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First Cow

ein Film von Kelly Reichardt. 

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Ein Fluss fließt ruhig dahin. An den Ufern läuft die Zeit rück­wärts und för­dert ver­schüt­te­te Geschichten zuta­ge. Im frü­hen 19. Jahrhundert wagen sich nicht nur Pelzjäger, son­dern auch ein wort­kar­ger Koch ins wil­de Oregon. Der Einzelgänger trifft auf einen chi­ne­si­schen Einwanderer, der sich als geschick­ter Unternehmer erweist und sein Freund wird. Das Duo kommt auf die Idee, Donuts zu backen und zu ver­kau­fen, die im rau­en Westen sehr gut ankom­men. Der Haken: Den Rohstoff beschaf­fen sie ille­gal.
Das Drehbuch schrieb Kelly Reichardt mit Jonathan Raymond, dem Autor der Romanvorlage. Einmal mehr erzählt die Regisseurin meis­ter­haft von einem Amerika fern­ab der gro­ßen Städte, das vol­ler Verheißungen steckt. Wie ein Western ist First Cow eine Hommage an Menschen im Abseits, die ihr Schicksal in die eige­ne Hand neh­men müs­sen – und hier statt mit dem Revolver mit Honiglöffel und Milcheimer han­tie­ren. Auf die­se Weise zei­gen die Outlaws die „fron­tier“, Amerikas Projektionsfläche natio­na­ler Träume, nicht als wirt­schaft­lich oder mate­ri­ell zu erobern­den Raum, son­dern als Ort der Begegnung. Ein groß­ar­ti­ges Alternativszenario mit beson­de­rer gesell­schaft­li­cher und poli­ti­scher Bedeutung für die Gegenwart.

Kritiken:

Interview mit dem Drehbuchautor Jon Raymond

Credits:

US 2019, 122 Min., engl. OmU
Regie: Kelly Reichardt
Kamera: Christopher Blauvelt
mit: John Magaro, Orion Lee, Toby Jones, Scott Shepherd, Gary Farmer, Lily Gladstone

Trailer:
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Kunst kommt aus dem Schnabel wie er gewachsen ist

Ein Film von Sabine Herpich.

[Video on demand] [Credits] [Tickets & Termine] [Verleihseite] [Trailer]

In der Kunstwerkstatt Mosaik in Berlin arbei­ten Künstler*innen mit Behinderung an ihren Werken. Sabine Herpich beob­ach­tet sie bei der Arbeit und rich­tet den Blick auf die Institution selbst, auf die Abläufe, das Personal, die Räumlichkeiten. Ihr gelingt es, nicht die Behinderung der Menschen ins Zentrum zu stel­len, son­dern die künst­le­ri­sche Arbeit. Um die­se her­um for­miert sich die Institution und wird so pri­mär als Institution für die Kunst und nicht als Institution für Menschen mit Behinderung sicht­bar. Die Idee von Kunst wird ganz­heit­lich, beinhal­tet die Menschen, die sie machen, wie auch die Orte, an denen sie erzeugt wird, meint das Sehen der Werke, das Sprechen über sie, meint aber auch: Kunst als Arbeit, mit Arbeitszeiten und Gehalt. Die Filmemacherin selbst ist nicht unsicht­bar. Sie fragt die Künstler*innen nach ihren Gedanken, Ideen, Vorgehensweisen. In der Begegnung der Künstler*innen vor der Kamera mit dem Blick der Filmemacherin ent­steht eine erhöh­te Aufmerksamkeit und Sensibilität – für die Gestimmtheiten der Werke, ihrer Schöpfer*innen und Betrachter*innen, wie auch für die behut­sa­me, nicht schüch­ter­ne, genaue, sich nicht ver­schlie­ßen­de Form die­ses Films über Kunst. (Alejandro Bachmann, Berlinale Forum)

DOKKA dokKa-Preis der Stadt Karlsruhe
Duisburger Filmwoche: 3sat-Preis sowie eine loben­de Erwähnung der Arte-Jury
Nominiert für den Preis der deut­schen Filmkritik 2020

Verleih geför­dert durch:

Credits:

DE 2020, 106 Min.

