Autor: fsk

Olfas Töchter
Ein Film von Kaouther Ben Hania.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Olfas Töchter ist ein Experiment. In einer Mischung aus Spiel- und Dokumentarfilm lässt die tunesische Regisseurin Kaouther Ben Hania die alleinerziehende Mutter Olfa Hamrouni und ihre Töchter Tayssir und Eya Chikhaoui ihr Familientrauma vor der Kamera durchspielen. Es geht um das Verschwinden der beiden älteren Töchter und um alles, was dazu geführt hat. Dabei nehmen Schauspieler*innen die Rolle der Vermissten sowie teilweise auch die der Mutter und der Vaterfiguren im Leben der Mädchen ein. Ghofrane und Rahma haben 2016 die Familie verlassen und sich in Libyen der Terrororganisation Daesh (IS) angeschlossen. Der Film ist ein sehr persönliches Porträt und zugleich ein Kaleidoskop aus vielen ineinander verschränkten Erklärungsansätzen dafür, wie es dazu kommen konnte.

„Es ist, als wäre es mein erster Film“, sagt Hend Sabri, seit 1994 als Schauspielerin aktiv und ein Filmstar des arabischen Kinos. Auch sie hat noch nie an einem solchen Projekt teilgenommen. Sie wird Olfa selbst spielen, vor allem in besonders belastenden Szenen, und ist damit die einzige Darstellerin, deren Rollenvorbild leibhaftig vor ihr steht. „Du wirst alles fühlen müssen, dass ich auch gefühlt habe“, sagt Olfa zu ihr. Und warnt: „Das könnte dich verrückt machen.“

Schon das erste Treffen der Familie mit den Schauspielerinnen, die die Schwestern Rahma (Nour Karoui) und Ghofrane (Ichraq Matar) verkörpern sollen, ist tief bewegend für alle Beteiligten. Man ahnt, welche Intensität sich in diesem Szenario entfalten könnte, aber die brutale Ehrlichkeit, mit der die Frauen sich künstlerisch und zwischenmenschlich der tragischen Familienhistorie annähern, ist unerwartet. Mal in Gesprächen, mal in gespielten Szenen thematisieren sie das Aufwachsen in Armut und die Gewalt des Vaters und des Stiefvaters, beide gespielt von Majd Mastoura, der als „Der Mann“ die patriarchale Gewalt verkörpert und dabei auch die Wut und Trauer der beiden jungen Frauen ertragen muss.

Aber gerade auch die Gewalt, mit der Mutter Olfa ihren Töchtern begegnete, wird auf eine Weise angesprochen, wie sie wohl ohne Kamera nicht möglich wäre. „In dem Film kann ich offen sprechen“, sagt Tayssir einmal. Auch die drei Schauspielerinnen nehmen kein Blatt vor den Mund, wenn es um den gewaltvollen Erziehungsstil und die oft widersprüchlichen Moralvorstellungen geht, mit denen Olfas Töchter aufwuchsen. Bemerkenswert sind die Szenen, als Hend Sabri, komplett im Kostüm, der echten Olfa die Leviten liest – als stünden vor den Töchtern zwei Mütter, und eine sagt als Anwältin der Mädchen genau das, was die andere Mutter damals schon hätte hören müssen.

Viel Schatten, viel Licht: Kaouther Ben Hania arbeitet mit scharfen Kontrasten und markanten Bildern, um der Komplexität der Frauen gerecht zu werden. Tayssir und Eya sind Überlebende, aber nicht bloß in Leid getaucht; sie sind selbstbewusste, kluge Feministinnen, die längst mehr verstehen von der Welt als jene, die sie federführend gestalten. Olfa selbst ist ein Mensch, kein Monster, wenn auch ihr Verhalten oft monströs erscheint. Ihre Gewalt beschreibt sie als Fluch, als ein bitteres Erbe, das sie an ihre Kinder weitergegeben hat. Sie ist der Kern dieser so faszinierenden wie erschütternden Familiengeschichte und erklärt vieles, wenn auch nicht alles.

