 12. August 2021

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Trailer (vor­läu­fig):

Kunst kommt aus dem Schnabel wie er gewach­sen ist from Büchner Filmproduktion on Vimeo.

A film byn Dominik Graf. . 

[Credits] [Termine] [Trailer]

Berlin, 1931. A milieu bet­ween sub­lets and the under­world, whe­re brot­hels are artists’ stu­di­os, Nazis are yel­ling abu­se in the streets and Babelsberg is dre­a­ming of pro­du­cing “psy­cho­lo­gi­cal cine­ma”. Life is sur­ging, socie­ty is fer­men­ting and cor­ro­ding. As long as he still has a job, Jakob Fabian, who has a doc­to­ra­te in German stu­dies, wri­tes adver­ti­sing copy during the day and fre­quents the city’s more out­lan­dish estab­lish­ments with Stephan Labude at night. While his fri­end – who later con­fes­ses to having fai­led “in the sub­jects of life and pro­fes­si­on” – is a go-get­ter when it comes to com­mu­nism and sex, Fabian remains sober and distant. Without real­ly belie­ving in it, he is wai­ting for the “vic­to­ry of decen­cy”. His love for Cornelia is the only thing that makes him ques­ti­on his iro­nic fata­lism. She beco­mes a ray of hope in his crumbling exis­tence.
Despite all the par­al­lels with today’s mali­gned world, brin­ging Erich Kästner’s deep­ly sad, auto­bio­gra­phi­cal “Fabian” – one of the most important novels of the Weimar Republic – out of the shadows is a chall­enge. Dominik Graf mas­ters it bril­li­ant­ly. His style is fine­ly poin­ted, cold-bloo­dedly brisk and yet quiet­ly melan­cho­lic. A film like a slow­ly tur­ning dis­co ball, about the con­nec­tions bet­ween sexu­al inter­cour­se and an emp­ty fri­dge – and the dis­in­te­gra­ti­on of the dream of happiness.

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Credits:

DE 2021, 176 Min.,
Regie: Dominik Graf
Kamera: Hanno Lentz
Schnitt: Claudia Wolscht
mit Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn

Trailer:

FABIAN | TRAILER | jetzt fürs Heimkino

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A film by Sandra Wollner. Scheduled for July 1st.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Somewhere in Central Europe, per­haps in the vici­ni­ty of Vienna, in the near future. Ten-year-old Elli is an android, as we soon learn. She takes shape through pro­gramming and this turns her into a fan­ta­sy figu­re. Firstly for a man she calls “Daddy” with whom she lies by the pool and for whom she dres­ses up in the house at the edge of the forest. Elli is the ves­sel for his memo­ries, which mean not­hing to her, but ever­y­thing to him. One day he runs after a stran­ge echo and gets lost in the dark­ness while Elli, who fol­lows him, is picked up by stran­gers. A new iden­ti­ty awaits her, a new ghost­ly exis­tence – as a blank screen onto which others can pro­ject their loss of the para­di­se that is child­hood. Austria’s new voice for the nexus bet­ween desi­re and the abyss, fear and mys­tery, fee­ling and emp­tin­ess is Sandra Wollner. As in Das unmög­li­che Bild, in her pro­vo­ca­ti­ve second fea­ture film she deve­lo­ps the plot from a com­plex basic con­stel­la­ti­on (not the other way around) and recon­s­tructs fami­lies that never exis­ted. And so the machi­ne beco­mes a mir­ror of human emo­ti­on, and the film a cap­ti­vat­ing lad­der into vir­tu­al and psy­cho­lo­gi­cal realities.

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Credits:

AU/DE 2020, 94 Min.,
Regie: Sandra Wollner
Kamera: Timm Kröger
Schnitt: Hannes Bruun
mit Lena Watson, Dominik Warta, Ingrid Burkhard, Jana McKinnon

Trailer:

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A film by Radu Jude. In Romanian with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