Mit: Adolf Beutler, Suzy van Zehlendorf, Gabriele Beer, Till Kalischer, Nina Pfannenstiel u. a.
Regie, Kamera, Montage: Sabine Herpich

O‑Ton Schnitt, Mischung: Marilyn Janssen
Color Grading: Florian Lampersberger
Titel- und Plakatgestaltung: Ulrike Damm
Produktion: Sabine Herpich, Tobias Büchner

Freigegeben ohne Altersbeschränkunge (FSK Prüfkarte: pdf)

Trailer:

Kunst kommt aus dem Schnabel wie er gewach­sen ist from Büchner Filmproduktion on Vimeo.

Nina Wu

Ein Film von Midi Z.

 [indie­ki­no Club][Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Der Filmdreh, der der Schauspielerin Nina Wu zum Durchbruch ver­hel­fen könn­te, ent­puppt sich als toxisch und Nina rutscht immer wie­der in einen Alptraum hinen. Die Grenzen zwi­schen Film, Realität und Angstfantasien verschwimmen.

Im Nachhinein fragt man sich, war­um die Schauspielerin Nina Wu (Wu Ke-Xi) schon in den ers­ten Szenen des Films so nie­der­ge­schla­gen aus­sieht. Da hat sich ihr Agent gera­de erst mit einem neu­en Casting-Angebot gemel­det. Ahnt Nina da schon, wie es lau­fen wird? Hat sie bereits Ähnliches erlebt? Oder beschreibt NINA WU weni­ger ein Ereignis und die emo­tio­na­len Folgen als ein psy­cho­lo­gi­sches Kontinuum, von dem nicht klar ist, ob es in Nina selbst oder in ihrer toxi­schen Umgebung ver­an­kert ist? Die Grenzen zwi­schen dem, was Gegenwart ist, was Erinnerung, was Film und was Traum, ver­lau­fen im Film des tai­wa­ne­si­schen Regisseurs Midi Z zuneh­mend flie­ßend. Zu Beginn scheint alles noch klar ver­ort­bar. Nina Wu ist eine ange­hen­de Schauspielerin, die sich mit Nebenjobs über Wasser hält. Dem neu­en Projekt gegen­über ist sie skep­tisch, macht aber doch mit, obwohl es ihr zu vie­le Nacktszenen ent­hält. Der Dreh ist furcht­bar. Nina wird wie ein Möbelstück her­um­ge­scho­ben und im Raum plat­ziert, ver­lo­ren sieht man sie dann von weit weg in gro­ßen Panorama-Einstellungen sit­zen. Ein empa­thie­lo­ser Regisseur presst Emotionen aus ihr her­aus wie aus einer Zitrone, und hat offen­bar Freude an der Demütigung. In einer Szene muss Nina zwi­schen Wahnsinn und Mordlust rufen: „Ihr nehmt mir nicht nur den Körper. Ihr nehmt mir die Seele. Ihr wer­det es bereu­en!“ Es ist klar, dass da nicht nur die Filmfigur spricht. Der Film ist ein Erfolg und Nina auf dem Weg, tat­säch­lich ein Star zu wer­den. Doch sie scheint immer tie­fer in eine Spirale der Verzweiflung zu rut­schen. Alltägliche Situationen lösen sich in aggres­si­ve Konfrontationen auf, die sich als Traumsequenzen her­aus­stel­len. Oder doch nicht? Mit jeder Drehung bewegt sich der Film wei­ter auf die eine, ver­stö­ren­de Szene zu, die den Kern des Traumas bildet.