Olfas Töchter erzählt aber nicht nur von dieser Familie, sondern von der Geschichte Tunesiens, wo Hijabs erst verboten waren und schließlich als jugendkulturelles Symbol des Widerstands auf verheerende Weise wieder in den Alltag drängten; wo über die Kleidung und Körper von Frauen geurteilt, verfügt und bestimmt wird und über rigide Moralvorstellungen ein Nährboden für eine faschistische, (selbst)zerstörerische Ideologie geschaffen wurde, die Rahma und Ghofrane veränderte und verschlang. „Ich habe ihnen das Zielen beigebracht, und sie haben mich erschossen“, fasst es Olfa selbst zusammen. Vielleicht gibt es (noch) keinen zweiten Film, der sich auf so umfassend und einleuchtend, auf eine solch unnachgiebige Weise mit dem Thema Radikalisierung auseinandersetzt. Eva Szulkowski | indiekino
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Credits:
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FR, TN, DE SA 2023, 110 Min., arab. OmU
Regie: Kaouther Ben Hania
Kamera: Farouk Laaridh
Schnitt: Jean-Christophe Hym, Qutaiba Barhamji
mit Hend Sabri, Olfa Hamrouni, Eya Chikhaoui, Tayssir Chikhaoui, Nour Karoui, Ichraq Matar, Ma..
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Trailer:
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A film by Kaouther Ben Hania. In Arabic with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Between light and darkness stands Olfa, a Tunisian woman and the mother of four daughters.
One day, her two older daughters disappear. To fill in their absence, the filmmaker Kaouther Ben Hania invites professional actresses and invents a unique cinema experience that will lift the veil on Olfa and her daughters’ life stories.
An intimate journey of hope, rebellion, violence, transmission and sisterhood that will question the very foundations of our societies.
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Credits:
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FR, TN, DE SA 2023, 110 Min., arab. OmU
Regie: Kaouther Ben Hania
Kamera: Farouk Laaridh
Schnitt: Jean-Christophe Hym, Qutaiba Barhamji
mit Hend Sabri, Olfa Hamrouni, Eya Chikhaoui, Tayssir Chikhaoui, Nour Karoui, Ichraq Matar, Ma..
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Trailer:
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Mo., 20. 11.:
Joan Baez I Am A Noise
Ein Film von Karen O’Connor, Miri Navasky, Maeve O’Boyle.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Als Musikerin, Bürgerrechtlerin und Aktivistin stand Joan Baez seit ihrem Debüt im Alter von 18 über 60 Jahre auf der Bühne. Für die inzwischen 82-Jährige war das Persönliche immer schon politisch, die Freundschaft zu Martin Luther King und der Pazifismus prägten ihr Engagement. Ausgehend von ihrer Abschiedstour zieht Baez in dieser Biografie eine schonungslose Bilanz, in der sie sich auch schmerzhaften Erinnerungen stellt. Sie teilt nicht nur ihre Erfolge, sondern spricht offen über langjährige psychische Probleme und Therapien, über Familie, Drogen, das Altern und Fragen von Schuld und Vergebung. Und sie stellt auch klar, dass sie während ihrer Beziehung mit dem sehr jungen Bob Dylan ihre Prominenz nutzte, um seine Karriere in Gang zu bringen. Ihre Enttäuschung über die spätere Entfremdung von Dylan wird greifbar.
Aufgrund einer langjährigen Freundschaft zu einer der Regisseurinnen, Karen O’Connor, gewährte Baez dem Regietrio auch Zugang zu den „inneren Dämonen“, die sie seit ihrer Jugend begleiten. Der Film verwebt Tagebuchtexte, eine Fülle von teils ungezeigtem Archivmaterial und ausführliche Gespräche mit Baez mit Backstage-Momenten der Tour. Ein intimes Porträt, das nicht nur für Fans interessant ist.