A video goes viral. It shows a man and a woman having sex while wea­ring masks. The woman is, nevert­hel­ess, iden­ti­fied. Too bad she is a tea­cher and sup­po­sed to be a role model. And this, moreo­ver, in a (post-socia­list but ulti­m­ate­ly any) socie­ty that is about to get lost in a social net­work dis­cour­se of would-be heal­ing sque­aky-clean atti­tu­des, pseu­do-poli­ti­cal kno­wing-it-all, sanc­ti­mo­nious chau­vi­nism and gro­tes­que con­spi­ra­cy theo­ries. Everyone has an opi­ni­on. The deba­te turns into a tri­bu­nal – about con­sen­su­al sex, por­no­gra­phy and more.
Always up for inno­va­ti­ve cine­ma­tic expe­ri­ments, Radu Jude has craf­ted from this con­stel­la­ti­on an intel­li­gent, sati­ri­cal tri­ptych: with its non­cha­lant­ly pre­cise came­ra­work and manic humour found in the stress of ever­y­day life on Bucharest’s streets, the first part shows us what con­tem­po­ra­ry cine­ma at the docu­men­ta­ry-fic­tion inter­face can look like. The second part is an off­beat series of laco­nic, sta­tic images inten­ded as an ency­clo­paed­ia of the sym­bols of our time. The film’s grand – albeit open-ended – fina­le is a dis­cus­sion held at the school in which jud­ge­ment is pas­sed on our heroine’s right to exist.

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Credits:

Babardeală cu bucluc sau por­no balamuc
Rumänien / Luxemburg / Kroatien / Tschechische Republik 2021, 108 Min., rumä­ni­sche OmU
Regie, Buch: Radu Jude
Kamera: Marius Panduru
Schnitt: Cătălin Cristuțiu
mit Katia Pascariu, Claudia Ieremia, Olimpia Mălai, Nicodim Ungureanu, Alexandru Potocean

Trailer:

Im Kino mit deut­schen Untertiteln.

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Ein Film von Kelly Reichardt

[Credits] [Indiekino Club] [Trailer]

Josh, Dena und Harmon pla­nen ein Fanal gegen die Gleichgültigkeit einer über­tech­ni­sier­ten Welt. Ruhig und kon­zen­triert zeich­net Kelly Reichardt die Bewegungen der drei auf, ihre kon­spi­ra­ti­ven Treffen, die Organisation des Materials, die Fahrt zum spä­te­ren Tatort. Night Moves ent­fal­tet sich als küh­ler, prä­zi­ser Zeitlupenthriller. Später müs­sen sich die drei mit der Frage des gegen­sei­ti­gen Vertrauens aus­ein­an­der­set­zen. Sind sie tat­säch­lich eine Gruppe und ver­fol­gen ein gemein­sa­mes Ziel? 
 Reichardts Figuren sind auch hier auf der Reise und ste­hen dabei sich selbst über­las­sen am Rand. Wie schon Bill Oldham in Old Joy, der vom Verschwinden einer Freundschaft erzähl­te, oder Michelle Williams in Wendy & Lucy, der vom Aufenthalt in der Fremde han­del­te, und von Armut. In Meek’s Cutoff  beweg­te sich eine Siedlergruppe durchs Niemandsland des Westens, das zum Grab wird. Night Moves bie­tet sei­nen Protagonisten zwar das Umfeld von Gleichgesinnten, mit denen sie leben, aber sie bege­hen eine radi­ka­le Tat, die sie von den ande­ren unter­schei­det und in die Isolation treibt. Kelly Reichardt ver­mag es dabei ganz selbst­ver­ständ­lich Genrekino mit Gesellschaftsanalyse auf­zu­la­den. 

„In gewis­ser Weise berührt die­se Struktur, die auch Night Moves beschreibt, auch die Geschichte des Radikalismus. Ich bin in den 1970er Jahren auf­ge­wach­sen, habe die Geschehnisse um Patty Hearst und Angela Davis mit­er­lebt, die Nachwirkungen der Weather-Underground-Bewegung, oder auch in jün­ge­rer Zeit die Aktionen der Earth Liberation Front. Es stellt sich ja zumeist erst mal ein gewis­ser Enthusiasmus ein, wenn die wie­der eine gan­ze Flotte von Hummer-Geländewagen in die Luft spren­gen, danach aber denkt man sich, ver­dammt, jetzt sit­zen die­se jun­gen Menschen im Gefängnis, bis sie vier­zig sind, und über­all ste­hen Millionen von Hummer-Autos rum, war es das wirk­lich wert? Ich glau­be, dass alle die­se radi­ka­len Bewegungen irgend­wann immer selbst­be­züg­li­cher wer­den, sich immer mehr ihre eige­ne Wirklichkeit schaf­fen, dann kommt irgend­wann Egoismus auf, Paranoia, Isolation, das scheint fast eine zwangs­läu­fi­ge Entwicklung zu sein.“ (Kelly Reichardt)

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Credits:

USA 2013 ,  112 Min.
engl. OmU 

Regie:  Kelly Reichardt

Buch: Kelly Reichardt,  Jon Raymond
Kamera: Christopher Blauvelt
Schnitt: Kelly Reichardt 

mit: Jesse Eisenberg, Dakota Fanning,  Peter Sarsgaard

Trailer:

 

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