Midi Z insze­niert zwi­schen Psychodrama und Noir an der Grenze zum Exploitation-Kino. Das Skript stammt von Hauptdarstellerin Wu Ke-Xi, die dar­in auch eige­ne Erfahrungen aus der Anfangszeit ihrer Karriere ver­ar­bei­tet. Für eine Weile zog sie sich damals aus der Filmindustrie zurück und fand dann über Arthouse-Drehs und ins­be­son­de­re die Zusammenarbeit mit Midi Z die Freude an der Schauspielerei wie­der. NINA WU nimmt deut­lich Bezug auf die Erzählungen der #MeToo-Bewegung, ins­be­son­de­re in den üblen Szenen, die in einem mit Teppich und Vorhängen über­la­de­nen Hotelzimmer mit der Nummer 1408 spie­len und an Harvey Weinsteins Aufforderungen an jun­ge Schauspielerinnen, ihn in sei­nem Hotelzimmer auf­zu­su­chen, erin­nern. (ZIMMER 1408 ist übri­gens auch der Titel eines Horrorfilms von Mikael Håfström aus dem Jahr 2007, pro­du­ziert von Harvey Weinstein). Letzten Endes ist das Anliegen von NINA WU aber weni­ger sexu­el­le Übergriffigkeit, als eine sadis­ti­sche Kultur der Demütigung, gegen die sich jun­ge, netz­werk­lo­se Frauen kaum weh­ren kön­nen, und in der Missbrauch nur eine Facette von vie­len ist.

Wer mehr von Midi Z sehen möch­te, kann auf dem 3. Taiwanesischen Film Festival, das vom 21.–30.8. aus­nahms­wei­se online statt­fin­det, zwei frü­he­re Arbeiten nach­ho­len: den preis­ge­krön­ten ICE POISON (2014) und den Dokumentarfilm CITY OF JADE (2016).

Hendrike Bake | indiekino.de

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Credits:

Juo ren mi mi
Taiwan 2019, 103 Min., chin. (man­da­rin) OmU
Regie: Midi Z
Drehbuch: Wu Ke-xi
Kamera: Florian Zinke
mit: Wu Ke-xi, Vivian Sung, Kimi Hsia, Ming-Shuai Shih

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Trailer:

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La Flor

Ein Film von Mariano Llinás.

[indie­ki­no Club] [Credits] [Termine] [Trailer]

LA FLOR ist ein her­aus­ra­gen­des Filmprojekt der Gegenwart: Ein Regisseur und sei­ne vier Darstellerinnen spie­len mit dem Kino, und ihr Spieltrieb kennt kei­ne Grenzen. Sie kre­ieren Fantasieräume, sche­ren sich nicht um Sinn, Logik, Dramaturgie – und sie ver­ges­sen die Zeit. Die Filmgeschichte ist ihr Abenteuerspielplatz, auf dem sie über zehn Jahre ver­brin­gen, um ein fast 14-stün­di­ges Werk fer­tig­zu­stel­len. Allerdings lässt sich wohl kaum von einer abge­schlos­se­nen Geschichte spre­chen. LA FLOR ist ein im bes­ten Sinne offe­nes Kunstwerk, ein Bildergewächs, das immer neue Blüten zum Vorschein bringt, ein Streifzug durch das Genrekino, ein­ge­teilt in drei Kapitel, sechs Episoden, acht Akte. Mariano Llinás vom Filmkollektiv El Pampero Cine und die Schauspielerinnentruppe Piel de Lava for­dern das Publikum auf, den ver­schlun­ge­nen Wegen ihrer Erzählungen zu fol­gen, die sich mal kreu­zen, dann wie­der Umwege neh­men oder schlicht ins Leere lau­fen. Ein B‑Movie muss nicht zwangs­läu­fig in einem laut­star­ken Showdown enden. Die unzäh­li­gen Off-Stimmen im Agententhriller wider­spre­chen ein­an­der, füh­ren bewusst in die Irre, wäh­rend die Bilder eine wei­te­re Version der Geschichte bereit­hal­ten. Musikalische Intermezzi erin­nern an klas­si­sche Vorführungen in den prunk­vol­len Kinopalästen der 30er und 40er Jahre. Zum Spiel gehört auch ein gewis­ser Ernst, den die Schauspielerinnen Elisa Carricajo, Pilar Gamboa, Valeria Correa und Laura Paredes mit schö­ner Hingabe bei gleich­zei­ti­ger Distanz dar­bie­ten. Dabei reflek­tie­ren sie sowohl ihre eige­ne Rolle als auch tra­dier­te Rollenbilder. Während sich das Werk und sei­ne Darstellerinnen per­ma­nent neu fin­den und erfin­den, sieht man sich selbst beim Schauen und Staunen zu. LA FLOR wur­de auf zahl­rei­chen Festivals enthu­si­as­tisch auf­ge­nom­men. (Arsenal Kino – Anke Leweke)