„Der Umriss von Baez‘ gewaltig großem, geschichtsträchtigem Leben ist bestens bekannt und dokumentiert. Wir aber wollten mit diesem Film Joans Vergangenheit zum Leben erwecken. Nicht mit Gimmicks oder „talking heads“, sondern mit einer Fülle von originalem Ausgangsmaterial von Joan selbst und ihrer Familie, auf das wir zugreifen konnten: neu entdeckte Home-Movies, Joans unglaubliche Kunstwerke und Zeichnungen, Tagebücher und Briefe, Fotos, Bandaufnahmen ihrer Therapiesitzungen und ein Goldschatz von auf Kassette eingesprochenen Briefen, die Baez von unterwegs an ihre Familie geschickt hatte – all diese Quellen fangen in Realzeit ein, was sie damals empfunden hat, anstatt eine Erinnerung aus weitem Abstand zu sein. Zu jedem Moment wollten wir, dass der Film eine immersive und unmittelbare Erfahrung ist, mehr eine Zeitreise als eine Biografie.“ Karen O’Connor
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Credits:
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US 2023, 113 Min., engl. OmU
Regie: Karen O’Connor, Miri Navasky, Maeve O’Boyle
Kamera: Wolfgang Held, Ben McCoy, Tim Grucza
Schnitt: Maeve O’Boyle
mit Joan Baez, Mimi Farina, Bob Dylan, David Harris
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Trailer:
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JOAN BAEZ I AM NOISE – Trailer OmdU German | Deutsch
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A film by Karen O’Connor, Miri Navasky, Maeve O’Boyle. In English with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Since her debut at the age of 18, musician, civil rights campaigner and activist Joan Baez has been on stage for over 60 years. For the now 82-year-old, the personal has always been political, and her friendship with Martin Luther King and her pacifism have shaped her commitment. In this biography that opens with her farewell tour, Baez takes stock in an unsparing fashion and confronts sometimes painful memories. She not only shares her successes but also speaks openly about long-standing psychological problems and therapies, about family, drugs, ageing and questions of guilt and forgiveness. She makes it clear that, during her relationship with the very young Bob Dylan, she used her celebrity to launch his career. Her disappointment at her later estrangement from him becomes palpable.
Thanks to a long-term friendship with one of the film’s directors, Karen O’Connor, Baez granted the directing trio access to the “inner demons” that have plagued her since youth. Their film interweaves diary entries and a wealth of partly previously unseen archive material with extensive conversations with Baez, as well as backstage moments from the tour. An intimate portrait that will not only be of interest to her fans.
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Credits:
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US 2023, 113 Min., engl. OmU
Regie: Karen O’Connor, Miri Navasky, Maeve O’Boyle
Kamera: Wolfgang Held, Ben McCoy, Tim Grucza
Schnitt: Maeve O’Boyle
mit Joan Baez, Mimi Farina, Bob Dylan, David Harris
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Trailer:
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JOAN BAEZ I AM NOISE – Trailer OmdU German | Deutsch
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Do., 16. 11.:
Rückkehr nach Korsika
Ein Film von Catherine Corsini.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Ein Sommer auf Korsika: Khédidja zögert nicht lange, als ihr die wohlhabende Pariser Familie, für die sie als Kindermädchen arbeitet, dieses Angebot macht. Sie soll deren Kinder dort betreuen – ihre eigenen beiden Töchter im Teenageralter, Jessica und Farah, dürfen mitkommen. Für Khédidja ist es eine Rückkehr in die alte Heimat, denn vor 15 Jahren hatte sie mit den noch kleinen Kindern die Insel unter tragischen Umständen verlassen. Während sie mit ihren Erinnerungen hadert, geben sich die beiden Mädchen allen sommerlichen Verlockungen hin: sie genießen die Tage am Strand, machen Zufallsbekanntschaften und sammeln erste Liebeserfahrungen. Doch auch bei ihnen stellen sich Fragen nach der Vergangenheit und ob die Version der Familiengeschichte, die ihre Mutter erzählt, die einzig gültige ist.
Der neue Spielfilm von Catherine Corsini (Die Affäre, La Belle saison) erzählt vor der sommerlichen Kulisse Korsikas eine intelligente Geschichte über drei starke Frauen und ihrem Umgang mit gesellschaftlicher Ungleichheit.
Verschiedene Kulturen werden in diesem Film konfrontiert. War da ein wunsch auf Ihrer Serite, die Aspekte der Andersartigkeit zu erforschen?
Corsini: Andersartigkeit beinhaltet, von einem Selbst zu einem anderen zu werden. Tatsächlich wollte ich eine Verbindung aufbauen zu dieser Jugend, die ich idealisierte, aber welche mir unbekannt war, mit Kulturen, die ich nur oberflächlich kannte, und diesem Korsika, welches mir so nah und zugleich so fern ist. Was ich an Filmen mag, ist, dass ich die Möglichkeit habe, anderen eine Stimme zu geben; einzutreten in einen Ort, in einen Kopf, in die Haut von jemandem, den man nicht kennt. Zu beobachten und zu verstehen. Es ist faszinierend, in etwas einzutauchen, das anders ist als wir selbst. Ich war sehr glücklich in der Position zu sein Aïssatou, Esther und Suzy komplexe Charaktere anzubieten, die nicht auf Archetypen reduziert sind, wozu sie oft limitiert werden. Ich finde ihre Charaktere repräsentieren etwas, das sehr umfassend ist, etwas Größeres. Es gibt eine sehr starke korsische Identität. Und ich fühlte mich immer als Außenseiterin, als Fremde dort, weil dieses Land nicht komplett ich bin. Dieses Gefühl von Abstoßung und meine Abscheu sozialer Ungerechtigkeit brachten mich emotional näher an Khédidja und ich verstand, wie fruchtlos ihre Versuche bleiben, ein Teil dieser Gemeinschaft zu werden.
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Credits:
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FR 2023, 106 Min., franz. OmU
Regie: Catherine Corsini
Kamera: Jeanne Lapoirie
Schnitt: Frédéric Baillehaiche
mit: Aïssatou Diallo Sagna, Esther Gohourou, Suzy Bemba, Lomane de Dietrich, Cédric Appietto, Marie-Ange Géronimi, Harold Orsoni, Virginie Ledoyen, Denis Podalydès
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Trailer:
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A film by Catherine Corsini. In French with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Jessica and Farrah spend the summer with their mother on Corsica, where both sisters were born. The two adolescents go swimming, have parties and make their first sexual experiences. But the location also brings an old family trauma back to the surface – the three of them left the island 15 years ago under tragic circumstances. Director Catherine Corsini and her wonderful stars imbue the genre of the summer movie with an unusual depth – without forgetting about the holiday feeling.
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Credits:
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FR 2023, 106 Min., franz. OmU
Regie: Catherine Corsini
Kamera: Jeanne Lapoirie
Schnitt: Frédéric Baillehaiche
mit: Aïssatou Diallo Sagna, Esther Gohourou, Suzy Bemba, Lomane de Dietrich, Cédric Appietto, Marie-Ange Géronimi, Harold Orsoni, Virginie Ledoyen, Denis Podalydès
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Trailer:
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Do., 9. 11.:
Little Fugitive
Ein Film von Ray Ashley, Morris Engel, Ruth Orkin.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Auf der letzten Berlinale konnte er in der Retrospektive entdeckt werden, denn hier hatte Wes Anderson ihn als seinen persönlichen Coming-of-Age-Favoriten ausgewählt: der im New York der 50er spielende „Little Fugitive“, der in der Übersetzung hier immer schon „Kleiner Ausreißer“ hieß. Dies ist genau genommen falsch, denn Joey ist ein Flüchtling, nachdem sein großer Bruder Lenny und dessen Freunde ihm einen bösen Streich gespielt haben, um ihn loszuwerden. Vor der Polizei auf der Flucht landet er, mit wenig Geld in der Tasche, im Kirmes-Wunderland Coney Island, und vergisst bald, warum er hier ist. Der Film heftet sich an Joeys Fersen, und nimmt dabei wie von selbst einen dokumentarischen Blick auf das rege ihn umgebende Treiben mit. Während der Junge Karussell fährt, Zuckerwatte isst, als Cowboy auf Ponys reitet und dafür immer wieder Geld besorgen muss, werden die New Yorker während ihrer Freizeit porträtiert: beim Bummeln, Flirten, Schwimmen oder Sonnenbaden.
In einer vielleicht leicht übertriebenen Aussage bezeichnet Francois Truffault „Little Fugitive“ mit seiner meisterhaft gestalteten, immersiv-einladenden Schwarz-Weiß-Kinematografie, der minimalistischen Erzählweise und dem naturalistischen Stil als wegweisend für die Regisseure der französischen Nouvelle Vague, die im Jahrzehnt nach seiner Veröffentlichung die Filmszene eroberten. Selbst wenn er kein so einflussreicher Film gewesen sein sollte, schafft es „Little Fugitive“, der seine einfache Geschichte nur so natürlich wie möglich erzählen will, weit mehr zu erreichen als das.

„Die meisten Regisseurinnen haben vor ihrem ersten Hollywood-Film bereits Erfahrungen in anderen Bereichen des Filmwesens gesammelt: sei es als Drehbuchautorin, als Schauspielerin, an der Kamera, im Schnitt, als Regieassistenzin oder rund um den Kinosaal. Und wenn sie dann endlich im Regiestuhl sitzen, hält ihnen eine komplette Filmcrew den Rücken frei. Wir hingegen hatten lediglich uns selbst. Ohne unseren fotografischen Hintergrund hätten wir nie Filme drehen können“. Ruth Orkin

Unweit vom fsk zeigt die Gallerie f³ – freiraum für fotografie eine Ausstellung mit Fotos der Regisseurin Ruth Orkin.
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Credits:
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US 1953, 75 Min., engl. OmU
Regie: Ray Ashley, Morris Engel, Ruth Orkin
Kamera: Morris Engel
Schnitt: Ruth Orkin, Lester Troob
mit: Richard Brewster, Winnifred Cushing, Jay Williams, Will Lee, Charley Moss, Tommy DeCanio, Richie Andrusco
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Trailer:
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A film by Ray Ashley, Morris Engel, Ruth Orkin. In English with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Seven-year-old Joey lives in Brooklyn. When his mother goes to visit his sick grandmother, older brother Lennie is left to watch Joey. Babysitting ruins the 12-year-old’s plans for the day, so he enlists his friends to play a prank on Joey. They give him a (toy) gun to play with and when it goes off, Lennie plays dead. Thinking he’ll be arrested as a murderer, Joey takes off. With six dollars in his pocket, he heads for Coney Island, where he wanders the beach and goes on the rides … Using a 35mm camera strapped to his body, photographer Morris Engel documents the amusement park from the perspective of his young hero. As Joey rides the carousel, throws a baseball, eats cotton candy, and collects deposit bottles, the filmmakers use the opportunity to proffer up cinematic sketches of Americans at leisure – strolling, flirting, swimming, and sunbathing. As if captured with the wondering eyes of a seven-year-old, Little Fugitive casts an amused and anthropological eye over the people in the crowd in a masterpiece of black-and-white cinematography.

For the 2023 Retrospective, internationally renowned directors, actors, and screenwriters were asked to select their personal coming-of-age favourites.

I think Ruth Orkin’s own words and photographs provide an eloquent introduction to the wonderful film she made with Morris Engel and Raymond Abrashkin [aka Ray Ashley] back in 1953.

Wes Anderson on his selection: “Usually when people in Hollywood direct their first movie it’s because they’ve had experience in other parts of movie-making; scriptwriting, acting, cinematography, editing, assistant director or the theater. And when they sit in the director’s chair for the first time they have a whole experienced crew to back them up. We had only our inexperienced selves.
We couldn’t have made the movies if we hadn’t been photographers first”.
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Credits:
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US 1953, 75 Min., engl. OmU
Regie: Ray Ashley, Morris Engel, Ruth Orkin
Kamera: Morris Engel
Schnitt: Ruth Orkin, Lester Troob
mit: Richard Brewster, Winnifred Cushing, Jay Williams, Will Lee, Charley Moss, Tommy DeCanio, Richie Andrusco
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Trailer:
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Do., 9. 11.:
Perfect Days
Ein Film von Wim Wenders.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Es sieht aus, als sei für Hirayama jeder Tag ein perfekter, mit seiner gerne und sorgfältig ausgeführten Arbeit, den alltäglichen Ritualen, dem Fotografieren, dem wöchentlichen Bad im Sentō, Lesen vorm Einschlafen, und der Musik beim Fahren. Eines Tages besucht ihn unerwartet seine Nichte, er lässt sich dadurch aber nur kurz aus seiner Ruhe bringen.
Im Gegensatz zu seinen letzten monumentalen dokumentarischen Werken kommt der in nur 17 Tagen gedrehte „Perfect Days“ gelassen und einfach erzählt daher, und erinnert dabei positiv an Wenders’ frühe Filme. Hinter aller dramaturgischen Bescheidenheit lauern jedoch kleine spektakuläre Entdeckungen. Die in Tokio verteilten, von namhaften Architekten entworfenen, neu errichteten öffentlichen Toilettenhäuschen rufen ein ums andere Mal erstauntes Entzücken hervor. Sie waren der eigentliche Ausgangspunkt für den Film. Der international bekannte, in Japan berühmte Darsteller Koji Yakusho geht so sehr in seine Rolle hinein, dass man glauben kann, einen Dokumentarfilm über Toilettenreiniger mit ihm als porträtierte Hauptfigur zu schauen. In seinem zum Putzmobil umgebauten Kleintransporter hört Hirayamas richtige Audio-Kassetten, jeden Tag eine andere, und besucht Läden, wo sie an- und verkauft werden. In seiner Stammbar singt die Besitzerin sehr melancholisch eine japanische Version von „House of the Rising Sun“, wie die Melancholie überhaupt den ganzen Film durchzieht und bei allen zärtlichen und lebendigen Momenten mit den wunderbaren Aufnahmen an sein Vorbild Ozu denken lässt.
„Was für eine schöne Überraschung! Wim Wenders’ jüngster Film, eine japanische Produktion, hat eine unerwartete Frische und Schönheit. … Wenders hat mit diesem Film zu einer Simplizität gefunden, zu einer poetischen Einfachheit, die man in seinem beeindruckenden Gesamtwerk bisweilen schmerzlich vermisst hat. Der Film ist sichtlich eine Hommage an die japanische Kultur, aber auch an jenes klassische japanische Kino, das sehr einfach von Menschen zu erzählen wusste.“
Sennhausers Filmblog
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Credits:
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JP 2023, 124 Min., japan. OmU
Regie: Wim Wenders
Kamera: Franz Lustig
Schnitt: Toni Froschhammer
mit: Koji Yakusho, Tokio Emoto, Arisa Nakano, Aoi Yamada, Yumi Aso, Sayuri Ishikawa, Tomokazu Miura as Tomoyama
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Trailer:
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PERFECT DAYS | TRAILER (OmdU)
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A film by Wim Wenders. In Japanses with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Wim Wenders’ first films were characterised by the theme of movement, and so it is no coincidence that the German filmmaker’s latest fiction feature is reminiscent of that luminous period in his filmography. The life of the mysterious man who cleans public toilets in Tokyo (played by Yakusho Koji) is defined by quotidian movement and observation. The prodigious secret of PERFECT DAYS lies in how it heightens our perception of all the transitional acts that determine his working routine; distraction is forbidden here. Everything indicates that cleaning toilets and urinals is an undesirable task, but in Japan this task appears like an appropriate procedure for a veritable science of cleanliness. And while it seems theoretically implausible that a man with such a job reads Faulkner at night, is a music lover and pays attention to the trees in order to photograph them with the sharpness of a professional, such qualities and passions can be seen as legitimate based on the other characters that appear in the film who duly reveal something of his past. Beauty and wonder are in equilibrium in all the sequences, and sublimely so when the dreams of this man who cleans bathrooms are depicted. (Roger Koza)
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Credits:
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JP 2023, 124 Min., japan. OmU
Regie: Wim Wenders
Kamera: Franz Lustig
Schnitt: Toni Froschhammer
mit: Koji Yakusho, Tokio Emoto, Arisa Nakano, Aoi Yamada, Yumi Aso, Sayuri Ishikawa, Tomokazu Miura as Tomoyama
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Trailer:
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PERFECT DAYS | TRAILER (OmdU)
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Do., 9. 11.:
Wie wilde Tiere
Ein Film von Rodrigo Sorogoyen.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Antoine und seine Frau Olga sind Ökobauern aus Frankreich, die sich in einer abgelegenen Gegend in Galizien eine Existenz aufbauen wollen. Als sie gegen einen Windpark votieren, machen sie sich die Dorfbewohner zu Feinden.