Die Vorfreude steigt, ganz ohne Cliffhanger“ Critic.de Teil I
„Ein for­mi­da­bles Frauenquartett“ Der Standard
„Überwältigend stark“ Critic.de Teil II
„Wer sich also jeden Morgen um halb neun in den­sel­ben Kinosaal setz­te, der sich von Tag zu Tag mehr füll­te, kam zuneh­mend aus dem Staunen nicht mehr her­aus.“ Der Standard
„Ich hat­te es mir so gewünscht, und es kam viel bes­ser: La Flor ist nicht nur ein spie­le­risch klu­ges Arrangement der Kinobezüge, son­dern ein form­voll­ende­tes Pastiche.“ Critic.de Teil III
La Flor ist sel­ten weni­ger als lus­tig und öfter mehr als span­nend, und wie bei vie­len ande­ren sehr lan­gen Filmen – wie z.B. Peter Watkins The Journey (14,5 Stunden), Jacques Rivetes Out 1 (fast 13) und Béla Tarrs Sátántangó (mage­re 7,5) ist es Teil der Erfahrung, mit dem Film über sei­ne Länge hin­aus zu leben und ihn dabei zu sehen, wie er sich andau­ernd neu erfin­det. “ Artforum

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Credits:

Teil 1 besteht aus Akt 1: 167 Min., Akt 2: 59 Min.
Teil 2. besteht aus Akt 3: 106 Min., Akt 4: 112 Min., Akt 5: 126 Min.
Teil 3 besteht aus: Akt 6: 99 Min., Akt 7: 117 Min., Akt 8: 107 Min.
AR 2018,  808 Min.,  Spanisch/Französisch/Englisch/Russisch/Deutsch/Schwedisch/Italienische OmU,
Regie: Mariano Llinás
Kamera: Agustín Mendilaharzu
Schnitt: Alejo Moguillansky, Agustín Rolandelli

mit Elisa Carricajo, Pilar Gamboa, Valeria Correa, Laura Paredes

Termine:

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Trailer:

Bonjour Paris – Jeune Femme

Ein Film von Léonor Sérraill.

[indie­ki­no Club]

Die Beziehung am Ende, ohne Job, Wohnung oder Geld, die alten Freunde genervt, eilt Paula wie eine mensch­li­che Flipperkugel über die Straßen eines durch­ka­pi­ta­li­sier­ten Paris, «das die Menschen nicht mag». Sie sei nicht klug, aber ehr­lich, sagt sie von sich, und auch das will ihr kaum einer glau­ben, aber es stimmt. Ganz auf die cha­mä­le­on­haf­ten Emotionen sei­ner Protagonistin mit den ver­schie­den­far­bi­gen Augen ver­trau­end, umschifft die­ses Spielfilmdebüt die gefähr­lich nahen Klippen des Miserabilismus, setzt statt­des­sen auf die vita­len Ressourcen inmit­ten des Chaos. Und auf die Blicke einer Perserkatze, die in den soge­nann­ten sozia­len Medien alle Klickrekorde bre­chen würde.