WIE WILDE TIERE (As Bestas) hat im Jahr 2023 fast alle Goyas – das ist der spanische Filmpreis – abgeräumt, und wenn man den Film schaut, wird nach wenigen Minuten klar, wieso. In der Bar von Eusebio sitzen die Männer des Dorfes beieinander und schwingen Reden, es sind harte Knochen, allen voran der Wortführer Xan (Luis Zahera) und sein Bruder Loren (Diego Anido), der seit der Sache mit dem Pferd etwas seltsam ist. Als der Mann, der bislang still an der Bar gesessen hat, sich zum Gehen wendet, herrscht Xan ihn an „Ey, Franzose, verabschiedest du dich nicht?“ In einer einzigen, dicht inszenierten Szene baut der Film von Rodrigo Sorogoyen eine unglaubliche Anspannung auf – und lässt dann über den gesamten Verlauf von etwas über zwei Stunden nicht mehr los.

Die Männer des Dorfes sind schlecht auf Antoine (Denis Ménochet) und seine Frau Olga (Marina Foïs), Ökobauern aus Frankreich, die sich in dieser abgelegenen Gegend in Galizien eine Existenz aufbauen, zu sprechen, denn sie blockieren einen Windpark, der den Dorfbewohnern Geld bringen könnte. Zur offenen Feindseligkeit kommt bald schleichender Terror hinzu. Erst sind es nur leere Schnapsflaschen auf dem Verandatisch, die signalisieren, dass in Antoines und Olgas Abwesenheit jemand auf ihrem Grundstück war. Aber nach und nach werden die Drohgebärden expliziter und gefährlicher. Irgendwann will Olga gehen, aber Antoine lässt sich von „seinem“ Land nicht vertreiben. In den kargen Hügeln, leeren Wäldern und dunklen Steinhäusern brodelt der Dorfthriller vor sich hin, und auch wenn die Vorkommnisse zunächst eher klein sind, scheint es weder für die Protagonisten noch die Zuschauerinnen ratsam, die Aufmerksamkeit schweifen zu lassen. Antoine fängt an, die Begegnungen mit seinen Nachbarn heimlich zu filmen.

Unterwegs ändert WIE WILDE TIERE, der wie ein zeitloser Western wirkt, aber von einer wahren Begebenheit inspiriert ist, mehrfach fast unbemerkt seinen Fokus. Erzählt er zunächst vom Aussteigerpaar Olga und Antoine, rücken später die Fehde von Antoine mit Xan und Loren und damit auch deren Lebensumstände ins Blickfeld, und schließlich wird Olga zum absoluten Mittelpunkt der Erzählung. Dabei stellt sich heraus, dass sie es mit den Männern des Bergdorfes an Härte und Zähigkeit jederzeit aufnehmen kann.

Hendrike Bake | indiekino
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Credits:
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As Bestas
ES/FR 2022, 137 Min., frz, span. OmU
Regie: Rodrigo Sorogoyen
Kamera: Alejandro de Pablo
Schnitt: Alberto del Campo
mit: Denis Menochet, Marina Foïs, Luis Zahera
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Trailer:
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A film by Rodrigo Sorogoyen. In French and Spanish with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

The French couple Vincent and Olga settled in a small village in the interior of Galicia and lead a tranquil existence as farmers. Despite their friendliness, the local farmers treat the two strangers with suspicion and disdain. When Vincent and Olga refuse to agree to the building of a wind farm, the mood changes completely and the situation in the village escalates. In the beautiful setting of the Galician countryside, Oscar-nominated director Rodrigo Sorogoyen stages a high-tension thriller that is as original as it is gripping – a real blast!
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Credits:
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As Bestas
ES/FR 2022, 137 Min., frz, span. OmU
Regie: Rodrigo Sorogoyen
Kamera: Alejandro de Pablo
Schnitt: Alberto del Campo
mit: Denis Menochet, Marina Foïs, Luis Zahera
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Trailer:
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Mi., 8. 11.:
All eure Gesichter
Ein Film von Jeanne Herry.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Was passiert mit mir, wenn ich überfallen, beraubt oder bedroht werde?
Verbrechensopfer auch „minderschwerer“ Taten leiden oft noch lange danach am Geschehenen. Die Täter hingegen machen sich oft keine Vorstellungen davon, was sie anrichten. Das Instrument der „Restorativen Justiz“ bzw. des „Täter – Opfer – Ausgleichs“ bringt Täter und Opfer ähnlicher Delikte zusammen. Ziel ist es, auf der einen Seite Erleichterung zu bringen, und denen auf der anderen Empathie zu vermitteln, also aktiv gemeinsam an der Lösung und Bereinigung der Folgewirkungen dieser Straftat zu arbeiten. Die Teilnahme an den Treffen ist absolut freiwillig und erfordert viel Vorbereitung von allen Seiten. Da es in diesem geschützten Rahmen um sehr persönliche Dinge geht und es viel Mut braucht, am Verfahren teilzunehmen, ist dokumentarisches Arbeiten natürlich ausgeschlossen. So war genaueste Recherche der Regisseurin vonnöten, um die filmischen Prozesse zu entwickeln und auszuarbeiten.
Mittels eines herausragenden Ensembles erzählt „All eure Gesichter“ verdichtet von zwei dieser Begegnungen, von Wut, Angst, Hilflosigkeit und Hoffnung, Schweigen und der erlösenden Kraft der Worte, von Einsicht, Misstrauen und Vertrauen, von ungeahnten Gemeinsamkeiten und manchmal auch von echter Wiedergutmachung.
„Die opferorientierte Justiz wurde zu einem sehr interessanten Feld; der ideale Rahmen, um einen starken Film zu schreiben, bei dem viel auf dem Spiel steht, psychologische Actionszenen, Raum für Dialoge; alles, was ich mag.“ sagt Jeanne Herry über ihre Beweggründe, und über die realen Projekte „Diese Begegnungen öffnen die Türen der Vorstellungskraft. Es ist wie bei einem guten Buch oder einem guten Film: Wir schaffen Raum für andere, für die Subjektivität der anderen, für innere Welten, die wir nicht kennen oder gut verstehen…“
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Credits:
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Je verrai toujours vos visages, FR 2023, 118 Min., frz. OmU, Regie: Jeanne Herry, Kamera: Nicolas Loir, mit: Adèle Exarchopoulos, Dali Benssalah, Leïla Bekhti, Birane Ba, Anne Benoît, Elodie Bouchez, MiouMiou, Gilles Lellouche
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Trailer:
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A film by Jeanne Herry. In French with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Face to face: in her new film, Jeanne Herry tackles the sensitive subject of perpetrator/victim encounters. At first glance, Gregoire, Nawelle, Sabine and Chloe have nothing in common – apart from the fact that they are all victims of crime. Now they are voluntarily taking part in a programme in which they meet criminals doing time for their crimes. For both sides, an emotional and difficult journey begins, in which courage, trust and friends are necessary to get past the rancour – and maybe find ways to conquer the shadows of the past.
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Credits:
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Je verrai toujours vos visages, FR 2023, 118 Min., frz. OmU, Regie: Jeanne Herry, Kamera: Nicolas Loir, mit: Adèle Exarchopoulos, Dali Benssalah, Leïla Bekhti, Birane Ba, Anne Benoît, Elodie Bouchez, MiouMiou, Gilles Lellouche
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Trailer:
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Mi., 8. 11.:
The Old Oak
Ein Film von Ken Loach.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