Jeune femme ist eine Tour de force mit einer for­mi­da­blen Hauptdarstellerin – ein wenig erin­nert der Film an Noémie Lvovskys Meisterwerk „Oublie moi“ aus den neun­zi­ger Jahren, aber die Energien, die dank Laetitia Dosch die Geschichte durch­strö­men, erge­ben mehr als genug Widerwillen und Eigensinn.” Ekkehard Knörer

Credits:
OT: Jeune Femme
Frankreich 2017, 97 Min., frz. OmU
Regie: Léonor Sérraill
Kamera: Émilie Noblet
Schnitt: Clémence Carré
mit:
Laetitia Dosch
Grégoire Monsaingeon
Souleymane Seye Ndiaye
Léonie Simaga
Nathalie Richard

Termine:

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Dragon Inn

Zwei Klassiker des Wuxia-Genres wur­den vom Taiwan Film Institut sorg­fäl­tig restau­riert und als hoch­auf­lö­sen­de (4K) Kopie remas­te­red. Beide Filme sind von King Hu ( 胡金銓 胡金铨, Hú Jīnquán) und ste­hen jetzt auch mit deut­scher Untertitelung neu zu Verfügung.

[indie­ki­no Club]

Sein drit­ter Film, DRAGON INN, brach sei­ner­zeit sämt­li­che Zuschauerrekorde in diver­sen asia­ti­schen Ländern und gilt als rich­tungs­wei­send für das Genre des Martial Arts Actionfilms. Die poe­ti­schen Bilder und die cho­reo­gra­fier­ten Kamfszenen such­ten ihres­glei­chen. Eine Besonderheit in sei­nen Filmen war auch der Einsatz weib­li­cher Helden, die sich als Kämpfer gleich­be­rech­tigt in der Männerwelt beweg­ten und bei aller Härte nie ihre Weiblichkeit verloren.

 

Das durf­te auch bei dem als Meisterwerk geprie­se­ne A TOUCH OF ZEN, der in den Wettbewerb von Cannes ein­ge­la­den wur­de, erlebt wer­den. Das Lexikon des inter­na­tio­na­len Films schwärmt: »Ein Abenteuerfilm in per­fek­ter Inszenierung, der auf­wen­dig aus­ge­stat­te­ten Historienfilm, fan­tas­ti­sche Gespenstergeschichte, rasan­te Schwertkämpfe und Zen-Buddhismus zu einer reiz­vol­len Einheit ver­bin­det. Kameratechnisch teils vir­tu­os, ver­dich­tet der Film die tri­via­len Handlungsmuster auf einer meta­pho­ri­schen Ebene zu einer Fabel über Sinn und Zweck von Gewalt.« Wir zei­gen bei­de Filme in Sondervorstellungen.

Hier gibt es einen aus­führ­li­chen Beitrag im Filmdienst

 

DRAGON INN (Die Herberge zum Drachentor | 龍門客棧 / 龙门客栈 Lóngmén Kèzhàn) TW 1967 111 Min. OmU

A TOUCH OF ZEN (Ein Hauch von Zen | 俠女 Hsia Nu) TW 1971 180 Min. OmU

Trailer Dragon Inn

Trailer A Touch of Zen

Right now, wrong then

Ein Film von Hong Sang-soo.

Es hat nicht sol­len sein.“ Was retro­spek­tiv über vie­le Beziehungen gesagt wird, die schei­tern bevor sie rich­tig begon­nen haben, trifft auch auf das Verhältnis Ham Chun-su und Yoon Hee-jung zu. Er ist Regisseur und wegen einer Filmvorführung in Suwon. Dummerweise reist er einen Tag zu früh an und lernt zufäl­lig die Künstlerin Hee-jung ken­nen. Die bei­den ver­brin­gen den Tag zusam­men, besu­chen ihr Atelier, essen Sushi, trin­ken Soju und gehen am Abend mit Freundinnen aus. So kom­men sie ein­an­der näher, Weiterlesen

Sunrise

 [indie­ki­no Club]

Ein stil­si­che­rer Neo-Noir-Thriller von Partho Sen-Gupta: Vor zehn Jahren kam die sechs­jäh­ri­ge Aruna von der Schule nicht nach Hause. Ihr Vater, Inspektor Joshi, ist seit­her auf der Suche nach ihr. Tagsüber leis­tet er sei­nen Dienst im trä­gen Polizeisystem der Weiterlesen