TJ Ballantyne ist Betreiber des Pubs The Old Oak in einer ehemaligen Grubenstadt in Nordengland, wo nicht nur der Ausverkauf leerstehender Häuser (damit der Werteverfall aller Immobilien) an auswärtige Investoren die Gemüter umtreibt. Die Schließungen sozialer Einrichtungen und Geschäfte, die Arbeits- und Aussichtslosigkeit machen den Menschen zu schaffen. Als eine Gruppe syrischer Geflüchteter im Ort untergebracht wird, wird es nicht als Chance für neuen Möglichkeiten gesehen, sondern als Gefahr. Zusammen mit der jungen Fotografin Yara, deren Vater wohl in Syrien vermisst wird, versucht TJ, gegen alle Anfeindungen ein solidarisches, alle einschließendes Netzwerk aufzubauen. Dass er für eine gemeinsame Kantine das ungenutzte Hinterzimmer des Pubs herrichtet, zuvor aber eine geplante Versammlung gegen die „Fremden“ dort untersagt hat, bringt seine Stammgäste zunächst gegen ihn auf.
In ihrer kleinen Utopie zeigen Loach und sein Autor Laverty einmal mehr die Zusammenhänge und Auswirkungen einer rein aufs Ökonomische gerichteten Politik auf. Für alle, denen das Ende zu positiv ist, gibt es einen Trost: die Geschichte hat sich, so oder so ähnlich, tatsächlich ereignet.
„Loachs [und Lavertys] Anliegen ist klar: Syrische Flüchtlinge und englische Arbeiter stehen auf derselben Stufe. Sie alle sind Unterdrückte und Opfer, entweder von Kriegen oder Marktinteressen. Flüchtlinge zu hassen, ihnen gar die Schuld an den eigenen Problemen zu geben, nur weil die Boulevard-Medien dazu anstacheln, hat deshalb keinen Sinn. Loach plädiert deshalb für Selbsthilfe. Die Kantine im „Old Oak“ ist so etwas wie eine pragmatische Lösung im Kleinen, ohne staatliche Vorgaben oder Hilfe. Hier begegnen sich fremde Menschen, um Vorurteile abzubauen und sich gegenseitig bei ihren Problemen zu helfen. Wer gemeinsam isst, versteht sich besser.
Das steht im wunderbaren Gegensatz zur aktuellen Politik, die vor unkontrollierten Flüchtlingsströmen warnt – und darum konsequenterweise in diesem Film gar nicht vorkommt.“
Michael Ranze | Filmdienst
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Credits:
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GB/FR/BE 2023, 113 Min., engl. OmU
Regie: Ken Loach
Drehbuch: Paul Laverty
Kamera: Robbie Ryan
Schnitt: Jonathan Morris
mit: Dave Turner, Ebla Mari, Debbie Honeywood, Reuben Bainbridge
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Trailer:
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OmU!
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A film by Ken Loach. In English with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

A pub as a place of division, but also interaction: In his new film, Ken Loach is once again a keen-sighted, warm-hearted seismograph of British society. The Old Oak is the only remaining public place where people in the once thriving North English mining community of Easington can meet. After 30 years of decline, TJ Ballantyne, the landlord, is desperate to save the pub, but with the arrival of Syrian refugees two different realities meet head-on. When TJ makes friends with Yara, a young Syrian woman, the two try to bring the two cultures closer together. For a better future – and for The Old Oak.
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Credits:
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GB/FR/BE 2023, 113 Min., engl. OmU
Regie: Ken Loach
Drehbuch: Paul Laverty
Kamera: Robbie Ryan
Schnitt: Jonathan Morris
mit: Dave Turner, Ebla Mari, Debbie Honeywood, Reuben Bainbridge
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Trailer:
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OmU!
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Mo., 6. 11.:
Fremont
Ein Film von Babak Jalali.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

„Das Kino kann ein Glückskeks sein“  Daniel Nehm | Die Zeit
„In ihrer afghanischen Heimat arbeitete Donya [Anaita Wali Zada, tatsächlich vor Jahren von dort geflohen] als Übersetzerin für die amerikanischen Besatzer, nun lebt sie in Fremont, einer kleinen Schlafstadt in der Nähe von San Francisco. Unspektakulär läuft das Leben hier ab, tagsüber arbeitet Donya in einer Fabrik, in der Glückskekse hergestellt werden, … nachts leidet sie an Schlaflosigkeit. Kein dramatisches Trauma plagt sie – so wie die gesamten 90 Minuten des Films betont undramatisch ablaufen – doch immer wieder fragt sich Donya, warum gerade sie überlebt hat, während so viele Menschen im Krieg starben. Warum lebt sie ein zwar bescheidenes, aber doch angenehmes Leben, warum hatte sie soviel Glück?
Als ideale Metapher auf dem Weg zur Erkenntnis funktionieren dabei die Glückskekse, jenes leicht süße Gebäck, in dessen Inneren sich eine mehr oder weniger sinnige Lebensweisheit befindet. Nicht zu präzise, aber auch nicht zu vage soll diese sein, erklärt ihr Chef Donya, nicht zu optimistisch, aber auch nicht pessimistisch. Eine schwierige Balance also, die auch Babak Jalalis Film erfolgreich hält: Irgendwo zwischen Komödie und Drama bewegt sich „Fremont“, in einer Welt der kleinen, genauen Beobachtungen, voller lakonischer Momente, mit lebensnahen Figuren, die Empathie auslösen und die man gerne beobachtet. Das angesichts dieses Tonfalls und besonders der ruhigen, im klassischen 4:3 Format kadrierten Bilder unweigerlich Vergleiche zu Jim Jarmusch wach werden ist kein Vorwurf, im Gegenteil: Mit seinem vierten Film „Fremont“ ist Babak Jalali ein bemerkenswertes Kleinod gelungen, voll von ganz eigenen Charakteren und kleinen, wahren Lebensweisheiten.“
Michael Meyns | programmkino.de

„Auch wenn es diese Inhaltsangabe nicht gleich vermuten lässt, handelt es sich bei „Fremont“ von dem iranisch-stämmigen, in London lebenden Regisseur Babak Jalali um eine leichtfüßige, intelligente Komödie, in der am laufenden Band witzige Dinge passieren, die die Hauptfigur stoisch hinnimmt. Ganz egal, ob Donya sich mit ihren Nachbarn unterhält, sich über die Leidenschaft eines Restaurantbesitzers für Soap Operas wundert oder die Blind-Date-Erfahrungen einer Kollegin mit anhören muss: Jalali findet stets lakonische, präzise geschriebene Dialoge und Situationen, die auf seine Vorbilder, Jim Jarmusch und natürlich Aki Kaurismäki, verweisen.” Filmdienst
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Credits:
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US 2023, 91 Min., engl.-farsi–kantonesische OmU
Regie & Schnitt: Babak Jalali
Kamera: Laura Valladao
mit Anaita Wali Zada, Hilda Schmelling, Jeremy Allen White, Avis See-tho
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Trailer:
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A film by Babak Jalali. In English, Farsi and Kantonese with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Beautiful and troubled 20-something Donya, an Afghan translator who used to work with the U.S. government, has trouble sleeping. She lives by herself in Fremont, California, in a building with other Afghan immigrants and often dines alone at a local restaurant watching soap operas. Her routine changes when she’s promoted to writing the fortunes at her job at a fortune cookie factory in the city. As her fortunes are read by strangers throughout the Bay, Donya’s smoldering longing drives her to send a message out to the world, unsure where it will lead.

Shot in black and white, and with warmth and a wry sense of humor, director Babak Jalali has crafted a loving portrait of a young woman haunted by the past but still filled with desire for companionship and connection. Featuring a cast of unforgettable, unique characters, and anchored by a beguiling debut performance from real-life Afghan refugee Anaita Wali Zada, Fremont is an ode to the curious beauty of trying to build a new life in a strange land.
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Credits:
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US 2023, 91 Min., engl.-farsi–kantonesische OmU
Regie & Schnitt: Babak Jalali
Kamera: Laura Valladao
mit Anaita Wali Zada, Hilda Schmelling, Jeremy Allen White, Avis See-tho
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Trailer:
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Mi., 1. 11.:
BlackBerry
Ein Film von Matt Johnson.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Zwei ungleiche Unternehmer – der hochintelligente Innovator Mike Lazaridis und der knallharte Geschäftsmann Jim Balsillie – tun sich zusammen. Mit einem Gerät, das der eine erfunden hat und der andere vermarktet, haben sie innerhalb von zehn Jahren weltweit Erfolg. Es nennt sich BlackBerry und revolutioniert die Art, wie die Welt arbeitet, spielt und kommuniziert. Aber gerade als das BlackBerry zu neuen Höhenflügen ansetzt, beginnt es im Nebel der Smartphone-Kriege, Managementkrisen und Ablenkungsmanöver schon wieder die Orientierung zu verlieren, was schließlich zum Zusammenbruch eines der erfolgreichsten Unternehmen in der Geschichte der Technologie- und Geschäftswelt führt.
Johnsons frühere Werke (The Dirties, Operation Avalanche) zeigen Filmfreaks, die getrieben sind von der Idee, selbst mit der Kamera etwas auf Film zu bannen, das in Wirklichkeit unglaublich, wenn nicht unmöglich erscheint. Seine Geschichten handeln von scheinbar unscheinbaren Menschen, die etwas erreichen wollen, das bisher noch niemandem gelungen ist. Mit dem ihm eigenen, beißenden Humor verblüfft er uns dieses Mal mit der Story von zwei Kanadiern, die zwischen gemeinsamen Filmabenden ein Werkzeug erfanden, das aus unserem Leben nicht mehr wegzudenken ist.

„Dank einer nostalgisch-ironischen 90er und 00er Ästhetik, der permanenten Gegenüberstellung von Geek-Kultur und Corporate Warfare und unzähligen Film‑, Game- und Pop/Rock-Zitaten gelingt Johnson dabei eine Tragikomödie, die sich wieselflink zwischen Wayne’s World, The Social Network und Wallstreet bewegt.„
Sennhausers Film Blog
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Credits:
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CA 2023, 121 Min., engl. OmU
Regie: Matt Johnson
Kamera: Jared Raab
Schnitt:Curt Lobb
mit Jay Baruchel, Glenn Howerton, Matt Johnson, Cary Elwes, Saul Rubinek, Michael Ironside, Rich Sommer, Sungwon Cho, Michelle Giroux, Mark Critch
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Trailer:
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OmU!
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A film by Matt Johnson. In English, with German subtitles.

[Credits] [Tickets & Termine] [Trailer]

Two mismatched entrepreneurs – egghead innovator Mike Lazaridis and cut-throat businessman Jim Balsillie – joined forces in an endeavour that was to become a worldwide hit in little more than a decade. The device that one of them invented and the other sold was the BlackBerry, an addictive mobile phone that changed the way the world worked, played and communicated. But just as BlackBerry was rising to new peaks, it also started losing its way through the fog of Smartphone wars, management indecision and outside distractions, eventually leading to the breakdown of one of the most successful ventures in the history of the tech and business worlds.
In his earlier works (The Dirties, Operation Avalanche), Matt Johnson has proven how irresistible an urge it is for cineastes equipped with a camera to capture on film that which seems incredible, or even impossible. His are the stories of seemingly unremarkable individuals who are tempted to achieve something that nobody else has. Coupled with his own brand of savage humour, Johnson amazes us with this story of two Canadian guys who, in between movie nights, invented the tool that, for better or worse, changed our way of doing pretty much everything.
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Credits:
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CA 2023, 121 Min., engl. OmU
Regie: Matt Johnson
Kamera: Jared Raab
Schnitt:Curt Lobb
mit Jay Baruchel, Glenn Howerton, Matt Johnson, Cary Elwes, Saul Rubinek, Michael Ironside, Rich Sommer, Sungwon Cho, Michelle Giroux, Mark Critch
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Trailer:
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OmU!
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Do., 26. 10.: